Homo Argentum

de Mariano Cohn y Gastón Duprat. Argentina, 2025. 98’.
26 de diciembre de 2025. Multicines Béjar.

Aquí no ha pasado nada. Noche de suerte. Piso 54. Bienvenidos a Buenos Aires. El niño eterno. Un hombre decidido. La fiesta de todos. El auto de mis sueños. Experiencia enriquecedora. Cadena nacional. La novia de papá. Las ventajas de ser pobre. Ezeiza. Un juguete carísimo. Un film necesario. Tropo dolce. Son los títulos de los microrrelatos que componen Homo Argentum.

 

Son 16, pero uno seguiría encantado en el cine si fueran 61. Mariano Cohn y Gastón Duprat tienen una capacidad impresionante para la creación de personajes y situaciones que fascinan, divierten y dan que pensar. Homo Argentum es más que un entretenidísimo caleidoscopio del argentinismo masculino. Además de fragmentos un tanto salvajes (el primero), lecciones morales (La novia de papá), variantes de la ternura (Noche de suerte, Ezeiza) y muchas más cosas, entre los aciertos de Cohn y Duprat está que todos los ejemplares de Homo Argentum estén a cargo de Guillermo Francella. Su capacidad camaleónica y su calidad como intérprete las hemos disfrutado en películas como  El secreto de sus ojos, ¡Atraco!, El clan, Mi obra maestra, Playa de lobos. Pero aquí la sucesión de personajes tan bien perfilados en poco más de hora y media resulta memorable. Así que bravo por los tres. Por Guillermo Francella y por los directores de películas como El artista, El hombre de al lado, Todo sobre el asado, El ciudadano ilustre, Competencia oficial y ahora Homo Argentum. 

El extranjero

de François Ozon. Francia, 2025. 122’.
22 de diciembre de 2025. Renoir Floridablanca, Barcelona. V.O.S.

Meursault asiste distante al funeral de su madre. Es verano, hace calor y a él todo le da igual. Su relación con María, el encuentro con los árabes en la playa, los disparos y el juicio. Hasta el final. 

Aunque las descripciones de Camus son precisas, al tener la forma de confesión o soliloquio, no se hace fácil trasladar al cine esta magistral novela. Sin embargo, François Ozon consigue reflejar muy bien el extrañamiento del protagonista. Con acierto, deja la aparición de su voz interior hasta la escena de los disparos en la playa y logra que el diálogo con el sacerdote mantenga buena parte de la hondura existencial que hace tan singular la novela. Si acaso, sobra ese breve epílogo con la hermana del árabe ante la tumba frente al mar. No aporta nada y nos saca de la desazón existencial con que termina la historia. Pero es una pega mínima a una película de fotografía exquisita, ambientación perfecta y una interpretación muy pertinente de Benjamin Voisin.

Aro Berria

de Irati Gorostidi. España, 2025. 102’.
21 de diciembre de 2025. Cine Zumzeig, Barcelona. V.O.S.

Son los años setenta y en el taller mecánico de una fábrica vasca la asamblea de trabajadores debe decidir si se sigue con la huelga. Era la época de los pasquines policopiados con papel de calco, de las grandes causas del proletariado y de las críticas a los partidos y sindicatos por su docilidad con el sistema. Poco tiempo después, vemos a los perdedores de aquella asamblea conviviendo en una utópica comuna e intentando descubrir sus chacras. Tras la fallida revolución del proletariado, inventaron un comunismo bajo carpa para ensayar la revolución tántrica de los cuerpos.

 

Ion de Sosa, produce, dirige la fotografía y lleva la cámara en esta película. Así que Irati Gorostidi entra en la lista del nuevo cine experimental español con este retrodocumental hecho en clave naturalista, desprejuiciada y etnográfica. La propuesta puede considerarse fascinante e inmersiva (o soporífera y agobiante, si uno no consigue entrar en lo que se cuece en esa carpa) porque tiene a su favor un guion y una forma de filmar que nos retrotrae a la singular vida de aquellos jóvenes vascos que hace casi cincuenta años crearon la comunidad Arco Iris, una idea que vista desde ahora puede parecer bien remota. Quizá sea este viaje en el tiempo con la apariencia de imágenes encontradas (a la manera de Luis López Carrasco en El futuro o, con más calidad, en El año del descubrimiento), lo que hace más interesante a Aro Berria. Pensábamos ir a la Sala Beckett para ver De l'amistat, una obra que tenía muy buena pinta, pero la indisposición de una de las actrices obligó a cancelar la función. Así que no ha sido mala alternativa volver al cine Zumzeig donde se proyectan películas tan singulares como esta.

