Lapönia

de David Serrano. España, 2026. 89’.
4 de abril de 2026. Cines Alkazar, Plasencia.

Mónica llega a Laponia con su marido y su hijo para pasar la Navidad en casa de su hermana que vive allí con un finlandés. Mónica y Ramón esperan que sea un encuentro muy especial para el niño en tierras de Papá Noel, pero nada más llegar al aeropuerto su primita le desvela que todo eso es mentira. 

Un intenso debate entre cuatro adultos sobre la verdad, la magia y la ilusión. Natalia Verbeke, Ángela Cervantes, Julián López y Vebjørn Enger están estupendos en ese pugilato verbal que también aborda los vínculos familiares, las diferencias culturales y las relaciones con los hijos. La situación se desarrolla en un único espacio y tiene el mismo tono teatral que Un dios salvaje de Roman Polanski o Sentimental de Cesc Gay. Lapönia es una comedia más familiar, pero sus diálogos están bien trabados y también dan que pensar. David Serrano acierta con ese espacio interior enclaustrado, pero lleno de transparencias, tan oportuno para un debate sobre la verdad y los secretos. De los que apenas se habla es de los Reyes Magos. De hecho,  hasta el ratoncito Pérez parece tener más relevancia en esa conversación. Españoles en el mundo hay también por tierras orientales, así que esta historia también podría haber sido en Dubái o por ahí. Pero me temo que no, que cualquier día las navidades españolas terminan el 1 de enero y al día siguiente nuestros niños volverán al colegio, como se hace en los países devotos de Papá Noel. 

Altas capacidades

de Víctor García León. España, 2026. 101’.
30 de abril de 2026. Cines Alkazar, Plasencia.

Alicia y Gonzalo llevan a Fer a una escuela pública, pero les parece que le iría mejor si fuera a un colegio privado. El jefe de Gonzalo lleva a las suyas al Pyros y le anima a que Fer ocupe una plaza que podría quedar vacante allí. Por motivos elitistas, las familias de ese colegio quieren que sea para una familia normal. Como la de Alicia y Gonzalo. 
 
El director de Vete de mi y Selfie era una garantía para que resultara magnífico este retrato de la fauna aspiracional. Y el éxito estaba asegurado contando con Juan Diego Botto en el papel de líder de la parentela pija y Marián Álvarez a Israel Elejalde como padres abducidos por la ilusión del ascensor social. La logomaquia de las altas capacidades y la naturalidad con que la gente bien (que no de bien) asegura el pedigrí de sus vástagos y el hermetismo de sus relaciones, se muestra con mucha ironía en esta divertida película. Los aludidos (son más de los que ellos creen) están encantados de vivir en grandes ciudades con su sanidad concertada, sus colegios concertados y los servicios públicos agonizantes. Aspirando los aires del pijerío y votando en consecuencia consiguen que cada generación confíe menos en el bien común y colabore en la destrucción de la trama comunitaria. Pero Altas capacidades no tiene nada de panfleto evidente. Es una película con la que es posible que se rían hasta aquellos para los que la pantalla es simplemente un espejo. Ellos son así.

Proyecto Salvación

de Phil Lord y Christopher Miller. EE.UU., 2026. 156’.
28 de marzo de 2026. Multicines Béjar.

Ryland Grace despierta de un coma inducido a bordo de una nave espacial que se aleja de la Tierra. Él es el único pasajero vivo, pero su misión es muy importante. El Sol se apaga y el final de la vida en la Tierra puede estar cerca si no se encuentra la forma de acabar con unos extraños macrófagos que desde Venus están chupando la energía del Sol. Grace enseñaba ciencias a adolescentes, pero un artículo que había publicado sobre la posibilidad de vida sin agua llamó la atención de la comisión encargada de organizar una misión a un planeta en el que podría estar la solución. Pero está a 10 años luz y es un viaje sin retorno. Grace se encontrará allí con Rock, un alienígena que busca la misma solución para su planeta. Los dos se harán amigos y colaborarán en la empresa.    

