Amarga Navidad

de Pedro Almodóvar. España, 2026. 111’.
21 de marzo de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

Tras un tiempo sin buenas ideas, Raúl está trabajando en el guion de una nueva película. Para ello echa mano de cosas que le han pasado a él y a las gentes de su entorno. Y eso es lo que vemos: las migrañas y ataques de pánico de Elsa (que también es una directora de culto), su relación con su pareja Bonifacio (un bombero que trabaja como streapper) y los encuentros en Lanzarote con su amiga Patricia (a la que engaña su marido) o con Natalia (que no supera el dolor por la muerte de su niño). También están Mónica, la asistente permanente que ahora va a dejar a Raúl, y Santi, ese buen hombre que vive con él y todavía le aguanta. 

 

Mucha gente y varios planos para una historia con pretensiones de entreverar la ficción, la metaficción y hasta esa subficción que parece bucear en la vida y obra del director manchego más colorista. La autoficción la reservo para ese diálogo final que es, a la vez, lo mejor de la película y un repertorio de argumentos para no haberla hecho (o no haberla hecho así). Y es que el propio Almodóvar (en realidad, su asistente) pareciera estar anticipando el trabajo de Boyero, logrando a la vez cosas tan curiosas como ponerse a caldo y reivindicar su genialidad. Lo cierto es que, al margen de ese duro haraquiri o bonito broche final, Amarga Navidad tiene en la verosimilitud de las situaciones, en la escritura de los diálogos y en el descuido de los personajes, algunos de los defectos típicos de buena parte del cine de Almodóvar. Él intenta compensarlo con sus típicos combinados cromáticos y con esa comicidad esperpéntica que han dado a su apellido la incierta gloria de convertirse en adjetivo. Pero no resulta suficiente para que llegue a ser una buena película esta Amarga Navidad.   

 

Mr. Nobody contra Putin

de David Borenstein y Pavel Ilyich Talankin. República Checa, 2025. 90’.
16 de marzo de 2026. Filmin. V.O.S.

En un centro educativo de una población de los Urales, el responsable de medios audiovisuales y eventos escolares asiste al creciente adoctrinamiento militarista de sus alumnos con motivo de la invasión de Ucrania. Son iniciativas gubernamentales que, poco a poco, van calando en unos niños y adolescentes que disfrutan aprendiendo a desfilar y a trastear con las armas que les traen los militares. Ese profesor cada vez se siente más solo, pero un director de cine extranjero le propone salir de Rusia y montar las imágenes que ha estado grabando. 

 

Vemos esta película justo en el día en que recibe el Oscar al mejor documental en una gala en la que los mayores galardones se los ha llevado Una batalla tras otra, un alegato  claro contra el trumpismo. Sin embargo, estos premios antimilitaristas no se han visto acompañados por ningún comentario crítico contra  las derivas autoritarias y belicistas en ese país. Solo Javier Bardem, un español, se ha atrevido a gritar alto y claro desde el escenario ¡No to war and free Palestine! (llevando la pegatina en español del No a la guerra). Así que es posible que un documental tan nítidamente antimilitarista y pacifista como este quizá no haya sido premiado por eso, sino por su manifiesta oposición a Putin, cuando es tan difícil establecer grados en la perfidia de gentes tan siniestras como Netanyahu, Trump o él. Lo mejor del documental es su denuncia de la obscenidad de la guerra y de acostumbrar a los menores a la lógica militar. Claro que, habiendo vivido la entrada de militares en patios y aulas asturianas y el rechazo de un equipo directivo a promover una educación para la paz, el desarme y los derechos humanos, porque eso podría incomodar a los uniformados armados que vienen al recinto escolar, uno piensa que los Urales no quedan tan lejos de aquí.

Águilas de El Cairo

de Tarik Saleh. Suecia, 2025. 127’.
15 de marzo de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

El actor más famoso de Egipto se ve obligado a protagonizar una película sobre la llegada del presidente Al-Sisi al poder. La trama de coacciones que recibe es compleja y, sin saberlo, se ve involucrado  en una conspiración para matarlo en un acto militar.

