Marty Supreme

de Joshua Safdie. EE.UU., 2025. 149’.
5 de febrero de 2026. Cines Ocimax, Gijón. V.O.S.

Marty Mauser es muy bueno en el ping pong. Tanto, que casi gana el campeonato mundial en Londres. El vencedor es un japonés del que quiere desquitarse en la siguiente edición. Pero, para viajar a Tokio y poder participar, necesita dinero y está dispuesto a pasar por encima de quien sea para conseguirlo. También de las mujeres que le quieren.

 

Elogio de un canalla. Eso acaba siendo esta historia trepidante, amoral e incoherente (primero pierde contra el japonés y al final le gana sin más entrenamiento que sus maldades). Timothée Chalamet puede resultar tan bien parado como su personaje y quizá consiga ganar el Oscar frente a intérpretes con trabajos tan notables como los de Leonardo DiCaprio en Una batalla tras otra, Ethan Hawke en Blue Moon, Michael B. Jordan en Los pecadores o Wagner Moura en El agente secreto. Si finalmente lo logra, la gran diferencia no será un trabajo mejor que el de ellos sino, probablemente, el atractivo que para algunos tiene la catadura moral de su personaje. Lo mismo sucede con Donald Trump. Este no juega al ping pong (al menos con una pelotita), pero el personaje de Marty Mauser parece creado como trasunto suyo. De hecho, ambos comparten una exitosa maldad y un ansia desbocada por la exaltación del ego. La serie de catastróficas desgracias que va causando el muchacho de las gafitas debería resultar repugnante. Como también su depredador machismo, tanto con una amante humilde como con una actriz famosa. Pero lo que riza el rizo es esa parte final en la que, pocos años después de Hiroshima, ese joven gringo somete y humilla a los japoneses y, tras ser aplaudido por unos alegres uniformados estadounidenses que celebran esa nueva victoria sobre ellos, regresa en un avión militar para emocionarse y llorar viendo a su hijo recién nacido. Un bebé que quizá represente a los estadounidenses de la era PostMAGA. En fin, que Marty Supreme es muy entretenida por su truculencia, pero, aunque sea algo más sutil, su imaginario no debe estar muy lejos del de ese otro panegírico trumpista que se ha estrenado esta semana: Melania. ¿Supreme?

El camino a Shoah

de Guillaume Ribot. Francia, 2025. 94’.
4 de febrero de 2026. Filmin. V.O.S.

Imágenes que Lanzmann no incluyó en Shoah y reflexiones extraídas de sus memorias son los materiales con los que Guillaume Ribot compone este documental que respeta el significado de aquella película monumental (en todos los sentidos de la palabra) y solo añade lo dicho por el propio Lanzmann sobre aquel proceso.

 

Ya han pasado cincuenta años del estreno de Shoah y más de cincuenta desde que Lanzmann empezó a trabajar en ella. Los testimonios recogidos en aquella magna obra estaban entonces más cerca de aquellos terribles hechos que el estreno de la película de nuestro presente. Todos los que hablan en ella ya habrán fallecido, de modo que se cumplen las palabras propio Lanzmann (también fallecido) sobre la función de su obra como documento crucial para mantener viva la memoria. En 2013 Lanzmann añadió un complemento necesario a Shoah con los testimonios de Benjamin Murmelstein en El último de los injustos. Ahora Guillaume Ribot añade otro también oportuno y especialmente respetuoso con la obra de Lanzmann. 

Father Mother Sister Brother

de Jim Jarmusch. EE.UU., 2025. 110’.
3 de febrero de 2026. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

Tres encuentros familiares. Un hermano y una hermana visitan a su padre que vive en un valle lejos de todo. Dos hermanas van a ver a su madre en Dublín. Y un hermano y una hermana vuelven a la casa en la que vivieron sus padres en París.