La idea podría estar emparentada con Marte o Interestelar, pero Ridley Scott y Christopher Nolan se toman más en serio sus aventuras espaciales. Las imágenes son llamativas, la historia se sigue con interés y quizá haya elementos científicamente fundamentados en la historia, pero el tono desenfadado y buenrrollista resulta extraño en unas gentes que supuestamente tienen en sus manos el futuro de la Humanidad. Por otra parte, aunque esté en la novela original, la idea de dejar sin rostro al extraterrestre y hacer que se asemeje a un crustáceo pétreo acaba haciendo que casi parezca una mascota de ese humano tan majo y tan guapo que interpreta Ryan Goslin. Por lo demás, el problema de la comunicación entre los dos se resuelve sin entrar en sutilezas como las que planteaba Denis Villeneuve en La llegada. Así que resulta extraño ese talante alegre y colaborador de los estadounidenses con los extraterrestres en esta película, con lo mal que tratan en su país a los terrestres no gringos y su belicosidad habitual en el resto del planeta. 

Dolores Ibárruri. Pasionaria

de Amparo Climent. España, 2025. 80’.
23 de marzo de 2026. Casa de la Cultura, Avilés.

Un detallado y cálido retrato de la trayectoria vital y política de Dolores Ibárruri. Desde su infancia en una familia minera vasca hasta su papel destacado en el Partido Comunista, dentro y fuera de España, y finalmente su icónico regreso con la democracia.  

 

Emocionante para quienes vivimos la transición y, aún más, para quienes sufrieron los tiempos de las memorias silentes. Así es este documental que, a buen seguro, sería más útil para conocer la historia reciente de España que cualquier pregunta de la PAU. Con voluntad reivindicativa se van intercalando imágenes de archivo, declaraciones de Dolores Ibárruri en los años ochenta, recuerdos actuales de su nieta y valoraciones de distintos miembros del Partido Comunista y otras gentes de la izquierda. Con todo eso y unas músicas muy oportunas, Amparo Climent construye un retrato necesario de una mujer comprometida que aún tiene mucho que enseñar en estos tiempos desquiciados en los que las derechas escoran cada vez más a lo siniestro y la violencia algorítmica aspira a convertirse en la partera de la historia posthumana. La proyección de hoy ha sido militante y ha llenado por completo la renovada sala de conferencias de la Casa de la Cultura. Parece que habrá otras sesiones para ver en Avilés esta película. Dura menos que un partido de fútbol, que la sesión de un youtuber o que una dosis moderada de TikTok, pero es mucho más provechosa que cualquiera de esas adicciones.

Amarga Navidad

de Pedro Almodóvar. España, 2026. 111’.
21 de marzo de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

Tras un tiempo sin buenas ideas, Raúl está trabajando en el guion de una nueva película. Para ello echa mano de cosas que le han pasado a él y a las gentes de su entorno. Y eso es lo que vemos: las migrañas y ataques de pánico de Elsa (que también es una directora de culto), su relación con su pareja Bonifacio (un bombero que trabaja como streapper) y los encuentros en Lanzarote con su amiga Patricia (a la que engaña su marido) o con Natalia (que no supera el dolor por la muerte de su niño). También están Mónica, la asistente permanente que ahora va a dejar a Raúl, y Santi, ese buen hombre que vive con él y todavía le aguanta. 

 

Mucha gente y varios planos para una historia con pretensiones de entreverar la ficción, la metaficción y hasta esa subficción que parece bucear en la vida y obra del director manchego más colorista. La autoficción la reservo para ese diálogo final que es, a la vez, lo mejor de la película y un repertorio de argumentos para no haberla hecho (o no haberla hecho así). Y es que el propio Almodóvar (en realidad, su asistente) pareciera estar anticipando el trabajo de Boyero, logrando a la vez cosas tan curiosas como ponerse a caldo y reivindicar su genialidad. Lo cierto es que, al margen de ese duro haraquiri o bonito broche final, Amarga Navidad tiene en la verosimilitud de las situaciones, en la escritura de los diálogos y en el descuido de los personajes, algunos de los defectos típicos de buena parte del cine de Almodóvar. Él intenta compensarlo con sus típicos combinados cromáticos y con esa comicidad esperpéntica que han dado a su apellido la incierta gloria de convertirse en adjetivo. Pero no resulta suficiente para que llegue a ser una buena película esta Amarga Navidad. 