Dios lo ve

de Alex Guimerà y Guillem Ventura. España, 2025. 89’.
19 de diciembre de 2025. Filmin. V.O.S.

Óscar Tusquets cumplía ochenta años. Buena ocasión para celebrarlo con un documental en el que sale él con su familia y también compadreando (o discutiendo) con amigos y colegas tan interesantes como Miquel Barceló, Antonio López, Albert Serra, María Vargas Llosa y muchos más. También lo vemos en los afanes preparatorios de la exposición que, sobre sus cincuenta años en las artes plásticas, le dedicó la Fundación Vila Casas. O visitando con él algunos de sus proyectos más interesantes y finalmente celebrando en buena compañía aquel cumpleaños.

 

Un tipo fascinante al que siempre da gusto leer y con este documental también acompañar. Es socarrón, hedonista, seguro de si mismo, buen conversador y siempre con ideas claras y polémicas sobre las artes que ha cultivado. Óscar Tusquets ha sido arquitecto, pintor, escritor, pintor, diseñador, además de degustador y buen crítico de tantas cosas. El título de la película no puede ser más oportuno. Aunque la frase es de Edwin Lutyens, nadie como Óscar Tusquets para popularizarla y darle todo su sentido. A los que la reivindicamos una y otra vez en los ámbitos estéticos, pero también en otras vertientes de la vida, nos resulta especialmente grato este documental alegre y vitalista sobre un catalán genial que ha sabido vivir creando belleza y compartiendo  su manera de admirarla. Y resulta un regalo verlo justo en el día en que se estrena en Filmin, la víspera de nuestra clásica escapada de diciembre a Barcelona.

Mariposas negras

de David Baute. España, 2024. 78’.
18 de diciembre de 2025. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Tres mujeres tienen que abandonar sus hogares. Huyen del colapso desde África, el Caribe o la India buscando una vida mejor para los suyos. Pero los países culpables de sus males las maltratan. El problema de fondo es el cambio climático. El que unos provocan y otros sufren.

La historia es edificante y la animación muy vistosa. Los relatos intercalados despiertan compasión hacia esas mujeres que son llamadas migrantes para ocultar su nostalgia emigrante y no reconocerles derechos como inmigrantes. Porque expulsar a un refugiado climático que emigra o a un inmigrante que llega parece más feo que negar la acogida a un migrante. Ser migrante significa no ser de aquí ni ser de allá, no tener edad ni porvenir. Ser como las aves de paso, seres en tránsito, habitantes de un limbo que no es responsabilidad de nadie. Si se habla de migrantes sus circunstancias preocupan menos que si se nombran como seres humanos que han tenido que emigrar y convertirse en inmigrantes. Pero la palabra migrante les niega lo uno y lo otro. El derecho a un origen y un motivo para su viaje y el derecho a un destino y una esperanza. Por eso hay que prostituir las palabras para cosificar a las personas sin que se note demasiado. No lo hace Rubén Blades en la canción que cierra la película ("nadie emigra porque quiere"), pero sí los discursos dominantes sobre esos millones de seres humanos que de ese modo son deshumanizados. Incluso lo hacen los rótulos finales de esta película que también cae en la trampa de nombrar como migrantes a los nadies (Galeano dixit) que, sin embargo, pretende defender. No existe lo que no se nombra. Por eso hay que hablar de inmigrantes y, sobre todo, de emigrantes.

Recién nacidas

de Jean Pierre y Luc Dardenne. Bélgica, 2025. 104’.
16 de diciembre de 2025. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

Jessica, Perla, Julie, Ariane y Naïma viven en un hogar de acogida para madres con bebés. Son cinco chicas que lo tienen difícil, pero quieren salir adelante.

