Doñana

de Carmen Rodríguez. España, 2025. 98’.
31 de mayo de 2025. Cines Los Prados, Oviedo.

Los viajeros, la devoción, la seducción, la escasez, la arena, la tradición, la abundancia. la familia y el Acebuche. Son los capítulos que componen este fascinante documental sobre Doñana. 

 

Donde el agua es sagrada. Es el subtítulo de esta joya que se une al ramillete de películas sublimes sobre la naturaleza española que en los últimos años nos han regalado Carmen Rodríguez y Joaquín Gutiérrez Acha  (Guadalquivir, Cantábrico y Dehesa). Las imágenes son bellísimas e hipnóticas, el relato es perfecto y la voz de Odile Rodríguez de la Fuente acompaña una experiencia cinematográfica que no sabrán lo que se pierden quienes que no la vean. Lo mismo que sucede con Doñana, un lugar sagrado que está siendo esquilmado (la película también lo cuenta) por los cultivos desecadores y la ignorancia culpable. El fin de semana pasada fuimos al pueblo y a Monfragüe y disfrutamos lo indecible con la belleza que nos está deparando esta primavera tras las nieves y las lluvias caídas en los últimos meses. Como tantas veces, los ojos que a nuestro lado miraban los nidos de las cigüeñas negras y los buitres negros venían desde muy lejos. Del norte de Europa, donde saben, y envidian, lo que significa tener un país que es la casa, el hogar de estío o invernada de grullas, imperiales, linces y lobos. Quienes quieren a España no son los que se ciegan con su bandera o la atan a su muñeca, sino los que apreciamos la fortuna de tener aquí los santuarios más importantes de Europa. Para saberlo solo hay que ir al cine y ver películas como esta. Y luego salir al campo con unos prismáticos para dejar de mirarse el ombligo y aprender a ver lo que merece la pena.

El Jockey

de Luis Ortega. Argentina, 2024. 97’.
31 de mayo de 2025. Cines Los Prados, Oviedo.

Remo Manfredini es un jockey en crisis. De identidad y de equilibrio vital por sus adicciones. El día de su carrera más importante salta la valla y se pierde por Buenos Aires, donde vaga sin memoria en una transición existencial y también de género.

 

Si uno buscara el justo medio entre Aki Kaurismäki y Wes Anderson lo encontraría en las contenidas peripecias de este imperturbable jockey porteño. No tengo muy claro qué es lo que nos quiere contar Luis Ortega ni por qué. Pero es también lo que me pasa con las películas del finlandés y del tejano. Del director de El Jockey había visto antes otra maravilla titulada El ángel. Esta, además, fue el último trabajo de ese actor extraordinario llamado Daniel Fanego. Así que, sin expectativas conceptuales ni temáticas, me apunto a ver todo lo que se proyecte de este director (uno más) de un país que tiene cineastas tan creativos, y ahora maltratados, como Argentina.

Old Boy

de Park Chan-wook. Francia, 2003. 101’.
29 de mayo de 2025. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

El día del cumpleaños de su hija, Oh Dae-su es secuestrado y llevado a una celda en la que pasará quince años sin saber quién ni por qué lo ha llevado allí. Tampoco sabe el motivo por el que, de repente, despierta en una azotea. Desde entonces pone todo su empeño en encontrar al que tanto le odiaba y poder vengarse. Pero casi lamentará descubrirlo.

 

De Park Chan-wook he visto Stoker, La doncella y Decision to Leave. Todas tienen truculencia y mucha fuerza visual. También Old Boy que es bastante anterior. En el primer tramo uno está tan perdido frente la pantalla como ese protagonista confinado ante el televisor. Pero luego los hilos que se van definiendo y trenzando y la historia casi parece una tragedia griega (hasta en el incesto). Aunque en Old Boy los finales sucesivos acaban apostando más por catarsis y la esperanza que por el destino inexorable.