 

Los títulos de las películas cairotas de Tarik Saleh son un verdadero lío. The Nile Hilton Incident y Boy From Heaven las vimos en la Seminci, pero para su exhibición comercial en España les pusieron El Cairo confidencial y Conspiración en El Cairo. Así que esta vez me rindo y titulo Águilas de El Cairo a Les Aigles de la Republique. Lo cierto es que me parece la más floja de las tres. Al principio se centra en la vida privada del protagonista para derivar luego en una trama política que deja olvidados algunos de los hilos narrativos iniciales. El cambio es notable y algo muy curioso es que se incluye un atentado contra Al-Sisi en el desfile del 6 de octubre que parece un calco del que en 1981 acabó con la vida de Sadat. No sé si en Egipto llegarán a ver esta película, pero estaría bien saber cómo la recibirían allí.

Pillion

de Harry Lighton. Reino Unido, 2025. 106’.
10 de marzo de 2026. Cines Los Prados, Oviedo. V.O.S.

Colin, un joven tímido, feucho y dócil, queda fascinado por Ray, un motero guapísimo que, inesperadamente, se fija en él. Los dos inician una relación en la que parecen muy felices: Ray domina y Colin obedece. Los padres de Colin han visto con muy buenos ojos que Colin tenga pareja. Pero la madre, que está muy enferma, no está muy conforme con la feliz sumisión de su hijo.

A Harry Lighton su primer largometraje le ha salido muy bien. Cuesta explicar que una película centrada en el ejercicio y la aceptación de la sumisión más radical pueda resultar bonita, tierna y muy entretenida, a la par que explícita. Pero es justamente eso lo que Harry Lighton consigue con un trabajo magnífico de Alexander Skarsgård (el guaperas dominante) y Harry Melling (el feucho dominado). La gracia de esta historia no está solo en la relación entre ellos, sino en la fascinación que también provocan personajes de su entorno como los padres de Colin y los colegas moteros de Ray. Con esta estupenda película, Harry Lighton ha demostrado que la homosexualidad masculina da para historias tan singulares como hacer compatible la ternura y la sumisión. Aunque quizá no lo habría conseguido si la relación elegida fuera heterosexual.

El mago del Kremlin

de Olivier Assayas. Francia, 2025. 156’.
7 de marzo de 2026. Cines Ocimax, Gijón. V.O.S.

Vadim Baranov (o Vladislav Surkov) habría sido la mano derecha de Putin desde su llegada al poder hasta 2020. Alejado del Kremlin, recibe en su casa a un escritor al que le va contando la forma en que aquel gris funcionario de la KGB se fue convirtiendo en el nuevo zar de Rusia. Es un relato sobre la gestación de su omnímodo poder y, a la vez, un repaso de la geopolítica rusa y desde los tiempos de Yeltsin, el desbordamiento del capitalismo de los oligarcas, la guerra de Chechenia, el hundimiento de Kursk, la revolución naranja, la invasión de Crimea y las Olimpiadas de Sochi.   

 

Salvando las distancias entre Putin y Fernando de Aragón, se podría decir que Vadim Baranov tenía el realismo político de Maquiavelo y una fina intuición para manejar la lógica mediática de las democracias algorítmicas. Olivier Assayas y Emmanuel Carrère aciertan al mostrarnos la antesala del presente global, la historia reciente de Rusia y el perfil de su actual zar, dejando que sea la voz narrativa de ese asesor lúcido, sosegado y taimado, la que nos vaya contando, casi al oído, sus recuerdos. Uno solo lamenta escuchar en inglés, y no en ruso, este relato de dos horas y media que se hacen muy cortas y que se une a esa serie de aportaciones cinematográficas a la comprensión de la historia contemporánea tan interesantes como Margin Call, de J.C. Chandor, Comportarse como adultos, El capital, ambas de Costa-Gavras, Citizenfour, de Laura Poitras, Snowden, de Oliver Stone, Merkel, de Stephan Wagner, La imagen perdida, de Rithyi Panh, The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer, Hammarskjöld, de Per Fly, Expediente Netanyahu, de Alexis Bloom, El juicio, de Ulises de la Orden, o The apprendize, de Ali Abbasi. Así que El mago del Kremlin, además de muy interesante, es una película que ayuda a entender mejor estos tiempos difíciles.