Si esta fuera la hermosa película testamentaria de los Dardenne podría llevar la palabra esperanza como subtítulo. Más que los bebés, el centro de las historias son ellas, pero todo apunta a la posibilidad de un futuro mejor para esos hijos y esas madres que están solas o mal acompañadas. Hay abuelas que ni siquiera quisieron ser madres y abuelas que no lo hicieron bien, pero ansían que la nueva vida que llega pueda salvar la suya. No hay abuelos y los padres ni están ni se les espera. Solo hay uno que se ha liberado de las adicciones y lo da todo para que ella también lo logre y formen los tres una verdadera familia. Recién nacidas es una película cercana, conmovedora y llena de matices. Como siempre en el cine de los Dardenne, asistimos al devenir de unas vidas como si entre ellas y las nuestras no hubiera cámaras ni pantallas. Y aquí el díptico perfecto es evidente. Me refiero a La maternal, la película de Pilar Palomero con la que Recién nacidas tiene una gran afinidad. La diferencia está solo en la latitud. La que hay entre unas jóvenes indómitas de Los Monegros y otras, bastante más contenidas, que viven en Lieja.

Roofman: Un ladrón en el tejado

de Derek Cianfrance. EE.UU, 2025. 128’.
14 de diciembre de 2025. Cines Parqueastur, Corvera. 

Jeffrey quería regalar lo mejor a su hija, pero no tenía medios. Muchos lo consideraban un tonto, aunque  tenía una inteligencia práctica que le permitió asaltar desde el tejado varios McDonald's y hacer muy feliz a su niña en el día del cumpleaños. Pero acabaron deteniéndolo y fue condenado a muchos años de prisión. Su habilidad le permitió escaparse y vivir una temporada escondido en un Toys R Us. En ese tiempo conoció a una mujer con dos hijas y en sus escapadas desde su refugio fue un cielo para ellas.   

 

El director de películas tan estupendas como Blue Valentine, Cruce de caminos o La luz entre los océanos vuelve a derrochar sensibilidad y ternura en esta deliciosa historia real que solo tiene un defecto: el cartel. Es verdad que, sin llegar a la comedia, es una historia sencilla que le encantará a cualquier público. De hecho, está en nuestras pantallas cuando se acerca la Navidad y la película encaja bien en estas fechas (quizá por eso ese cartel). Pero lo mejor de la historia es su compromiso moral. Todo el tiempo estamos de parte de Jeffrey porque lo merece y porque nos damos cuenta de que nadie debería sufrir el castigo de una vida encarcelada, es decir, sin horizonte en el espacio y con uno lejano en el tiempo. El mal más radical suele ser causado por gerifaltes diversos que nunca  pisaron ni pisarán una cárcel. Por eso uno aborrece tanto empeño en perseguir, localizar y encerrar a personas que saben hacer el bien y tanta ceguera para con los que realmente hacen el mal. Así que da gusto ese cine humanista de Cianfrance que nos permite sintonizar con fugitivos tan amigables como Jeffrey y desear que les vaya muy bien a otros como él.

Puñales por la espalda: De entre los muertos

de Rian Johnson. EE.UU, 2025. 144’.
13 de diciembre de 2025. Cines Parqueastur, Corvera. 

Un detective y un cura católico intentan desentrañar un crimen que tiene muchos antecedentes en la pequeña comunidad de una iglesia rural. El  cura, joven y bueno, ha llegado hace poco a esa parroquia que vive sometida por el otro cura. Se trata de un tipo que inocula el odio como forma de cohesión entre los miembros de su comunidad.  

 

Tras El misterio de Glass Onion, Rian Johnson nos ofrece la tercera entrega de sus Puñales por la espalda. En este caso, las indagaciones detectivescas se combinan con una interesante reivindicación del catolicismo en estos tiempos oscuros de fanatismo trumpiano. Últimamente llama la atención este resurgir, ético o estético, de lo católico. Uno no sabe si se trata de una herencia del papa jesuita y peronista o de una novedad coincidente con la llegada del papa gringo y agustiniano. En todo caso, bienvenido sea todo lo que haga pensar más allá de los mitos tecnoligárquicos y las imbecilidades de los mesías zanahorios. Sobre todo, cuando hay tanta gracia, inteligencia y buenas interpretaciones como las de esta película. 

Capitolio vs. Capitolio

de Javier Horcajada. España, 2025. 63’.
11 de diciembre de 2025. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Imágenes del Capitolio y sobre el Capitolio. Las que fueron captadas el 6 de enero de 2021 durante del asalto de los trumperos  y las que hace setenta años cantaban en blanco y negro las virtudes de la democracia estadounidense. Intercaladas cobran otro significado. Las unas y las otras.