Son tres historias tranquilas aparentemente independientes, pero con vínculos sutiles. Las tres tratan de los afectos paternofiliales. De su sinceridad o impostura. En las dos primeras hay un padre o una madre que viven solos y se preparan para la visita de sus hijos. En la tercera, una hermana y un hermano mellizos lo que visitan es el vacío que les deja la desaparición de los suyos. Las tres historias están presididas por el sosiego, por los diálogos esperables y el peso de los recuerdos. En lo formal hay un parentesco delicioso con otra película de encuentros: Coffee and cigarretes. Allí la mayoría tenían lugar en locales públicos mientras que en esta son siempre en espacios domésticos, pero en las dos hay mesas, planos cenitales, algunos mellizos y a veces se duda sobre si se puede brindar con agua o con café. En los tres encuentros de Father Mother Sister Brother hay llegadas en coche, viejas fotografías, alusiones rutinarias a un tío llamado Bob, relojes Rolex en algunas muñecas, libros de los padres que fisgan los hijos y otras muchas pequeñeces que harán que a una parte del público Jarmusch no le diga gran cosa, pero otra salga encantada haciendo repaso de los múltiples detalles que hilvanan entre si las historias. Yo soy de estos últimos, así que espero que tengamos pronto otra película suya para seguir disfrutando con su juego.

Pon tu alma en la mano y anda

de Sepideh Farsi. Palestina, 2025. 110’.
1 de febrero de 2026. Filmin. V.O.S.

Un año en la vida de Fatima Hassouna, una joven palestina que con sus fotografías daba testimonio de la brutalidad de las acciones de Israel y del sufrimiento cotidiano de los gazatíes. Entre abril de 2024 y abril de 2025, la cineasta iraní Sepideh Farsi mantuvo desde Francia conversaciones con ella a través del móvil. Son las que componen este documental que se presentó en el festival de Cannes y que resultó póstumo para Fatima porque ella y su familia murieron víctimas de la barbarie de Israel.

Escuchamos La voz de Hind en el último día de vida de aquella niña y ahora vemos a Fatima en el último año de la suya. Son dos documentos fílmicos diferentes, pero ambos estremecedores. Las imágenes de esa joven fotógrafa de veinticuatro años levantan acta del horror, pero asistir a sus conversaciones entrecortadas con Sepideh Farsi nos hace sentir que la conocemos y que su muerte tiene cuerpo y alma. Como las de los más de 70.000 palestinos víctimas de un genocidio interminable. El título de la película es una frase suya en una de esas conversaciones que seguramente la hacían sentir conectada con el mundo exterior y, en cierto modo, portavoz del sufrimiento de los palestinos. Quizá por eso cada diálogo con su nueva amiga iraní se abre con esa gran sonrisa suya que tanto sorprende en medio del horror. Es la sonrisa de una joven con muchas ganas de vivir, con orgullo de su pueblo y con la ilusión, cada vez más mermada, de que  podrían llegar a silenciarse los insoportables rugidos de la brutalidad bélica. Para ella no fue así.

Silent Rebellion

de Marie-Elsa Sgualdo. Suiza, 2025. 97’.
31 de enero de 2026. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Por una zona boscosa de Suiza pasan familias judías que son entregadas a los nazis ante la pasividad de los lugareños. Allí vive Emma, una joven humilde y sensible que quisiera ser enfermera y ayuda en la casa del pastor protestante del pueblo. Con él comparte en silencio la desazón por lo que está pasando. 

 

Se clausura en el auditorio del Niemeyer la XIV edición del MUSOC con la proyección de esta ópera prima de Marie-Elsa Sgualdo que recuerda un poco el naturalismo y la elegancia formal de las películas de Stéphane Brizé. La protagonista absoluta es una joven que, como en La chica de la aguja, la magnífica película de Magnus von Horn, sufre las circunstancias de unos tiempos terribles para una mujer. Aquí se desvela también la intrahistoria nada apacible de la siempre indemne Suiza. Ese un país de querencias feministas más bien tardías, como nos mostró Petra Volpe en El orden divino.  Es verdad que Silent Rebellion (o À bras-le-corps) aborda muchos temas y eso quizá la haga menos redonda que joyas como La chica de la aguja. Pero el buen trabajo de Lila Gueneau Lefas en el papel protagonista y la contención y elegancia formal que consigue la directora hacen que la película resulte oportunamente conmovedora para la clausura de una muestra caracterizada por unir el compromiso temático con la calidad cinematográfica.