La llegada del hijo

de Cecilia Atán y Valeria Pivato. Argentina, 2024. 87’.
5 de marzo de 2026. Centro Niemeyer, Avilés.

El hijo de Sofía sale de la cárcel. Ella va a recogerlo, pero la relación entre los dos es difícil. Sofía vive algo así como un duelo por lo que él hizo. Poco a poco sabremos los motivos. Los de él para atropellar a su entrenadora de natación y los de ella para no superarlo.

Un hijo, una madre y una abuela. Y otra mujer joven casi en fuera de campo. A ella solo la vemos en forma de recuerdos. Muchos bajo el agua, donde Sofía y ella eran muy felices. Fuera está ese presente en el casi siempre llueve y en que la salida del hijo de la cárcel y la protección que recibe de la abuela acrecientan el duelo. La llegada del hijo es el relato de un drama con el tiempo magníficamente fragmentado. Apenas el coche en el que van, el corte de pelo de él y la posición de los muebles en la casa de ella nos señalan sutilmente si lo que vemos corresponde al presente o al pasado. Además de los tiempos, los espacios (bajo el agua o bajo la lluvia, suntuosos en la casa de la abuela o rotundos en el cementerio brutalista) también enmarcan sin subrayados los estados de ánimo de Sofía. La llegada del hijo es una tragedia contada con una contención perfecta. Cecilia Atán y Valeria Pivato la sitúan en un espacio urbano invernal con apenas tres figuras en un paisaje emocional desolado. Es el contrapunto perfecto de la historia tierna y luminosa que transcurría en una sola jornada sobre aquel amor posible entre una mujer y un hombre en el paisaje remoto de La novia del desierto. Cecilia Atán y Valeria Pivado solo han dirigido esos dos largometrajes, pero con ellos han demostrado que son grandes cineastas de ese cine argentino que en estos tiempos difíciles debería recibir mucho más apoyo en la programación de nuestras salas. A ellos les vendría muy bien y a la cinefilia española también.

Aquel verano en París

de Valentine Cadic. Francia, 2025. 77’.
26 de febrero de 2026. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Con su mochila de colores y sus treinta años, Blandine llega desde Normandía a pasar unos días de agosto en París. Son las olimpiadas de 2024 y quiere ver las competiciones de natación. Y también a su hermanastra y a su sobrina, que ya tiene ocho años y aún no la conoce. Pero la intensidad de la ciudad y sus gentes en un momento como ese tiene poco que ver con su carácter lento y bondadoso.

 

La ciudad no es para mi. Esa podría ser la conclusión de Blandine cuando regrese a la orilla del mar en Normandía. Llega acostumbrada a la soledad, pero abierta a las personas, aunque será difícil que después de esos días quiera volver a París. Su carácter de buenaza medio pánfila podría decantar la película hacia una comicidad impertinente, pero Valentine Cadic consigue que esa joven a la deriva inspire, más bien, ternura y acabe demostrando fortaleza y criterio tras su aparente vulnerabilidad. Aquel verano en París tenía muchos boletos para ser una de esas películas que provocan la risa en millones de franceses. Por fortuna, su compasiva delicadeza tiene poco que ver con ese tipo de cine.

Sin conexión

de Bradley Cooper. EE.UU., 2025. 124’.
25 de febrero de 2026. Cines Los Prados, Oviedo. V.O.S.

Alex y Tess tienen dos hijos y se acaban de separar. Él lo lleva bastante mal, pero encuentra cierto consuelo improvisando monólogos en locales para aficionados. El tema recurrente de su crisis matrimonial tiene cierto éxito y le resulta catártico.

 

Bradley Cooper cambia el tono de sus anteriores biopics sobre Lady Gaga (Ha nacido una estrella) y Leonard Bernstein (Maestro) con una historia sobre la vida sentimental de una pareja neoyorquina de clase media. Un tema que han tratado muy bien directores como Woody Allen, Noah Baumbach o Ira Sachs. La historia está bien contada, tiene interesantes diálogos (además de los monólogos) y se acerca al desamor en la madurez sin la aspereza, la tristeza o el tono cómico habituales en ese tema. La diferencia entre sufrir con el matrimonio o sufrir en el matrimonio es, para los personajes de Cooper, la clave para superar el desconsuelo de la ruptura y recuperar una felicidad razonable con un amor más sosegado. 