 

En pocas semanas se cumplirán cinco años de aquello. Tiempo suficiente para que su significado sea aún más relevante. Por las mutaciones discursivas (entonces gritaban que los amos de las grandes tecnológicas habían hecho más daño a su país que el comunista Sanders) y por las maneras caligulescas con que su mesías se está cargando ahora el mundo (desde Europa a Venezuela, desde Gaza a Groenlandia). Además del contraste entre los dos tipos de imágenes, lo mejor del documental es que nos mete de lleno en la forma en que vivieron aquello los protagonistas del asalto. Se echan en falta más filmaciones de lo que hicieron  dentro del Capitolio, pero es un buen retrato de aquellos dramáticos momentos. Aunque nada que ver con la extraordinaria película de Petra Costa y Moara Passoni sobre lo que pasó en Brasilia justo dos años después. Me refiero a la magnífica Apocalipse nos Trópicos que, además de mostrar la crudeza del asalto a los edificios de Niemeyer, hace un repaso perfecto sobre los actos y los contextos del fenómeno Bolsonaro. La vimos el año pasado en el Festival de San Sebastián, pero lamentablemente creo que no ha pasado por las salas españolas (creo que está disponible en Netflix). Ojalá que la pusieran de cuando en cuando en televisión en estos tiempos en que tienen tanto predicamento las arengas de los bolsonaros, los trumperos y los mileicos.

Playa de lobos

de Javier Veiga. España, 2025. 97’.
10 de diciembre de 2025. Cines Ocimax, Gijón.

Manu está a punto de cerrar la jornada en el chiringuito playero en el que trabaja. Pero sentado en una tumbona sigue Klaus, un hombre que se niega a abandonarla. Los dos polemizan por eso. Y luego por otras cosas.

 

Playa de lobos es una película inclasificable, pero magnética. Un duelo fuera de lo común entre dos personajes de distintas edades y distintas culturas. Un artefacto que es (y no es) comedia, drama teatral, pugilato surrealista y cajón de sastre en el que caben palabras afiladas, canciones inesperadas o un coro playero en el que unos tipos con máscaras de lobo andan por allí sin que se sepa muy bien qué pintan en la playa. El primer reproche que el personaje de Guillermo Francella hace al de Dani Rovira sobre la desresponsabilización como defecto típico de los españoles consigue que Javier Veiga me tenga ganado para su causa. Así que los tres (y ese paisaje majorero) logran que Playa de lobos resulte una película tan singular como fascinante.

Valor sentimental

de Joachim Trier. Noruega, 2025. 135’.
9 de diciembre de 2025. Cines Los Prados, Oviedo. V.O.S.

Desde que su padre se separó de su madre, Nora y Agnes tienen poca relación con él. Ella acaba de morir, así que los tres vuelven a encontrarse. Él es Gustav Borg, un prestigioso director de cine que, después de varios años, tiene preparado el guion de una nueva película. Quiere que la protagonice sea Nora, que es actriz y le va bastante bien en el teatro. Sin embargo, los dos tienen una relación complicada y ella rechaza participar en esa película.

 

El suicidio, la familia, el peso del pasado y las dudas existenciales son algunos de los temas presentes en el cine de Joachim Trier (Oslo, 31 de agosto, El amor es más fuerte que las bombas, Thelma, La peor persona del mundo). En Valor sentimental, además de esas cuestiones, hay también dilemas sobre la autoría y la interpretación, los elementos básicos de artes tan intensas y confrontadas como son el cine y el teatro. A todo ello se une también la relación entre un padre y una hija, situados en momentos muy distintos de sus carreras profesionales y con percepciones diferentes sobre la importancia de la fama y el prestigio. Es como si Nora sufriera algo así como un complejo de Edipo (no de Electra) mal resuelto. Como si al intentar matar al padre no consiguiera otra cosa que resucitarlo. Valor sentimental tiene mucho interés desde esa doble dimensión de la intimidad: la familiar y la artística. Pero, siendo una película sin artificios, consigue ofrecer, además, diversas capas formales en las que se encabalgan la representación y lo representado. De modo que son transitables los momentos en que contemplamos las ficciones creadas por el director Borg y la del director Trier. Un efecto muy sugerente que casi me hizo reprochar a este su último plano secuencia, tras el último de aquel. Pero no, la forma en que con eso genera una simetría perfecta entre las bambalinas del teatro y las del cine en las escenas con que comienza y termina la película me hace pensar que los dos directores han acertado. Pero también, y muy especialmente, ha acertado esa hija/actriz en la maravillosa escritura juvenil de esa escena preambular en que la voz narrativa es la de la propia casa familiar. Con un comienzo así (que no arranque), ya antes de que empiece Valor sentimental sé que estoy ante una película de mucho valor. Y no solo sentimental.