Aída y vuelta

de Paco León. España, 2026. 98’.
30 de enero de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

Estamos en 2018 y en 2014 no terminó Aída, sino que está a punto de acabar su décimo cuarta temporada en televisión. Carmen Machi ha anunciado que deja la serie, así que el capítulo que se está preparando debería ser el último. Sin embargo, los productores y parte de los intérpretes quieren seguir una temporada más. Lo que no está claro es que la inteligencia artificial pueda mantener a Aída sin Carmen Machi.  

 

La más divertida resurrección que habría podido tener aquella serie. Y la más inteligente, lúcida y sugerente. Carmen Machi hace de Aída, pero sobre todo de Carmen Machi. Igual que los demás intérpretes a los que vemos interpretándose a ellos mismos mientras entran y salen de sus personajes en la serie. Un lío divertidísimo que se desarrolla principalmente en un estudio de rodaje en el que Paco León logra que la realidad de esta ficción sea tan loca como la de Aída. Y no solo eso, sino que, rizando el rizo de la comedia realista (o del realismo cómico), se mete en jardines como los de la corrección política, la disputa entre la creación y producción, el trabajo interpretativo y la vida de los intérpretes o la televisión frente al cine y el cine frente al teatro. Todo ello con interpretaciones estupendas, un montaje trepidante y una frescura radicalmente ibérica que hará muy difícil subtitular esta película en inglés. Así que el director de la estupenda Kiki, el amor se hace  quizá no tenga mucho éxito en los países en los que no se vio Aída, pero bien lo merece y seguro que lo tiene aquí. De hecho, había much0 público en esta primera proyección.

La chica zurda

de Shih-Ching Tsou. Taiwán, 2025. 108’.
28 de enero de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

La chica zurda es una niña que regresa con su hermana y su madre a Taipei. La madre alquila una pequeña zona para dar comidas en el mercado, pero se le hace difícil salir adelante porque, tras diez años separada, se hace cargo de los gastos de hospitalización y funerarios del hombre que la maltrató. Las tres tienen problemas, pero la niña intenta resolver algunos con esa mano izquierda que, según su abuelo, es del diablo. 

 

Una historia deliciosa en el entorno laberíntico de un mercado de Taipei. Las andanzas de las tres protagonistas se entreveran con las de otros personajes en un relato no tan trepidante como el de 7 cajas en el Mercado 4 de Asunción, pero igualmente atractivo. Como supimos en el coloquio que siguió a la proyección (en el que también estuvo Isabel Coixet), Shih-Ching Tsou ha colaborado durante años en las películas de Sean Baker. Ahora han cambiado los papeles y él ha hecho el montaje y escrito con ella el guion. El diálogo entre los tres ha sido animado y, entre otras cosas, se pudo comentar lo bien intercaladas que están las peripecias de las tres protagonistas y algunos detalles sobre la manera en que la directora consiguió que su trabajo fuera tan natural. Así que La chica zurda es una bonita sorpresa que resultará cercana y grata para muchos públicos.

Arco

de Ugo Bienvenu. Francia, 2025. 82’.
26 de enero de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

Arco es un niño que vive en 2932 y quiere viajar al pasado para ver dinosaurios. Tiene diez años y hasta los doce no le dejan, pero él se pone la capa de su hermana y llega a 2075. Lo malo es que luego no consigue regresar a su tiempo. Así conoce a Iris y los dos se hacen muy buenos amigos. 

 

Que en el futuro el mundo quizá podría tener arreglo, parece el mensaje principal de esta película que ha sido nominada para los Oscar como mejor largometraje de animación. Sin embargo, ni las imágenes, ni la historia, ni ese propósito son para tanto. Es verdad que los protagonistas tienen nombres tan bonitos como Iris y Arco (también en el original francés) y que los vuelos del niño dejan estelas muy lindas con los colores del arco iris. Pero resulta sideral (nunca mejor dicho) la distancia entre esta película y joyas de la animación como, por ejemplo, Robots Dreams. A la película de Pablo Berger le pasaba lo contrario: lo único que no tenía excelso era el título.

Ciudad sin sueño

de Guillermo Galoe. España, 2025. 97’.
25 de enero de 2026. Centro Niemeyer, Avilés.