Mr. Nobody contra Putin

de David Borenstein y Pavel Ilyich Talankin. República Checa, 2025. 90’.
16 de marzo de 2026. Filmin. V.O.S.

En un centro educativo de una población de los Urales, el responsable de medios audiovisuales y eventos escolares asiste al creciente adoctrinamiento militarista de sus alumnos con motivo de la invasión de Ucrania. Son iniciativas gubernamentales que, poco a poco, van calando en unos niños y adolescentes que disfrutan aprendiendo a desfilar y a trastear con las armas que les traen los militares. Ese profesor cada vez se siente más solo, pero un director de cine extranjero le propone salir de Rusia y montar las imágenes que ha estado grabando. 

 

Vemos esta película justo en el día en que recibe el Oscar al mejor documental en una gala en la que los mayores galardones se los ha llevado Una batalla tras otra, un alegato  claro contra el trumpismo. Sin embargo, estos premios antimilitaristas no se han visto acompañados por ningún comentario crítico contra  las derivas autoritarias y belicistas en ese país. Solo Javier Bardem, un español, se ha atrevido a gritar alto y claro desde el escenario ¡No to war and free Palestine! (llevando la pegatina en español del No a la guerra). Así que es posible que un documental tan nítidamente antimilitarista y pacifista como este quizá no haya sido premiado por eso, sino por su manifiesta oposición a Putin, cuando es tan difícil establecer grados en la perfidia de gentes tan siniestras como Netanyahu, Trump o él. Lo mejor del documental es su denuncia de la obscenidad de la guerra y de acostumbrar a los menores a la lógica militar. Claro que, habiendo vivido la entrada de militares en patios y aulas asturianas y el rechazo de un equipo directivo a promover una educación para la paz, el desarme y los derechos humanos, porque eso podría incomodar a los uniformados armados que vienen al recinto escolar, uno piensa que los Urales no quedan tan lejos de aquí.

Águilas de El Cairo

de Tarik Saleh. Suecia, 2025. 127’.
15 de marzo de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

El actor más famoso de Egipto se ve obligado a protagonizar una película sobre la llegada del presidente Al-Sisi al poder. La trama de coacciones que recibe es compleja y, sin saberlo, se ve involucrado  en una conspiración para matarlo en un acto militar.

 

Los títulos de las películas cairotas de Tarik Saleh son un verdadero lío. The Nile Hilton Incident y Boy From Heaven las vimos en la Seminci, pero para su exhibición comercial en España les pusieron El Cairo confidencial y Conspiración en El Cairo. Así que esta vez me rindo y titulo Águilas de El Cairo a Les Aigles de la Republique. Lo cierto es que me parece la más floja de las tres. Al principio se centra en la vida privada del protagonista para derivar luego en una trama política que deja olvidados algunos de los hilos narrativos iniciales. El cambio es notable y algo muy curioso es que se incluye un atentado contra Al-Sisi en el desfile del 6 de octubre que parece un calco del que en 1981 acabó con la vida de Sadat. No sé si en Egipto llegarán a ver esta película, pero estaría bien saber cómo la recibirían allí.

Pillion

de Harry Lighton. Reino Unido, 2025. 106’.
10 de marzo de 2026. Cines Los Prados, Oviedo. V.O.S.

Colin, un joven tímido, feucho y dócil, queda fascinado por Ray, un motero guapísimo que, inesperadamente, se fija en él. Los dos inician una relación en la que parecen muy felices: Ray domina y Colin obedece. Los padres de Colin han visto con muy buenos ojos que Colin tenga pareja. Pero la madre, que está muy enferma, no está muy conforme con la feliz sumisión de su hijo.

