Cidade de deus 10 anos depois

de Cavi Borges y Luciano Vidigal. Brasil, 2013. 75’.
26 de marzo de 2015. Centro Niemeyer, VIII Edición de Novocine, Avilés. V.O.S.

¿Puede una película cambiar la vida de alguien? La ciudad de dios pudo hacerlo con esas gentes de las favelas que interpretaban personajes de las favelas. Diez años después vemos cómo han cambiado (o no) sus vidas.

Vuelve al Niemeyer Novocine, la muestra de cine brasileño que ya estuvo aquí en 2011 y que en esta VIII edición traerá a Avilés seis películas brasileñas hasta el domingo. Cavi Borges se mostró sorprendido y satisfecho por poder exhibir su película en este lugar tan hermoso que nos regaló su compatriota. Unas impresionantes imágenes aéreas de las favelas de Río abren y cierran este retrato coral sobre lo que ha sido de algunos de los actores de aquella magnífica película. Diez años después los personajes de Meirelles están seguramente más desdibujados en mi memoria que en la de los brasileños (allí hubo después una serie titulada Ciudad de los hombres en la que participaron algunos de los actores de la película) y eso afecta a la forma en que se ve el documental y adquieren relevancia las diferencias entre lo que supuso Ciudad de dios para cada uno de ellos. En el agradable coloquio que siguió a la proyección se habló de las dos películas, de los actores y personajes, del cine, de Brasil y de las favelas. Y daba gusto escucharlo en ese delicioso portugués brasilero.

Meteora

de Spiros Stathoulopoulos. Grecia, 2012. 82’.
25 de marzo de 2015. Centro Cultural Valey, Piedras Blancas. V.O.S.

Un monje y una monja suben y bajan de los monasterios de Meteora. Cuando están arriba se hacen señales con espejos. Cuando bajan se hacen el amor.

Los espectaculares paisajes de Meteora y los iconos animados son lo mejor de la película. Los monasterios encaramados en esas dos montañas naif y el árbol en lo alto de la tercera resultan fascinantes. Pero las figuras que seguimos en esos paisajes son menos interesantes. Si no fuera por los episodios eróticos casi sería cine religioso. Bello y aburrido.

Mr. Kaplan

de Álvaro Brechner. Uruguay, 2014. 98’.
24 de marzo de 2015. Casa de la Cultura, Avilés.

Mr. Kaplan es un judío uruguayo que quiere hacer algo importante al final de su vida. Por ejemplo, entregar a Israel a un anciano alemán que podría ser uno de los nazis que se ocultaron en Sudamérica tras la guerra.

El mito de Don Quijote encarnado por este anciano decrépito y un Sancho Panza alcohólico. Un par de ingenuos que algo han oído de lo que le pasó a Eichmann en Buenos Aires y quieren redimirse encontrando una víctima propiciatoria para su acción justiciera. El planteamiento inicial promete, pero pronto lo previsible hace larga una comedia que no molesta pero que defrauda.

La jaula de oro

de Diego Quemada-Díez. México, 2013. 110’. 
22 de marzo de 2015. Cines Centro, Gijón.

Desde su pueblo guatemalteco tres adolescentes emprenden el viaje hacia el norte. Son una chica que simula no serlo, su novio y un amigo. Luego se les unirá otro que solo habla su lengua maya. Al final solo uno de ellos llegará a su destino. 

Una cautivadora rail-movie que sigue la senda de la sobrecogedora Sin nombre de Cary Joji Fukunaga. Las dos nos muestran el duro periplo de miles de emigrantes centroamericanos que encaramados en trenes de mercancías intentan cruzar todo México para alcanzar la frontera soñada. Las dos son películas duras y conmovedoras. La jaula de oro es quizá menos espectacular y más contenida que Sin nombre. Pero las dos muestran un drama al que Diego Quemada-Díez ha querido poner nombre propio con el agradecimiento a los cientos de emigrantes reales que aparecen en los títulos de crédito y que dan mayor verosimilitud si cabe a esta magnífica película. Magnífica por lo que retrata y denuncia y también magnífica por la forma en que lo hace. Con encuadres elegantes que, sin embargo, saben evitar ese preciosismo que a veces desvirtúa tantos relatos que pretenden conmover. Y con una narración coherente y valiente que sabe no desviarse del horizonte marcado por el camino del hermoso cartel. El sugerente triángulo sentimental que consigue trenzar desde el principio hace difícil no querer seguir el destino de la protagonista cuando unos canallas la arrancan de la ruta. Pero Quemada-Díaz sabe que no puede permitirse desviarnos de un relato que también en ese dramatismo es el de las incertidumbres y desgarros de quienes siguen un viaje hacia el norte que saben con quién comienzan pero no cómo terminará. La jaula de oro es una película conmovedora, necesaria y con la notable belleza de su medida sencillez.