La vida cotidiana en la Cañada Real vista desde la perspectiva de Toni, un chico que acompaña a su abuelo en sus afanes chatarreros. Aunque son muchos los que se van, él no tiene claro si querría irse de allí.

 

"Una historia hiperrealista y poética en la que Guillermo García López retrata la vida de unos jóvenes en las infraviviendas de la Cañada Real". Así comentaba la buena impresión que me causó en el festival de San Sebastián Aunque es de noche, el cortometraje en el que se basa esta película. Aquí se mantiene ese hiperrealismo, pero se difumina el tono poético. De hecho, la relativa imprecisión del relato, que allí era una virtud, aquí limita sus posibilidades. La intención sigue siendo reivindicar a unos nadies y su territorio, pero el resultado está lejos de lo conseguido por José Luis Guerín sobre temas afines en películas tan magníficas como En construcción o Historias del buen valle. Esta última fue premiada en San Sebastián, pero aún no se ha estrenado.

Hamnet

de Chloé Zhao. Reino Unido, 2025. 125’.
24 de enero de 2026. Cines Ocimax, Gijón. V.O.S.

Agnes es una mujer indómita que tiene una vinculación singular con el bosque. La heredó de su madre, como también algunas intuiciones sobre su maternidad. Primero tiene una hija, Susana, y luego dos mellizos, Judith y Hamnet. Pero la inesperada muerte de este será una tragedia para ella y para William. Por eso la historia de Hamlet resultará catártica para los dos. 

 

La directora de películas tan distintas como The rider, Nomadland o Eternals lleva al cine la novela de Maggie O’Farrell creando las atmósferas perfectas para una historia tan íntima e intensa como la de este drama. Su desarrollo es impecable con tres tiempos igualmente conmovedores: el de la pareja dichosa, el de la tragedia barruntada (y luego sufrida) y el de la catarsis de Agnes y William durante la representación en el Globe. Los tres tienen escenas conmovedoras como el primer parto tan natural en el bosque, el segundo más inquietante en la casa del padre, la decisión de Hamnet ante la enfermedad de Judith o la desesperación de Agnes y la impotencia de William. Sin embargo, es quizá la clave de bóveda del final de la historia, en ese teatro a cielo abierto, el momento con mayor intensidad de la película. Chloé Zhao tiene el acierto de prolongar casi sin límite la duración de ese segundo de silencio sagrado, que solo existe en el teatro, entre el final de una obra magna y la rotura de aplausos que aquí ni siquiera llegan. Y lo hace con una profundidad y una intensidad máximas. Un momento sublime con ese Hamlet que para ellos es su Hamnet yéndose al oscuro tras ser creado y despedido un padre torturado y una madre doliente que no había sido capaz de dejar que se fuera entre los dedos su hijo. Así que es más en el teatro que en la novela donde Chloé Zhao ha encontrado la mejor resonancia para hacer tan poderosa su película.

Rat Film

de Theo Anthony. EE.UU., 2016. 84’.
22 de enero de 2026. Filmin. V.O.S.

Las ratas de Baltimore. Las de hoy y las del pasado. Las de la familia de los múridos y las de la especie de los humanos.  Un retrato certero sobre la proliferación de la pobreza y el ostracismo de los pobres. Hay más de urbanismo que de zoología, de antropología que de etología y de análisis forense sobre el declive del imperio americano que de morbo en torno al raticidio.   

 

Lo inquietante del documental está menos en las imágenes de los roedores que en los mapas que reconstruyen sus hábitats y en las conductas de los humanos que disfrutan cazándolas. Solo se salva del sadismo ese buen filósofo del comunitarismo que acude con su furgoneta a los patios del vecindario para poner límite a las poblaciones de ratas. Rat Film es también un magnífico retrato de los marcos ideológicos de las investigaciones y políticas públicas en torno al control de las ratas en ciudades como Baltimore. Y también un diagnóstico certero de los males que aquejan a la cultura norteamericana contemporánea y pretérita. Males más endémicos y sistémicos que el de la proliferación de las ratas.

The sleeper. El Caravaggio perdido

de Álvaro Longoria. España, 2025. 75’.
21 de enero de 2026. Filmin.