A Harry Lighton su primer largometraje le ha salido muy bien. Cuesta explicar que una película centrada en el ejercicio y la aceptación de la sumisión más radical pueda resultar bonita, tierna y muy entretenida, a la par que explícita. Pero es justamente eso lo que Harry Lighton consigue con un trabajo magnífico de Alexander Skarsgård (el guaperas dominante) y Harry Melling (el feucho dominado). La gracia de esta historia no está solo en la relación entre ellos, sino en la fascinación que también provocan personajes de su entorno como los padres de Colin y los colegas moteros de Ray. Con esta estupenda película, Harry Lighton ha demostrado que la homosexualidad masculina da para historias tan singulares como hacer compatible la ternura y la sumisión. Aunque quizá no lo habría conseguido si la relación elegida fuera heterosexual.

El mago del Kremlin

de Olivier Assayas. Francia, 2025. 156’.
7 de marzo de 2026. Cines Ocimax, Gijón. V.O.S.

Vadim Baranov (o Vladislav Surkov) habría sido la mano derecha de Putin desde su llegada al poder hasta 2020. Alejado del Kremlin, recibe en su casa a un escritor al que le va contando la forma en que aquel gris funcionario de la KGB se fue convirtiendo en el nuevo zar de Rusia. Es un relato sobre la gestación de su omnímodo poder y, a la vez, un repaso de la geopolítica rusa y desde los tiempos de Yeltsin, el desbordamiento del capitalismo de los oligarcas, la guerra de Chechenia, el hundimiento de Kursk, la revolución naranja, la invasión de Crimea y las Olimpiadas de Sochi.   

 

Salvando las distancias entre Putin y Fernando de Aragón, se podría decir que Vadim Baranov tenía el realismo político de Maquiavelo y una fina intuición para manejar la lógica mediática de las democracias algorítmicas. Olivier Assayas y Emmanuel Carrère aciertan al mostrarnos la antesala del presente global, la historia reciente de Rusia y el perfil de su actual zar, dejando que sea la voz narrativa de ese asesor lúcido, sosegado y taimado, la que nos vaya contando, casi al oído, sus recuerdos. Uno solo lamenta escuchar en inglés, y no en ruso, este relato de dos horas y media que se hacen muy cortas y que se une a esa serie de aportaciones cinematográficas a la comprensión de la historia contemporánea tan interesantes como Margin Call, de J.C. Chandor, Comportarse como adultos, El capital, ambas de Costa-Gavras, Citizenfour, de Laura Poitras, Snowden, de Oliver Stone, Merkel, de Stephan Wagner, La imagen perdida, de Rithyi Panh, The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer, Hammarskjöld, de Per Fly, Expediente Netanyahu, de Alexis Bloom, El juicio, de Ulises de la Orden, o The apprendize, de Ali Abbasi. Así que El mago del Kremlin, además de muy interesante, es una película que ayuda a entender mejor estos tiempos difíciles.

La llegada del hijo

de Cecilia Atán y Valeria Pivato. Argentina, 2024. 87’.
5 de marzo de 2026. Centro Niemeyer, Avilés.

El hijo de Sofía sale de la cárcel. Ella va a recogerlo, pero la relación entre los dos es difícil. Sofía vive algo así como un duelo por lo que él hizo. Poco a poco sabremos los motivos. Los de él para atropellar a su entrenadora de natación y los de ella para no superarlo.