 

Turno de guardia

de Petra Biondina Volpe. Suiza, 2025. 92’.
24 de febrero de 2026. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

Un día en la vida de Floria. Una jornada intensísima en la tercera planta del hospital en el que trabaja como enfermera. Las tareas se multiplican y ella intenta mantener en todo momento la calma y dar el mejor trato a todos los pacientes. Solo están ella y una compañera, pero no dan abasto y Floria está a punto de sentirse superada.  

 

No es un plano secuencia, pero lo parece. Seguimos en todo momento el intenso ajetreo de esta enfermera que tiene que hacer también de celadora, cuidadora y estar pendiente de lo que no alcanzan a atender los médicos. La película es trepidante y uno no sabe si será un buen alegato en favor de esa profesión o ahuyentará a quienes crean tener vocación para ese importante trabajo. Lo cierto es que Turno de guardia pone de manifiesto la intensidad y dureza de los trabajos hospitalarios y en eso haría un buen díptico con Matronas, de Léa Fehner. De Petra Volpe habíamos visto en el festival de Gijón El orden divino, una película sobre la movilización de las mujeres suizas para conseguir el derecho al voto nada menos que en los años setenta. Turno de guardia es bastante mejor, pero las dos películas comparten el propósito de dar a conocer cosas importantes. En este caso, el valor de las profesiones del cuidado y las duras condiciones en que a veces desarrollan su trabajo.

El último arrebato

de Marta Medina y Enrique López Lavigne. España, 2025. 108’.
30 de enero de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

Una película sobre otra película. Unos cineastas acercándose a las circunstancias en que Iván Zulueta dirigió aquel Arrebato que primero fracasó y después se convirtió en obra de culto. Es una evocación en la que participan algunos de los que hicieron aquella película. Y casi una invocación de los enigmas cinéfilos de sus imágenes y de aquella inquietante cámara.    

 

"Pedro solo mira sus cintas, su pantalla y su cámara. Lo que Pedro envía a José es quizá la primera correspondencia fílmica del cine español. E Iván Zulueta nos la manda a nosotros para que desentrañemos en qué medida esos dos personajes protagonizan o revelan una historia. Quizá la suya. O quizá la de aquellos tiempos arrebatados que precedieron a las movidas." Así terminaba mi reseña de Arrebato y parece que estuviera anticipando las intenciones de esta película. En el año en que Richard Linklater ha estrenado Nouvelle Vague rescatando la forma en que Jean-Luc Godard filmó Al final de la escapada, Marta Medina, Enrique López Lavigne y Jaime Chavarri han hecho algo parecido con la película emblemática de Iván Zulueta. El último arrebato y el primero dialogan magníficamente en un juego de espejos que desborda el cine documental. De hecho, las dos películas tienen tanto de ficción como de introspección entre cineastas. Aquí da gusto ver a Jaime Chávarri, a Cecilia Roth y, especialmente, a Eusebio Poncela (quizá este fue su último trabajo). Pero también es muy interesante lo que dice Carlos Heredero al comienzo de la película, emparentando la pasión cinéfila de Iván Zulueta y sus personajes de Arrebato con la del protagonista de Vida en sombras, aquella extraordinaria película que Llorenç Llovet-Gràcia había dirigido tres décadas antes. No hay duda de que, a pesar de los destinos trágicos de algunos de sus miembros, la generación de la movida ha tenido un reconocimiento y una reivindicación que no han recibido creadores españoles de tiempos anteriores y mucho más difíciles. Quizá por la amnesia general que se encontró Max Aub cuando visitó España. O quizá porque, como también supo Agustín Gómez Arcos,  la movida ochentera era bastante psicodélica, pero también muy adanista.

El agente secreto

de Kleber Mendonça Filho. Brasil, 2025. 158’.
21 de febrero de 2026. Cines Los Prados, Oviedo. V.O.S.