El año más violento

de J.C. Chandor. EE.UU., 2014. 124’.
21 de marzo de 2015. Cines Los Prados, Oviedo.

Abel tiene una flota de camiones que distribuyen combustible en Nueva York. Varios de ellos han sufrido asaltos y robos. Aunque es un empresario ambicioso, siempre ha querido escoger el camino más correcto. Por eso se niega a usar prácticas mafiosas y a dar armas a sus conductores. Sin embargo, el último asalto y las investigaciones de la fiscalía hacen que el banco le niegue un préstamo para comprar unas naves. Ya había entregado un importante depósito y solo tiene unos días para conseguir el dinero. Pero sigue empeñado en hacer siempre lo correcto.

Chandor situó en medio de una tempestad a aquel Noé solitario que encarnó Robert Redford en la magnífica Cuando todo está perdido. Y en el ojo del huracán financiero colocó a aquel Caín capitalista que Jeremy Irons hacía temible en la espléndida Margin Call. Ahora nos presenta a este Abel de la economía productiva en el peor momento y en el peor lugar: el turbulento Nueva York de 1981. Y vuelve a demostrar que es un director magnífico que sabe construir historias poderosas en las que no decae el interés ni un segundo. Después del Llewyn Davis de los hermanos Coen, Oscar Isaac vuelve a clavar un personaje singular que, como el propio Chandor en sus tres películas, reivindica los mejores valores en las peores circunstancias. Un tipo de cine que muchos ya han comparado con el de algunos grandes clásicos. Quizá Chandor se esté convirtiendo en uno de ellos.

Las altas presiones

de Ángel Santos. España, 2014. 95’.
18 de marzo de 2015. Centro Cultural Valey, Piedras Blancas.

Miguel vuelve a Galicia desde Madrid para buscar localizaciones para una película. En esa semana se reencuentra con sus amigos. También con Alicia, una joven enfermera que podría rescatarlo de su tristeza.

Una historia sobre el extrañamiento. El de un joven que vuelve a su tierra para buscar en espacios ruinosos los escenarios para la película de otro. El de alguien que encuentra en las vidas de los otros la perspectiva para considerar arruinada la suya. Las altas presiones es una pelicula de atmósferas depresivas. Las de las imágenes tristes que Miguel graba para otro. Las de una soledad que quizá solo esa enfermera podría aliviar.

Quelques heures de printemps

de Stéphane Brizé. Francia, 2012. 108’.
13 de marzo de 2015. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Tras pasar dieciocho meses en la cárcel Alain vuelve a vivir con su madre. Pero no se entienden. Yvette es una mujer ordenada y apacible. Su hijo también tiene un carácter tranquilo pero a veces reacciona de forma muy agresiva con ella. Él está pasando un mal momento y ni siquiera es capaz de conservar una relación amorosa que parece perfecta. Ella está perdiendo la batalla contra un cáncer en el cerebro y ha decidido pedir ayuda a una organización suiza para el suicidio asistido. Los dos comparten la incapacidad para expresar los afectos. Casi hasta el final. 