Un hijo, una madre y una abuela. Y otra mujer joven casi en fuera de campo. A ella solo la vemos en forma de recuerdos. Muchos bajo el agua, donde Sofía y ella eran muy felices. Fuera está ese presente en el casi siempre llueve y en que la salida del hijo de la cárcel y la protección que recibe de la abuela acrecientan el duelo. La llegada del hijo es el relato de un drama con el tiempo magníficamente fragmentado. Apenas el coche en el que van, el corte de pelo de él y la posición de los muebles en la casa de ella nos señalan sutilmente si lo que vemos corresponde al presente o al pasado. Además de los tiempos, los espacios (bajo el agua o bajo la lluvia, suntuosos en la casa de la abuela o rotundos en el cementerio brutalista) también enmarcan sin subrayados los estados de ánimo de Sofía. La llegada del hijo es una tragedia contada con una contención perfecta. Cecilia Atán y Valeria Pivato la sitúan en un espacio urbano invernal con apenas tres figuras en un paisaje emocional desolado. Es el contrapunto perfecto de la historia tierna y luminosa que transcurría en una sola jornada sobre aquel amor posible entre una mujer y un hombre en el paisaje remoto de La novia del desierto. Cecilia Atán y Valeria Pivado solo han dirigido esos dos largometrajes, pero con ellos han demostrado que son grandes cineastas de ese cine argentino que en estos tiempos difíciles debería recibir mucho más apoyo en la programación de nuestras salas. A ellos les vendría muy bien y a la cinefilia española también.

Aquel verano en París

de Valentine Cadic. Francia, 2025. 77’.
26 de febrero de 2026. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Con su mochila de colores y sus treinta años, Blandine llega desde Normandía a pasar unos días de agosto en París. Son las olimpiadas de 2024 y quiere ver las competiciones de natación. Y también a su hermanastra y a su sobrina, que ya tiene ocho años y aún no la conoce. Pero la intensidad de la ciudad y sus gentes en un momento como ese tiene poco que ver con su carácter lento y bondadoso.

 

La ciudad no es para mi. Esa podría ser la conclusión de Blandine cuando regrese a la orilla del mar en Normandía. Llega acostumbrada a la soledad, pero abierta a las personas, aunque será difícil que después de esos días quiera volver a París. Su carácter de buenaza medio pánfila podría decantar la película hacia una comicidad impertinente, pero Valentine Cadic consigue que esa joven a la deriva inspire, más bien, ternura y acabe demostrando fortaleza y criterio tras su aparente vulnerabilidad. Aquel verano en París tenía muchos boletos para ser una de esas películas que provocan la risa en millones de franceses. Por fortuna, su compasiva delicadeza tiene poco que ver con ese tipo de cine.

Sin conexión

de Bradley Cooper. EE.UU., 2025. 124’.
25 de febrero de 2026. Cines Los Prados, Oviedo. V.O.S.

Alex y Tess tienen dos hijos y se acaban de separar. Él lo lleva bastante mal, pero encuentra cierto consuelo improvisando monólogos en locales para aficionados. El tema recurrente de su crisis matrimonial tiene cierto éxito y le resulta catártico.

 

Bradley Cooper cambia el tono de sus anteriores biopics sobre Lady Gaga (Ha nacido una estrella) y Leonard Bernstein (Maestro) con una historia sobre la vida sentimental de una pareja neoyorquina de clase media. Un tema que han tratado muy bien directores como Woody Allen, Noah Baumbach o Ira Sachs. La historia está bien contada, tiene interesantes diálogos (además de los monólogos) y se acerca al desamor en la madurez sin la aspereza, la tristeza o el tono cómico habituales en ese tema. La diferencia entre sufrir con el matrimonio o sufrir en el matrimonio es, para los personajes de Cooper, la clave para superar el desconsuelo de la ruptura y recuperar una felicidad razonable con un amor más sosegado. 

 

Turno de guardia

de Petra Biondina Volpe. Suiza, 2025. 92’.
24 de febrero de 2026. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

Un día en la vida de Floria. Una jornada intensísima en la tercera planta del hospital en el que trabaja como enfermera. Las tareas se multiplican y ella intenta mantener en todo momento la calma y dar el mejor trato a todos los pacientes. Solo están ella y una compañera, pero no dan abasto y Floria está a punto de sentirse superada.  