Marcelo regresa a Recife, la ciudad en la que sigue viviendo su hijo con sus abuelos y en la que él busca refugio y ayuda para salir del país. Es el carnaval de 1977 y en realidad Marcelo se llama Armando y hay quienes quieren matarlo.  

 

Wagner Moura podría ganar este año un Oscar por su excelente papel en esta película con la que Kleber Mendonça Filho ya ha ganado el premio a la mejor dirección en el festival de Cannes. Me alegro mucho de este reconocimiento, no solo porque su película es magnífica, sino porque es un director comprometido con un cine radicalmente brasilero, norteño, sensible a las realidades urbanas y con un amor infinito por las salas de cine. Algo que sigue teniendo presente en esta película y que ha caracterizado a un cineasta que descubrí hace tres años en la Seminci y del que hasta ahora había visto Retratos fantasmas y Sonidos de barrio. Igual que en aquellas, Kleber Mendonça Filho sitúa esta historia en su ciudad, Recife, y en este caso en otro tiempo: el de hace casi cincuenta años durante la dictadura. La ambientación es magnífica y la miscelánea de situaciones y personajes es muy rica sin que por ello resulte complicado seguir la trama. Al contrario, desde la sorprendente primera escena va dejando hilos que se irán tejiendo de distintas formas, algunas oníricas, otras poéticas y también políticas. Con homenajes al cine desde el propio título (al Hichtcock de hace noventa años) y también a las salas de cine (un lugar propicio para transfusiones de vivencias o de sangre), El agente secreto es, entre otras cosas, una película de suspense mafioso y policial con dos diferencias respecto de otros clásicos: su riquísima ambientación brasilera y un ritmo sosegado con consigue mantener el interés durante más de dos horas y media sin los efectismos y las prisas habituales en ese género. Así que bienvenidos sean los reconocimientos que reciba ese gran director que es Kleber Mendonça Filho. Ojalá sirvan para que en los festivales se hagan retrospectivas sobre su obra y en las plataformas se puedan encontrar sus películas. De momento, están en Filmin las dos que he citado.

Little Amélie

de Mailys Vallade, Liane-Cho Han Jin Kuang. Francia, 2025. 77’.
21 de febrero de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

El despertar a la vida de una niña belga en Japón. Al principio no sabe que está en Japón, que es belga, ni siquiera que es un ser vivo. Son descubrimientos a los que asistiremos junto a ella. Los colores, las flores, los peces, el agua, el lenguaje, los seres queridos (otros no tanto), la existencia de un pasado o la incertidumbre ante el futuro forman parte de un mundo que se despliega ante esa niña que aún no tiene tres años. 

 

Amélie es, al principio, poco más que un tubo metafísico (está en el título original de película, que no es en inglés como aquí). Es algo así como un vacío divino que poco a poco despierta a un universo tan real como mágico. La historia me ha recordado a la de Hola, mundo, el bonito libro de Cristian David López, y nos propone reflexiones en clave poética sobre muchas cosas, algunas muy serias, como las culturas y la memoria. Pero también es visualmente vibrante, con esa sinfonía continua de colores alrededor de unos preciosos ojos verdes que miran sin prejuicios. Es una película de animación (del despertar de un alma) apta para todos los públicos, desde los menores de tres años hasta los mayores de cien. Lástima que esta tarde en la sala solo hubiera una niña. En películas como esta, las preguntas de los pequeñines y los comentarios de los padres suelen ser como una segunda banda sonora muy grata.

No hay otra opción

de Park Chan-wook. Corea del Sur, 2025. 139’.
16 de febrero de 2026. Renoir Plaza de España, Madrid. V.O.S.

Man-su ha trabajado desde hace veinticinco años en una fábrica de papel que acaba de comprar una empresa estadounidense. Lleva una vida muy feliz con su mujer, sus dos hijos y sus dos perros en una casa estupenda. Pero el futuro se le presenta muy negro porque los nuevos dueños lo han despedido y no encuentra un nuevo trabajo. Así que no le queda otra opción que eliminar a otros aspirantes a un puesto en su empresa. 