El Caravaggio durmiente estaba en la pared de una casa bien de Madrid. Hasta que la dueña se cambió a otra más pequeña y el cuadro se quedó sin pared. Así, aquella joya acabó en una casa de subastas en la que podría haber sido vendida por 1.500 euros antes de que se llegara a hablar de 300 millones. Pero el Ministerio de Cultura lo declaró Bien de Interés Cultural e impidió que el cuadro saliera de España. Al final lo compró un potentado anónimo y aún no se sabe en qué pared acabará.  

Los estudiosos pintan bastante menos en esta película que los comerciantes de arte. El cuadro va mejorando de aspecto, pero mucho más de precio. Así que Caravaggio sigue dando mucho juego en el mercado y también en el cine (por ejemplo, Caravaggio, En cuerpo y alma de Jesus Garces Lambert). En todo caso, habrá que alegrarse de que esos marchantes y ejecutivos del arte comercien pacíficamente con cuadros y tengan cierto gusto para apreciar su color. No como esos que ven el mundo solo en blanco y negro.

Si pudiera, te daría una patada

de Mary Bronstein. EE.UU., 2025. 113’.
20 de enero de 2026. Cines Ocimax, Gijón. V.O.S.

El marido de Linda trabaja fuera y atender a su hija resulta muy difícil para ella. La pequeña necesita una sonda de alimentación porque, sin que se sepa el motivo, no gana peso. De repente, surge otro agujero en su vida. El que se ha abierto en el techo de la casa y las obliga a vivir en un hotel. Su capacidad como psicóloga para ayudar a sus clientes también naufraga, igual que su confianza en el terapeuta que la atiende. Así que, salvo en el alcohol, Linda no encuentra ninguna ayuda para salir adelante.  

El sonido de la máquina que le suministra el suero a la niña es permanente y estresante. Sin embargo, Mary Bronstein tiene el acierto de no mostrarla durante casi todo el metraje. La suya es una presencia insistente, pero siempre en fuera de campo. Los primeros planos del rostro de Linda y sus derivas diversas pueden hacer pensar que el personaje de esa madre es el protagonista absoluto de la historia. Y, sin duda, lo es por el magnífico trabajo de Rose Byrne. Sin embargo, aunque esta película de título extraño retrata muy bien el sufrimiento de esa mujer al borde de un ataque de nervios, lo que Mary Bronstien consigue, y seguramente pretende, es más que eso. Alrededor de la protagonista pululan otros seres atomizados, protocolizados, agobiados y agobiantes. De la aspereza general solo se salvan James, el joven negro dispuesto a facilitarle droga a Linda y la otra joven madre que, sin ninguna maldad, vive en la angustia más extrema. Hay un momento en que el terapeuta de Linda, tan desquiciado como ella, le cuenta como era la vida y la muerte de las ratas del laboratorio en el que él hacia prácticas cuando era estudiante. Y en ese otro agujero metafórico de la historia seguramente se encuentra otra clave de esta incómoda película que quizá no retrata solo la desazón de una madre sino la tragedia existencial de la sociedad norteamericana contemporánea.

Fandango

de Remedios Malvárez y Arturo Andújar. España, 2024. 88’.
19 de enero de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

Diálogos sobre el fandango. Conceptuales y musicales. Con Arcángel, Rocío Márquez, Sandra Carrasco, Jeromo Segura, Argentina, Cristian de Moret, Juan Cobos Wilkins, Miguel Ángel Fernández Borrero, Herminia Arredondo, Víctor Pulido y también Perlita de Huelva.  Todos hablan, muchos cantan, alguno baila (Rafael Estévez) y alguna toca la guitarra (María José Matos). Hay homenajes a los pioneros, como Paco Toronjo, visitas a lugares emblemáticos, como Almonaster la Real, El Cerro de Andévalo, Ayamonte, la Minas de Riotinto y, por supuesto, Huelva.   