 

No es un plano secuencia, pero lo parece. Seguimos en todo momento el intenso ajetreo de esta enfermera que tiene que hacer también de celadora, cuidadora y estar pendiente de lo que no alcanzan a atender los médicos. La película es trepidante y uno no sabe si será un buen alegato en favor de esa profesión o ahuyentará a quienes crean tener vocación para ese importante trabajo. Lo cierto es que Turno de guardia pone de manifiesto la intensidad y dureza de los trabajos hospitalarios y en eso haría un buen díptico con Matronas, de Léa Fehner. De Petra Volpe habíamos visto en el festival de Gijón El orden divino, una película sobre la movilización de las mujeres suizas para conseguir el derecho al voto nada menos que en los años setenta. Turno de guardia es bastante mejor, pero las dos películas comparten el propósito de dar a conocer cosas importantes. En este caso, el valor de las profesiones del cuidado y las duras condiciones en que a veces desarrollan su trabajo.

El último arrebato

de Marta Medina y Enrique López Lavigne. España, 2025. 108’.
30 de enero de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

Una película sobre otra película. Unos cineastas acercándose a las circunstancias en que Iván Zulueta dirigió aquel Arrebato que primero fracasó y después se convirtió en obra de culto. Es una evocación en la que participan algunos de los que hicieron aquella película. Y casi una invocación de los enigmas cinéfilos de sus imágenes y de aquella inquietante cámara.    

 

"Pedro solo mira sus cintas, su pantalla y su cámara. Lo que Pedro envía a José es quizá la primera correspondencia fílmica del cine español. E Iván Zulueta nos la manda a nosotros para que desentrañemos en qué medida esos dos personajes protagonizan o revelan una historia. Quizá la suya. O quizá la de aquellos tiempos arrebatados que precedieron a las movidas." Así terminaba mi reseña de Arrebato y parece que estuviera anticipando las intenciones de esta película. En el año en que Richard Linklater ha estrenado Nouvelle Vague rescatando la forma en que Jean-Luc Godard filmó Al final de la escapada, Marta Medina, Enrique López Lavigne y Jaime Chavarri han hecho algo parecido con la película emblemática de Iván Zulueta. El último arrebato y el primero dialogan magníficamente en un juego de espejos que desborda el cine documental. De hecho, las dos películas tienen tanto de ficción como de introspección entre cineastas. Aquí da gusto ver a Jaime Chávarri, a Cecilia Roth y, especialmente, a Eusebio Poncela (quizá este fue su último trabajo). Pero también es muy interesante lo que dice Carlos Heredero al comienzo de la película, emparentando la pasión cinéfila de Iván Zulueta y sus personajes de Arrebato con la del protagonista de Vida en sombras, aquella extraordinaria película que Llorenç Llovet-Gràcia había dirigido tres décadas antes. No hay duda de que, a pesar de los destinos trágicos de algunos de sus miembros, la generación de la movida ha tenido un reconocimiento y una reivindicación que no han recibido creadores españoles de tiempos anteriores y mucho más difíciles. Quizá por la amnesia general que se encontró Max Aub cuando visitó España. O quizá porque, como también supo Agustín Gómez Arcos,  la movida ochentera era bastante psicodélica, pero también muy adanista.

El agente secreto

de Kleber Mendonça Filho. Brasil, 2025. 158’.
21 de febrero de 2026. Cines Los Prados, Oviedo. V.O.S.

Marcelo regresa a Recife, la ciudad en la que sigue viviendo su hijo con sus abuelos y en la que él busca refugio y ayuda para salir del país. Es el carnaval de 1977 y en realidad Marcelo se llama Armando y hay quienes quieren matarlo.  