El director de Old Boy, Stoker, La doncella y Decision to Leave nos propone una historia con truculencias, a veces divertidas, en torno a un personaje que quiere recuperar su vida, pero no está muy capacitado para la eficacia criminal. La puesta en escena es tan atractiva como es habitual en el cine de Park Chan-wook y, a pesar de que por momentos cuesta un poco seguir el hilo de la historia, lo que se cuenta comparte temática familiar y algunas de las tensiones (sin cinismos ni derivas gore) que hacían de Parásitos una película muy entretenida. Sin embargo, aunque quizá no lo parezca, la película de Park Chan-wook, tiene mucho más calado e intención que la de Bong Joon-ho. La irónica referencia inicial a la desaparición de una cultura sindical y la, ya nada distópica, transformación de la producción por la inteligencia artificial que hace tan inquietantes las últimas escenas , muestran que la película pretender ser más que un divertimento criminal. De hecho, uno se queda pensando si lo más inverosímil de la historia no será la existencia de la propia industria papelera, que tan poco necesaria parece en futuros algorítmicos.

Madrid, ext.

de Juan  Cavestany, 2025. 93’.
12 de febrero de 2026. Centro Niemeyer, Avilés.

Gentes y sitios de Madrid. Paisajes y paisanajes llenos de vida y hermosura, aunque quizá agonizantes. Rótulos pretéritos, tiendas y bares propicios para parroquianos fieles. Sin rastro alguno de imposturas turísticas. Pura vida madrileña, que también podría ser la de cualquier otra ciudad con lugares aún capaces de sobrevivir al paso del tiempo.  

Juan Cavestany estuvo en Avilés en noviembre con Andrés Lima y Albert Boronat  en un interesante coloquio con motivo de las funciones de 1936. De aquella visita surgió la idea de volver para presentar esta película cuyo título prolonga y responde a Madrid, interior, un retrato autofilmado por madrileños confinados. Madrid, ext. es una miscelánea de imágenes fascinantes con un montaje delicioso que convierte en un suspiro esta hora y media de retratos sucesivos sin pretensiones de sistematismo ni de exhaustividad, pero que, sin embargo, levantan acta de lo que todavía es, y sobre todo ha sido, esa ciudad que ahora parece tener más ambiciones globales que valores locales. En el coloquio, Cavestany subrayó muy oportunamente que la música de Guille Galvan no es aquí una banda sonora que acompaña a la película, sino que tiene la misma importancia que las imágenes y en gran medida el montaje ordenó estas para acompañar a la música y no al revés. En esta semana en que José Luis Guerín estrena Historias del buen valle (esa segunda joya tras En construcción sobre la vida urbana barcelonesa), la película de Cavestany nos ofrece una perspectiva formalmente distinta sobre su ciudad, aunque con cierta sintonía con aquellas. El coloquio derivó hacia valoraciones sobre el carácter de Madrid y las presencias o ausencias de lugares y temas de esa ciudad en la película. Hubiera sido interesante haber tratado también aspectos sobre la representación cinematográfica del fenómeno urbano (cuánto seguimos añorando aquel lejano Ficarq que tuvo su sede en esta sala) o lo que suponen estas dos películas en la trayectoria fílmica de un director con trabajos tan singulares y formalmente tan distintos de ellas como Gente en sitios, Esa sensación o Un efecto óptico. De lo que no hay duda es de la brillantez con que afronta su trabajo tanto en el cine como en el teatro. Sea por lo uno o por lo otro, ojalá que Juan Cavestany vuelva pronto por aquí.  

Cinéma Laika

de Veljko Vidak. Finlandia, 2023. 81’.
10 de febrero de 2026. Filmin. V.O.S.

En Karkkila, el pueblo finlandés de 9.000 habitantes, se está adaptando una nave de una antigua fundición para hacer un cine que servirá de punto de encuentro a la comunidad. La iniciativa es de Aki Kaurismäki y, mientras el proyecto avanza, asistimos a conversaciones entre gentes del lugar. Todos tienen buena relación, pasiones diversas y mucho arte. Unos son aficionados a los coches antiguos, otros a las motos y a otros les gusta tocar en un grupo o traducir canciones al japonés. Entre ellos está Aki, del que un amigo llamado Jim, también gran cineasta, dice maravillas desde Nueva York. Por cierto, ese cine se llamará Kino Laika, como la perrita que sale en algunas películas de Kaurismäki.