 

Genealogía y ontología del fandango. Un fenómeno anterior al flamenco, quizá nacido en Alosno y con querencias de ultramar. El más popular de todos los palos, el más sentencioso y seguramente la base de muchos de ellos. Remedios Malvárez y Arturo Andújar nos ofrecen una hora y media recorriendo las tierras de Huelva en muy buena compañía. Así que dan ganas de bajarse ya mismo a esos pueblos de la sierra, del llano y también a las marismas. Es estupendo que en los cines de Parqueastur se proyecte esta semana un documental como este. No es la primera vez que solo ellos nos traen películas así. Y es que las palomitas en unas salas son compatibles con propuestas más especiales en otras. Ojalá sigan haciéndolo.

Estrany riu

de Jaume Claret Muxart. España, 2025. 106’.
18 de enero de 2026. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Es verano y Dídac recorre en bicicleta con su familia algunas zonas del Danubio. Su madre es actriz y su padre arquitecto. Él tiene dieciséis años y es el mayor de los tres hermanos. El fluir del río es también el de sus sentimientos ante la atractiva presencia de un chico que se baña, deambula y navega por allí.

 

El ritmo de las bicicletas hace que las imágenes del verde forestal fluyan como las aguas de ese río que se va ensanchando mientras crece la fascinación del protagonista. La belleza de las escenas acompaña la insularidad existencial de unos personajes que parecen estar solos en ese paraíso estival. No hay apenas encuentros con otras personas (apenas el de la madre con otra actriz y el de Dídac con un muchacho que se podría llamar Alexander o ser tan solo un sueño). Y es ahí, en la contención formal y en la posibilidad de que las evocaciones tengan más fuerza que la realidad, donde está lo mejor de una película que, en formato silente, tiene parentescos estimables con epifanías fluviales tan sobresalientes como La idea de un lago, de Milagros Mumenthaler, o Los exiliados románticos, de Jonás Trueba. Habrá que seguir la pista a Jaume Claret Muxart. Con este comienzo y lo que nos anticipó en el coloquio virtual que organizó MUSOC, se puede esperar mucho bueno de él.

La tarta del presidente

de Hasan Hadi. Irak, 2025. 105’.
15 de enero de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Con motivo del cumpleaños de Sadam Husein, los niños deben llevar viandas a la clase. El maestro sortea quién llevará la tarta y le toca a Lamia, una niña que vive muy pobremente con su abuela. Sin apenas medios, las dos se dirigen a la ciudad con su gallo en busca de los ingredientes. En un momento de despiste las dos se pierden. La abuela acaba en el hospital y Lamia seguirá buscando lo que necesitan para hacer la tarta.

El contexto es el de la primera guerra del golfo y, sin ser el tema central, la película retrata sus efectos en la vida cotidiana de los iraquíes. La historia parece antigua y la pobreza de esa niña perdida en la ciudad inquieta y conmueve. De hecho, recuerda a otras magníficas películas sobre el deambular infantil que han hecho directores iraníes tan magníficos como Abbas Kiarostami (¿Dónde está la casa de mi amigo?) o Jafar Panahi (El globo blanco, El espejo). Buenas compañías para un trabajo muy digno en el que Hasan Hadi demuestra haber aprendido mucho de esos maestros.

La piel del agua

de Patricia Velásquez. Costa Rica, 2024. 79’.
14 de enero de 2026. Filmin.

Camila es una adolescente de familia bien que tiene un novio músico que quiere irse a Nueva York. Ella tiene buena relación con su madre, que acaba de tener un accidente y está hospitalizada. Así que Camila tiene que ir a casa de su padre con el que se lleva fatal. Y encima su noviete le sale rana.

 

Esta es la tercera película costarricense nominada a los premios Goya. Pero nada que ver con El despertar de las hormigas, de Antonella Sudasassi Furniss, que fue nominada en 2019. De esta última también fue nominada el año pasado Memorias de un cuerpo que arde, que no he visto, pero estoy seguro de que es mucho mejor que esta historia de adolescentes del pijerío costarricense que simplemente no se sostiene. La distancia entre películas como esta y Un poeta, de Simón Mesa Soto, o La misteriosa mirada del flamenco, de Diego Céspedes, (las dos nominadas que había visto hasta ahora) es sencillamente sideral. Alguien debería explicar por qué ha sido nominada una película que está tan alejada de la excelencia existente en el cine iberoamericano. Un cine que, por desgracia, no tiene la difusión que merece en nuestro país. Y esto no ayuda a mejorar la situación.