Golpes

de Rafael Cobos. España, 2025. 101’.
7 de diciembre de 2025. Cines Alkazar, Plasencia.

Migueli y su hermano mayor, Sabino, vieron de niños como la guardia civil perseguía y mataba a su padre. A comienzos de los ochenta Migueli es un quinqui que acaba de salir de la cárcel y vuelve a su pueblo con la idea sacar dar sepultura digna a su padre que había sido enterrado en una finca en el campo. Para vendérsela el dueño le pide un dinero que solo podría conseguir dando varios golpes con unos colegas. Sabino es ahora un policía que se quiere jubilar, pero lo último que le encargan es detener a su hermano. 

 

El guionista de Alberto Rodríguez, que cuenta con premios Goya en películas como La isla mínima o El hombre de las mil caras, dirige esta historia que trenza un retrato de las atmósferas marginales de los primeros ochenta con un drama policiaco sobre dos hermanos que viven como promesa o como fracaso sus relaciones sentimentales. Hay en ellos también  dos maneras de enfrentarse al pasado y a las injusticias vividas en primera persona. Algunos hilos del relato quizá resultan imprecisos, pero Golpes se ve con agrado y hay buenas recreaciones de los ambientes marginales de aquellos tiempos. Además de un trabajo interpretativo notable de Jesús Carroza y Luis Tosar.

Almudena

de Azucena Rodríguez. España, 2025. 80’.
4 de diciembre de 2025. Centro Niemeyer, Avilés.

Almudena Grandes recordada por su familia y sus amigos. Con imágenes de ella hablando en actos públicos y sincerándose en entrevistas. Es un homenaje sincero, cariñoso y muy sentido a la escritora madrileña y también a la madre, hermana, esposa y amiga.

De Almudena Grandes tengo dos recuerdos especiales. Uno es el de su columna de los lunes en El País que heredó de Manuel Vázquez Moltalbán (un reto para ella) y en la que ahora escribe Luís García Montero (un desafío emocional para él). El otro recuerdo es madrileño y de hace muchos años. Yo iba en un vagón de metro en el que casi no había nadie y en una parada entraron ella, él y una niña pequeña a la que contaban tiernamente un cuento sobre los túneles que recorren la ciudad. Fue un instante de amor triangular que he vuelto a recordar viendo este documental. Seguramente aquella niña era Elisa, la que aquí comenta algunas fotografías de su madre. El pasado domingo veíamos Flores para Antonio, el magnífico  documental de Elena Molina e Isaki Lacuesta en el que otra hija quería saber más sobre su padre. Son dos formatos y dos protagonistas distintos, pero ambos tienen mucho interés.

Núremberg

de James Vanderbilt. EE.UU., 2025. 148’.
3 de diciembre de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Douglas Kelley llega a Núremberg para un trabajo muy especial. Es un psiquiatra que deberá valorar la situación de los altos mandos nazis que serán sometidos al famoso proceso judicial. También debe estar pendiente para que no se suiciden antes de cumplirse la sentencia. Su contacto con Hermann Göring será, por tanto, muy cercano. Casi como el de una amistad.

 

Russel Crowe está impresionante en el papel de Göring. Y la versión original es aquí aún más necesaria porque su personaje unas veces habla en alemán y otras en inglés. Hay escenas en blanco y negro que coinciden con las imágenes reales que se conservan de aquel proceso, pero lo mejor está en la cercanía con que asistimos a esos momentos cruciales en que se estaba preparando el juicio. Se nota que la idea de Hannah Arendt (y de Stanley Milgram), mejor o peor comprendida, ya forma parte del discurso general. De hecho, sin mermar la abyección de aquel nazi, la película viene a cuestionar la superioridad moral de los vencedores de aquella guerra brutal. Algo que también queda claro en documentales tan necesarios como Sobre la historia natural de la destrucción de Sergei Loznitsa.