Vincent Lindon y Hélène Vincent tienen unas interpretaciones superlativas en esta película en la que los gestos y los silencios lo dicen todo. También  están magníficos  Olivier Perrier y Emmanuelle Seigner en esos papeles secundarios tan amorosos (la despedida entre Yvette y su vecino o el último encuentro entre Alain y su novia son instantes preciosos que apuntan hacia las otras vidas que podrían haber tenido esa madre segura pero triste y ese hijo agradable pero pasmado). Hasta la perra está magnífica como puente afectivo entre los dos. Quelques heures de printemps es una película de interpretaciones sobresalientes, pero también una historia con un guión y una dirección memorables. Una cámara que se mueve poco deja que los personajes y los ambientes se hagan tan naturales que Stéphane Brizé recuerda a Jaime Rosales en esa perfección hiperrealista con que retrata delicadamente unas vidas de tristeza bien cercana. Pero en el último tramo esta historia de (des)afectos fluye hacia una mirada muy directa a la cuestión de la eutanasia. Y ahí uno piensa en Haneke y en el intensísimo drama que su veterana pareja componía en aquel Amor que casi exigía el llanto del espectador. Stéphane Brizé apuesta por la contención al tratar el mismo tema y, al hacer que sea filial e inexpresado el amor de esta pareja, consigue casi más con mucho menos. De esas últimas horas de primavera en Suiza no salimos con un nudo en la garganta, pero sí sabiendo que hemos visto una película delicadamente impresionante.

Sobre la marxa

de Jordi Morató. España, 2013. 77’.
12 de marzo de 2015. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

El Garrell es un niño grande que juega en el bosque. Allí ha creado y recreado tres veces un mundo de estanques, cabañas, laberintos y torres de madera. Un escenario perfecto para que su amigo Aleix filme sus correrías en películas caseras en las que interpreta a un Tarzán que retoza salvaje lejos del hombre civilizado.

El Garrell es Josep Pujiula, un hombre rústico que entiende la vida como un juego en el bosque. Y un artista espontáneo sobre el que Jordi Morató construye una extraordinaria película que aún sorprende más por ser su proyecto fin de grado. El Garrell hace arte con materiales efímeros de su entorno. Y Morató también. De hecho, buena parte de su documental está hecho con imágenes de las filmaciones en video en las que Garrell hacía tarzanadas en el bosque hace muchos años. La ingenuidad naíf de aquellas imágenes envejecidas recuerda a la de las propias películas en blanco y negro que inspiraron las correrías de este buen salvaje de la Garrotxa. Con un montaje magnífico de ese material alucinante y una voz en off que va componiendo una reivindicación perfecta de ese artista juguetón, Morató aporta un nuevo sentido al concepto de documental de creación. Sobre la marxa es una reivindicación de esas formas artísticas espontáneas e inesperadas, una reflexión antropológica de optimismo casi rousseauniano y un homenaje a la tenacidad humana y a la capacidad de jugar a cualquier edad. Y también un ejemplo del poder que tiene el cine para hacer perdurable lo efímero a partir de viejas imágenes que parecen compuestas con el hermoso orden de lo que se hace sobre la marcha.

Metalhead

de Ragnar Bragason. Islandia, 2013. 97’.
11 de marzo de 2015. Centro Cultural Valey, Piedras Blancas. V.O.S.

Hera Karlsdottir no consigue superar la muerte de su hermano. A él le gustaba el Heavy metal y ella hereda esa pasión que la va separando de sus padres y de los miembros de la comunidad rural en la que vive.

El terrible accidente con el tractor y la iniciación musical como luto del que la protagonista parece incapaz de salir hacen que interese esta historia islandesa en la que las vacas importan tanto como los decibelios. Pero el relato pierde en contención cuando plantea que la comprensión y la solidaridad de todos podrán redimirla.

Blue ruin

de Jeremy Saulnier. EE.UU., 2013. 91’.
10 de marzo de 2015. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

La ruina azul es el coche en el que vive Dwight, un vagabundo tranquilo al que una policia amable comunica que el asesino de sus padres saldrá pronto de la cárcel. Él va a buscarlo para matarlo. Ahí comienza un ajuste de cuentas con sus familias.

Hay casi más armas que palabras en esta película. Conocemos a nuestro (anti)héroe en un tiempo en que no habla con nadie. Y en los días en que lo seguimos no dice casi nada. Parece una buena persona que intenta ser meticulosa en todo lo que hace. Pero un drama del pasado ha torcido su vida y parece condenarlo a cumplir una venganza. Es un buen thriller parsimonioso que termina mal para (casi) todos. Como una tragedia clásica.

Fuerza mayor

de Ruben Östlund. Suecia, 2014. 118’.
8 de marzo de 2015. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Una pareja sueca y sus hijos pasan cinco días en una estación de esquí. Al poco de llegar una avalancha alcanza repentinamente la terraza del restaurante en el que están comiendo. El padre sale corriendo sin poner a salvo a los niños. Aunque no les pasa nada, el incidente lo cambia todo. 