 

Wagner Moura podría ganar este año un Oscar por su excelente papel en esta película con la que Kleber Mendonça Filho ya ha ganado el premio a la mejor dirección en el festival de Cannes. Me alegro mucho de este reconocimiento, no solo porque su película es magnífica, sino porque es un director comprometido con un cine radicalmente brasilero, norteño, sensible a las realidades urbanas y con un amor infinito por las salas de cine. Algo que sigue teniendo presente en esta película y que ha caracterizado a un cineasta que descubrí hace tres años en la Seminci y del que hasta ahora había visto Retratos fantasmas y Sonidos de barrio. Igual que en aquellas, Kleber Mendonça Filho sitúa esta historia en su ciudad, Recife, y en este caso en otro tiempo: el de hace casi cincuenta años durante la dictadura. La ambientación es magnífica y la miscelánea de situaciones y personajes es muy rica sin que por ello resulte complicado seguir la trama. Al contrario, desde la sorprendente primera escena va dejando hilos que se irán tejiendo de distintas formas, algunas oníricas, otras poéticas y también políticas. Con homenajes al cine desde el propio título (al Hichtcock de hace noventa años) y también a las salas de cine (un lugar propicio para transfusiones de vivencias o de sangre), El agente secreto es, entre otras cosas, una película de suspense mafioso y policial con dos diferencias respecto de otros clásicos: su riquísima ambientación brasilera y un ritmo sosegado con consigue mantener el interés durante más de dos horas y media sin los efectismos y las prisas habituales en ese género. Así que bienvenidos sean los reconocimientos que reciba ese gran director que es Kleber Mendonça Filho. Ojalá sirvan para que en los festivales se hagan retrospectivas sobre su obra y en las plataformas se puedan encontrar sus películas. De momento, están en Filmin las dos que he citado.

Little Amélie

de Mailys Vallade, Liane-Cho Han Jin Kuang. Francia, 2025. 77’.
21 de febrero de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

El despertar a la vida de una niña belga en Japón. Al principio no sabe que está en Japón, que es belga, ni siquiera que es un ser vivo. Son descubrimientos a los que asistiremos junto a ella. Los colores, las flores, los peces, el agua, el lenguaje, los seres queridos (otros no tanto), la existencia de un pasado o la incertidumbre ante el futuro forman parte de un mundo que se despliega ante esa niña que aún no tiene tres años. 

 

Amélie es, al principio, poco más que un tubo metafísico (está en el título original de película, que no es en inglés como aquí). Es algo así como un vacío divino que poco a poco despierta a un universo tan real como mágico. La historia me ha recordado a la de Hola, mundo, el bonito libro de Cristian David López, y nos propone reflexiones en clave poética sobre muchas cosas, algunas muy serias, como las culturas y la memoria. Pero también es visualmente vibrante, con esa sinfonía continua de colores alrededor de unos preciosos ojos verdes que miran sin prejuicios. Es una película de animación (del despertar de un alma) apta para todos los públicos, desde los menores de tres años hasta los mayores de cien. Lástima que esta tarde en la sala solo hubiera una niña. En películas como esta, las preguntas de los pequeñines y los comentarios de los padres suelen ser como una segunda banda sonora muy grata.

No hay otra opción

de Park Chan-wook. Corea del Sur, 2025. 139’.
16 de febrero de 2026. Renoir Plaza de España, Madrid. V.O.S.

Man-su ha trabajado desde hace veinticinco años en una fábrica de papel que acaba de comprar una empresa estadounidense. Lleva una vida muy feliz con su mujer, sus dos hijos y sus dos perros en una casa estupenda. Pero el futuro se le presenta muy negro porque los nuevos dueños lo han despedido y no encuentra un nuevo trabajo. Así que no le queda otra opción que eliminar a otros aspirantes a un puesto en su empresa. 

El director de Old Boy, Stoker, La doncella y Decision to Leave nos propone una historia con truculencias, a veces divertidas, en torno a un personaje que quiere recuperar su vida, pero no está muy capacitado para la eficacia criminal. La puesta en escena es tan atractiva como es habitual en el cine de Park Chan-wook y, a pesar de que por momentos cuesta un poco seguir el hilo de la historia, lo que se cuenta comparte temática familiar y algunas de las tensiones (sin cinismos ni derivas gore) que hacían de Parásitos una película muy entretenida. Sin embargo, aunque quizá no lo parezca, la película de Park Chan-wook, tiene mucho más calado e intención que la de Bong Joon-ho. La irónica referencia inicial a la desaparición de una cultura sindical y la, ya nada distópica, transformación de la producción por la inteligencia artificial que hace tan inquietantes las últimas escenas , muestran que la película pretender ser más que un divertimento criminal. De hecho, uno se queda pensando si lo más inverosímil de la historia no será la existencia de la propia industria papelera, que tan poco necesaria parece en futuros algorítmicos.