Singular

de Alberto Gastesi. España, 2025. 104’.
1 de diciembre de 2025. Cines Parqueastur, Corvera. 

Diana trabaja en el entrenamiento avanzado de una inteligencia artificial. Tras despedirse de ella hasta el lunes, recibe una llamada de Martín. Los dos perdieron hace tiempo un hijo cuando vivían en una casa en el bosque y, desde entonces, no se han vuelto a ver. Ese fin de semana habría cumplido dieciocho años y Martín le propone que vuelvan a encontrarse allí.

 

El primer largometraje de Alberto Gastesi fue La quietud en la tormenta, una película magnífica en la que encontré vecindades con el cine de Rohmer y Linklater. Pero Alberto Gastesi tiene un mundo propio que no requiere comparaciones. Desde el sorprendente primer plano hasta la luminosa escena final, Singular es un relato impecable y cautivador  para el que la mejor respuesta está en la pregunta que formulaba Bob Geldof en la letra de I Don't Like Mondays, aquella inolvidable canción de The Boomtown Rats. Alberto Gastesi trenza de manera delicada y asombrosa la íntima desazón de una madre y un padre que perdieron a su hijo con las incertidumbres que suscita el despertar de esa otra singularidad de la que nos habló Nick Bostrom hace ya algunos años. Con una escritura perfecta, Singular está de llena de ecos interiores y sugiere sutilezas diversas (Leibniz, Borges, Cortazar...) que dan mucho que pensar (y hablar) sobre lo que cuenta esta película que es capaz de evocar los paisajes de Thoreau y de hacer femenino el diálogo liminar desde los dos lados de la singularidad. Por lo demás,  Javier Rey, Miguel Iriarte y esa magnífica actriz llamada Patricia López Arnaiz componen el mejor triángulo para esas variaciones con repetición (o repeticiones con variación) en las que la pregunta inquietante no es dónde sino cuándo suceden. Ojalá que Singular sea vista, entendida y valorada como merece. Y que su director estrene pronto nuevas historias tan hermosas, sutiles y sorprendentes como las de sus dos primeros largometrajes.

La bala

de Carlos Iglesias. España, 2025. 96’.
30 de noviembre de 2025. Centro Niemeyer (auditorio). Avilés.

Julián es un cura de Ciudad Rodrigo que va a Rusia con otros españoles para recuperar los restos de una tía que formó parte de la División Azul. Con sus huesos venía la bala que la mató y, al saber que había sido disparada por una pistola española, Julián indaga sobre los motivos por los que aquella joven quiso ir allí. 

Carlos Iglesias dirige y protagoniza esta película comprometida con la memoria histórica y que podría hacer pensar a los nietos de los vencedores. Hay imperfecciones en el guion, pero estaría bien que pudieran verla y que compartieran los sentimientos de las personas que hablaron en el coloquio que siguió a la proyección. Con toda la razón, Carlos Iglesias se quejó de lo difícil que resulta para películas como esta llegar a proyectarse en las salas en esta época. Son fechas en que la afluencia de público se hace masiva, pero la exhibición comercial está férreamente sometida a las imposiciones de la perversa dieta de la industria estadounidense. Ojalá vieran La bala esos que hoy se manifestaban en Madrid agitando banderas contra otros españoles. Quizá les ayudaría a superar su altivo maniqueísmo y caer en la cuenta de algunas cosas importantes. Como las que señalaba David Uclés en El País. 

Flores para Antonio

de Elena Molina e Isaki Lacuesta. España, 2025. 98’.
30 de noviembre de 2025. Cines Parqueastur, Corvera. 

Antonio Flores murió cuando Alba tenía ocho años. Ahora ella intenta saber más sobre su padre y rescatar su historia en este documental que se hace mientras su madre prepara un concierto homenaje.

 

Sincera, hermosa y sentida. Así es esta película hecha de imágenes buscadas y encontradas, de evocaciones de amigos y colegas y también de diálogos en la intimidad familiar. Es un precioso tributo que nos muestra el paso y el poso del tiempo en esa mujer que era niña cuando perdió a su padre y que, en cierto modo, también nos hace pensar en eso a quienes pertenecemos a la generación de Antonio. Las buenas compañías de Alba están en esa familia que cumple como pocas el papel de suelo protector. Pero también en quienes la acompañan en este proyecto. Por ejemplo, Elena Molina e Isaki Lacuesta que firman un documental magníficamente montado (en lo humano) y editado (en lo audiovisual). O gentes como Ariel Roth y Joaquín Sabina, que tan bien hablan de él, además de Silvia Pérez Cruz, que tanto bien le hace a ella. Flores para Antonio es una maravilla que debería ser vista por mucha gente. Por fortuna hay salas de cine que, entre tanta banalidad, proyectan películas tan delicadas como esta.