El documental no es de él, pero está hecho con el sosiego y el cuidado en la fotografía que caracterizan al cine de Kaurismäki. Las conversaciones son sencillas, pero no banales. De hecho, en algunos momentos se dicen cosas mayores con tono menor. Como la maravilla de poder y saber disfrutar de la naturaleza y del cine, eso que está entre el arte y la vida. Queda dicho.

El extranjero

de Luchino Visconti. Italia, 1967. 105’.
9 de febrero de 2026. Filmin. V.O.S.

Meursault asiste distante al funeral de su madre. Es verano, hace calor y a él todo le da igual. Su relación con María, el encuentro con los árabes en la playa, los disparos y el juicio. Hasta el final. 

 

Casi sesenta años antes que Ozon, Visconti también había llevado al cine la novela de Albert Camus. De la versión de Ozon valoro su fotografía exquisita, su ambientación perfecta y una interpretación muy pertinente de Benjamin Voisin. Nada que no deba señalar también de la de Visconti. Y aún más teniendo a Marcello Mastroianni como protagonista. Lo innecesario del epílogo de Ozon resulta aún más evidente con la forma tan intensa y poderosa con que Visconti termina su película con la escena en la prisión. También le concede quizá más relevancia al juicio en detrimento de lo que precede a la escena de la playa que quizá en la película de Ozon está más desarrollado. En todo caso, las dos componen un buen díptico que tiene en la novela el referente imprescindible.

El rugir de las llamas

de Robin Petré. Dinamarca, 2025. 93’.
8 de febrero de 2026. Centro Niemeyer, Avilés.

Caballos salvajes conducidos a recintos para cortarles las crines. Ovejas pariendo o siendo guardadas. Personas que vigilan el monte o enfrentan fuegos estivales. Escenas varias del ruralismo gallego.

 

Cristina García Rodero le sacó mucho partido al rito de A rapa das Bestas. Y los incendios del pasado verano podrían ser motivo para documentales notables. Pero aquí apenas hay nada de lo uno ni de lo otro. Solo imágenes yuxtapuestas que no llegan a componer un relato, ni descriptivo ni poético. Los caballos en el campo son bonitos y los fuegos en la noche son impresionantes, pero hacer una película es más que poner un poco de esto y un poco de aquello.

Tres adioses

de Isabel Coixet. España, 2025. 120’.
7 de febrero de 2026. Cines Ocimax, Gijón.

Marta es profesora de Educación Física y Antonio tiene un restaurante muy bien valorado. Al llegar a casa tras un acto social discuten. Es esa noche cuando él decide separarse de ella. Al principio Marta lo lleva mal y no le entra la comida. Pero el motivo no será ese. Descubrir que tiene un cáncer la hará vivir de otra manera.  

 

La emotividad de Mi vida sin mí se mantiene en Tres adioses. Las dos tienen cosas en común, pero son muy distintas. En aquella había desgarro y pena ante un futuro clausurado. Aquí domina la plenitud de tomar conciencia  de que el único tiempo que importa es el presente. La forma en que Isabel Coixet repara en el vuelo de los estorninos y retrata la vida en Roma al margen de la turistosis, ya hace muy grata esta película. También la manera en que perfila y consigue que interesen todos los personajes sin restar protagonismo a Marta, el verdadero centro de esta historia. Alba Rohrwacher compone un personaje delicadamente conmovedor en su manera de afrontar el drama. Todos los demás se hacen querer, pero ese profesor de filosofía que interpreta Francesco Carril es una maravilla. En lo formal, Tres adioses tiene también tres tonos magníficamente combinados: el cálido y naturalista que nos muestra la vida de Marta y sus gentes, el de los breves instantes recordados que son como cerrar los ojos y mirar al pasado y el de los fogonazos de intensidad infinita, llena de significados, cuando una noticia trastoca el presente y desbarata el futuro. Tras adioses contiene un drama luminoso, una tristeza balsámica y un canto a esa vida que está mientras pasa.