El miedo desata el instinto y compromete los afectos. En unos segundos el equilibrio tácito de una pareja se convierte en inestable. Por eso al principio no hablan de lo que les ha pasado. Por eso luego no dejan de hacerlo ante terceros. El incidente es banal y enorme a la vez. Un punto de partida magnífico para esta reflexión sobre la familia y la pareja, de honduras casi bergmanianas, camuflada en un relato que no pierde el interés ni un segundo y que combina estupendamente el drama con la ironía. Con un punto de partida tan brillante y un entorno invernal (y humano) tan cautivador parecía que el final solo podría defraudar. Pero no. De hecho, Ruben Östlund casi nos ofrece dos (a cuál mejor). El que intenta restablecer en medio de la nieve el equilibrio familiar perdido y el que en ese autobús inestable hace que otra vez el miedo desate el instinto y ponga a prueba los afectos.

Dos metros de esta tierra

de Ahmad Natche. Palestina, 2012. 80’.
5 de marzo de 2015. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Una tarde de verano en Ramala. Se prepara un festival de música. Y un documental para la televisión palestina. Vemos escenas cotidianas de una vida apacible.

Y eso es lo que sorprende. Ese tiempo tranquilo en un espacio que parece como cualquier otro. Como si lo fuera. Como si esos jóvenes palestinos no tuvieran nada que ver con aquellos otros de las fotografías antiguas con Arafat. Como si los sufrimientos que relata la mujer mayor correspondieran a un conflicto ya superado. Si el festival y el documental no fueran palestinos la película sería muy aburrida. Ahmad Natche expresó en el coloquio su voluntad de dejar el dolor fuera de campo. Por eso los planos fijos de esa tarde de tedio estival los filma en un espacio cultural muy cercano a la tumba del poeta Mahmud Darwich. El que dejó escrito que "dos metros de esta tierra serían suficientes para mí”.

El gran salto adelante

de Pablo Llorca. España, 2014. 87’.
4 de marzo de 2015. Centro Cultural Valey, Piedras Blancas.

Un profesor de música, una caja de resistencia, una inmigrante mexicana, un desahucio, un jubilado, latinos en un parque... Historias madrileñas en tiempos de crisis.

La ironía maoista del título enmarca esta denuncia triste de las miserias (también morales) que sufren las víctimas de estos tiempos austericidas. Pero la verosimilitud es condición inexcusable de cualquier relato y El gran salto adelante carece de ella en varios momentos. Por ejemplo, en esa huelga de profesores que se sostiene con cajas de resistencia más propias de aquellos tiempos en que en España todavía había maoístas.

El silencio del agua

de Sabiha Samur. Pakistán, 2003. 99’.
3 de marzo de 2015. Centro Cultural Valey, Piedras Blancas.

El hijo de Aïcha entra en contacto con islamistas radicales y la vida de los dos cambia. Él va abandonando los planes que tenía con su novia. Para ella regresa un secreto del pasado con la llegada de un hermano que vive en la India. 

"Mujeres a pie de cámara" es el título del ciclo en que se integra esta película. El niño dormido y A las cinco de la tarde serán las que lo completen los próximos martes en el Valey. La intolerancia religiosa en Pakistán enmarca la vida de esta mujer que debió olvidar la religión de sus padres por la presión ejercida por la que ahora está radicalizando a su hijo. Pero las intenciones resultan demasiado obvias y la historia no cautiva.

El hombre y la música

de Laura Sipán. España, 2013. 52’.
1 de marzo de 2015. Centro Niemeyer, Avilés.

El hombre es Antón García Abril. Y la música la que ha compuesto para tantas series y películas. En esta lo vemos a punto de cumplir ochenta años y de recibir un homenaje en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. También preparando con su nieto un concierto escolar en el que interpretarán a cuatro manos una música que todos conocemos: la de El hombre y la tierra.

Es más un homenaje que un documento. Varios músicos hablan con cariño del hombre y de su música. También su mujer y sus hijos. Y él mismo. Sobre todo cuando lo vemos componiendo rodeado de sus nietos.