Madrid, ext.

de Juan  Cavestany, 2025. 93’.
12 de febrero de 2026. Centro Niemeyer, Avilés.

Gentes y sitios de Madrid. Paisajes y paisanajes llenos de vida y hermosura, aunque quizá agonizantes. Rótulos pretéritos, tiendas y bares propicios para parroquianos fieles. Sin rastro alguno de imposturas turísticas. Pura vida madrileña, que también podría ser la de cualquier otra ciudad con lugares aún capaces de sobrevivir al paso del tiempo.  

Juan Cavestany estuvo en Avilés en noviembre con Andrés Lima y Albert Boronat  en un interesante coloquio con motivo de las funciones de 1936. De aquella visita surgió la idea de volver para presentar esta película cuyo título prolonga y responde a Madrid, interior, un retrato autofilmado por madrileños confinados. Madrid, ext. es una miscelánea de imágenes fascinantes con un montaje delicioso que convierte en un suspiro esta hora y media de retratos sucesivos sin pretensiones de sistematismo ni de exhaustividad, pero que, sin embargo, levantan acta de lo que todavía es, y sobre todo ha sido, esa ciudad que ahora parece tener más ambiciones globales que valores locales. En el coloquio, Cavestany subrayó muy oportunamente que la música de Guille Galvan no es aquí una banda sonora que acompaña a la película, sino que tiene la misma importancia que las imágenes y en gran medida el montaje ordenó estas para acompañar a la música y no al revés. En esta semana en que José Luis Guerín estrena Historias del buen valle (esa segunda joya tras En construcción sobre la vida urbana barcelonesa), la película de Cavestany nos ofrece una perspectiva formalmente distinta sobre su ciudad, aunque con cierta sintonía con aquellas. El coloquio derivó hacia valoraciones sobre el carácter de Madrid y las presencias o ausencias de lugares y temas de esa ciudad en la película. Hubiera sido interesante haber tratado también aspectos sobre la representación cinematográfica del fenómeno urbano (cuánto seguimos añorando aquel lejano Ficarq que tuvo su sede en esta sala) o lo que suponen estas dos películas en la trayectoria fílmica de un director con trabajos tan singulares y formalmente tan distintos de ellas como Gente en sitios, Esa sensación o Un efecto óptico. De lo que no hay duda es de la brillantez con que afronta su trabajo tanto en el cine como en el teatro. Sea por lo uno o por lo otro, ojalá que Juan Cavestany vuelva pronto por aquí.  

Cinéma Laika

de Veljko Vidak. Finlandia, 2023. 81’.
10 de febrero de 2026. Filmin. V.O.S.

En Karkkila, el pueblo finlandés de 9.000 habitantes, se está adaptando una nave de una antigua fundición para hacer un cine que servirá de punto de encuentro a la comunidad. La iniciativa es de Aki Kaurismäki y, mientras el proyecto avanza, asistimos a conversaciones entre gentes del lugar. Todos tienen buena relación, pasiones diversas y mucho arte. Unos son aficionados a los coches antiguos, otros a las motos y a otros les gusta tocar en un grupo o traducir canciones al japonés. Entre ellos está Aki, del que un amigo llamado Jim, también gran cineasta, dice maravillas desde Nueva York. Por cierto, ese cine se llamará Kino Laika, como la perrita que sale en algunas películas de Kaurismäki.

El documental no es de él, pero está hecho con el sosiego y el cuidado en la fotografía que caracterizan al cine de Kaurismäki. Las conversaciones son sencillas, pero no banales. De hecho, en algunos momentos se dicen cosas mayores con tono menor. Como la maravilla de poder y saber disfrutar de la naturaleza y del cine, eso que está entre el arte y la vida. Queda dicho.