Good Boy

de Ben Leonberg. EE.UU., 2025. 73’.
13 de enero de 2026. Filmin. V.O.S.

Indy es el perro de Todd. Tras salir del hospital, sin recuperarse del todo, se lo lleva a la casa en que vivía su abuelo. Allí Indy está todo el tiempo alerta ante presencias inquietantes, mientras Todd empeora y el peligro acecha. 

 

Una historia de terror desde la mirada de un perro. La vieja casa cerrada, la lluvia, las luces inquietantes y las sombras espectrales configuran la atmósfera propia del terror más clásico. Sin embargo, el relato resulta confuso. Quizá porque Ben Leonberg pretende situarnos en la inquietud propia de un perro fiel en circunstancias como esas. Lo cierto es que el protagonista es aquí él perro. Sus miradas y reacciones nos cautivan todo el tiempo. Hasta el punto de que nos preocupa más el can que lo que le pueda pasar al dueño. No sé qué pensarán de esta película los aficionados al género de terror, pero los mejores amigos del perro seguro que contemplan encantados (y un tanto preocupados) lo que le pasa a este.

Familia de alquiler

de Hikari. Japón, 2025. 103’.
12 de enero de 2026. Cines Parqueastur, Corvera.

Un actor estadounidense lleva tiempo viviendo en Tokio, pero no le salen buenos papeles. Hasta que un día le ofrecen hacer de americano triste en un funeral aparentemente real. Se lo encarga una empresa que atiende los deseos de personas que necesitan que un actor interprete un papel para mejorar la vida de alguien. El del novio en una boda ficticia con la que la novia quiere tener una coartada para irse a vivir a Canadá. El del padre desconocido de una niña pequeña que necesita no ser huérfana para poder entrar en una escuela. O el del periodista que entrevista a un actor anciano que antes había sido muy famoso. El trabajo no es difícil, pero a veces le genera dilemas. Y también tiene sus riesgos cuando va más allá de lo que le encargan. 

 

Brendan Fraser está estupendo en el papel de ese actor bondadoso incapaz de deslindar la frontera entre la persona y el personaje. Con esta bonita historia, Hiraki ha conseguido hacer mucho más que una película apta para todos los públicos. Hay delicadeza en la forma en que presenta las necesidades afectivas de las distintas edades (la niña, el anciano, la novia o ese hombre con esposa y amante). También hay sutileza al incluir la relación del protagonista con esa encantadora prostituta. Los dilemas que se plantean están resueltos con mucha ternura al final de esta bonita película que, en cierto modo, recuerda a Familia, la ópera prima de Fernando León de Aranoa protagonizada por Juan Luis Galiardo. Con su preciosa estética nipona, Familia de alquiler recuerda a otras joyas sobre los rituales de la muerte. Me refiero a dos películas extraordinarias que vimos en los cines Verdi de Barcelona en julio de 2009: Despedidas de Yōjirō Takita y Still Walking de Hirokazu Kore-Eda. Nada menos.

La cronología del agua

de Kristen Stewart. Reino Unido, 2025. 128’.
11 de enero de 2026. Cines Ocimax, Gijón. V.O.S.

Lidia Yuknavitch tuvo una juventud muy difícil. Los abusos sexuales de su padre y luego los excesos con el alcohol, las drogas y el sexo hicieron que la primera parte de su vida fuera un infierno. Solo la natación y luego la escritura consiguieron ponerla a salvo.

 

Aguantar la respiración, Debajo del agua, La humedad, Reanimaciones y La otra cara del ahogamiento son las cinco partes de esta cronología del agua que retrata la vida torturada de una escritora que, más que una letraherida, fue una mujer salvada por la literatura. Con unos primeros planos obsesivamente subjetivos, un sonido muy cuidado y una composición fragmentaria del relato en la que a veces se encabalgan las palabras y los pensamientos, Kristen Stewart muestra una maestría formal sorprendente en su primer trabajo como directora. La historia se hace áspera y contagia la desazón de la protagonista, pero en el último tramo resulta más luminosa y balsámica para el espectador. Quizá sea eso lo que pretendían Kristen Stewart y Lidia Yuknavitch. Compartir y sanar ese dolor.