Wicked: Parte II

de Jon M. Chu. EE.UU., 2025. 138’.
4 de noviembre de 2025. Cine Ribadeo.

Dos amigas están muy distanciadas. Una es bruja y la otra parece una princesa. Todo sucede en los dominios del mago de Oz.

No he visto la primera parte ni apenas sé nada sobre el mago de Oz, pero tampoco me entran ganas de remediar esas carencias. Los colores embelesan y algunas imágenes sorprenden, pero la estética de Wicked me recuerda un cruce entre Barbie (la rubita), Shrek (la piel verde de la otra) y Sissi (la vestimenta austrohúngara del galán). Lo verde sirve en Shrek para distanciar un poco a ese (anti)héroe de Sancho Panza y en Avatar hace que los indígenas voladores combinen con su paisaje, pero parece excesivo que a la actriz que interpreta a esta bruja enlutada le pongan también ese color. Va a ser que la piel negra aún parece más despreciable si se la tiñe de verde.

Liverpool

de Lisandro Alonso. Argentina, 2008. 84’.
27 de noviembre de 2025. Filmin.

Un marinero que trabaja en un carguero que atracará unos días en Ushuaia pide permiso para salir del barco y visitar su antiguo hogar. Hace muchos años que no ve a su madre y quiere saber si aún vive.

 

El director de Jauja y Eureka fue premiado en 2008 por esta película en el festival de Gijón. Liverpool sigue a un personaje casi silente que deja por unos días esa deriva vital (de la que es buena metáfora su trabajo en el barco) para volver al lugar del que salió hace muchos años y en el que nadie parece esperar ni desear su regreso. Sus trabajos en el vientre metálico del barco contrastan con los del aserradero de su antiguo hogar y con los afanes de los tramperos que aún viven allí. Es una vida prístina que recuerda un poco la de aquel hombre solitario y también silente de La libertad. Aunque lo más singular de la película es que la cámara no sigue el regreso al barco de ese personaje enigmático, sino que nos deja contemplando la vida cotidiana en ese hermoso lugar nevado. Al final no sabremos por qué lo abandonó, por qué regresó ni por qué volvió a irse de nuevo. Es como si finalmente ocupáramos su lugar en esa otra vida a la que ya nunca volverá.

Adorable

de Lilja Ingolfsdottir. Noruega, 2024. 101’.
25 de noviembre de 2025. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

Separada y con dos hijos, María inicia una relación con Sigmund. Unos años después tiene otros dos niños con él. El enamoramiento inicial se convierte en algo distinto cuando los viajes de trabajo de Sigmund la dejan a cargo de dos niños pequeños y dos adolescentes. Superada por la situación, María estalla. Será el comienzo de una ruptura muy dolorosa. Sobre todo para ella.

Una crónica del desamor. Del negro desamor. Lilja Ingolfsdottir entra a fondo en los mecanismos que traducen el dolor en reproches recurrentes y las palabras en dardos que hieren. La peor parte le toca a ella. Y no solo por llevar una vida en la que los deberes cotidianos le impiden disfrutar con otros afanes. También porque el personaje, magníficamente interpretado por Helga Guren, se nos presenta como inevitablemente perdedor en esta relación. Él guarda silencio ante los reproches y eso hace que ella los multiplique y, por tanto, lo aleje cada vez más. Lilja Ingolfsdottir la coloca en ese triste lugar no solo en su relación con ese hombre tan deseable, sino también con su madre y con su hija mayor. Como hija y como madre, María también recibe señales de que sus reproches la hacen insoportable, sin que quienes la acusan caigan en la cuenta de que hacen lo mismo y a una escala mayor. De hecho, María parece darse cuenta y asume que la ruptura amorosa es inevitable, pero al menos pondrá a salvo a su hija de esa herencia tan poco deseable. No sé si las terapias de pareja servirán tan poco como se muestra en esta historia, pero la película ofrece una buena oportunidad para hablar sobre el tema de los reproches sin acritud.