La historia de Souleymane

de Boris Lojkine. Francia, 2024. 92’.
27 de mayo de 2025. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

Dos días en la vida de Souleymane. Los que pasa recorriendo en bicicleta las calles de París como repartidor de comida a domicilio mientras intenta preparar la entrevista en que tendrá que justificar su solicitud de asilo político.

 

La película empieza y termina con el silencio. Ese que parece sepultar las tragedias de tantos nadies. La verdadera historia de Souleymane la conoceremos al final de esta película imprescindible, con el relato sincero que le hace a la funcionaria que tiene que redactar el informe. Mientras escribo esto escucho en la radio la noticia de la tragedia de esta mañana en El Hierro.  Y también la de las sangrientas formas de tortura en que Israel y Estados Unidos están convirtiendo el reparto de ayuda humanitaria en Gaza. Son dos de las noticias de hoy, y ni siquiera son las primeras. Uno se pregunta si serviría para algo que los líderes (y votantes) de la derecha extrema (y la derecha cómplice) vieran una y otra vez las imágenes reales de hoy en el puerto de La Restinga. O que asistieran en sesión continua a la proyección de esta película precedida de Yo, Capitán, de Matteo Garrone. O también que fueran al teatro a ver a Ahmed Younoussi contando su propia historia en 14.4, la obra de Juan Diego Botto y Sergio Peris-Mencheta. Si la temática les parece muy negra podrían cambiar la bicicleta parisina del guineano Souleymane por la furgoneta del inglés Ricky en Sorry we missed you, la penúltima película de Ken Loach. No sé si a ellos les serviría de algo, pero a los demás nos resultaría catártico saber que estarían en silencio un rato conociendo esas historias.

El instinto

de Juan Albarracín. España, 2024. 92’.
21 de mayo de 2025. Cines Parqueastur, Corvera.

Abel es un arquitecto que padece agorafobia y trabaja siempre en su casa. En la zona hay un adiestrador de perros que se ofrece a entrenarlo para que pueda superarla. Dentro de dos semanas debería ir a Barcelona para presentar un importante proyecto, pero hace tres años que no sale de casa. Así que acepta la propuesta y se pone en manos de ese hombre.

Educación, obediencia y cobro. Son las tres partes de esta historia opresiva  ambientada en espacios de arquitectura contemporánea con maderas de chiquero. La película se centra en esos dos hombres magníficamente interpretados por Javier Pereira, al que descubrimos en Stockholm, y Fernando Cayo, ese actor extraordinario del que tan buenos trabajos hemos visto en el teatro (Los lunes al sol, Antígona, Inconsolable, Pancreas...) Juan Albarracín combina la intensidad creciente de esa relación inhumana con imágenes pretéritas de adiestramientos caninos con propósitos cinegéticos y también con recuerdos fugaces de la infancia del protagonista que apuntan hacia un lejano trauma en la relación con su padre. El instinto podría ser vista como un intento de llevar al límite las investigaciones de Milgram sobre la obediencia (la contraparte empírica de las tesis de Hannah Arendt tras el juicio de Eichmann) que Michael Almereyda mostró en Experimenter. Aunque también podría estar proponiendo una reinterpretación de las tesis hobbesianas sobre la naturaleza humana, dejando en paz a los lobos e indagando sobre la posibilidad de que el hombre pudiera llegar a ser un perro para el hombre (tanto por el lado de la sumisión como por el del dominio). Es verdad que Juan Albarracín arriesga mucho en una historia que tiene su principal riesgo en la verosimilitud. Pero también lo es que el dispositivo narrativo, la contención del escenario y el trabajo de los actores lo compensan.

Jane Austen arruinó mi vida

de Laura Piani. Francia, 2024. 94’.
16 de mayo de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Agathe trabaja en Shakespeare & Co y escribe novelas románticas que nunca termina. Algo que también le pasa en su vida sentimental, que no es nada concluyente. Sin que ella lo sepa, un amigo especial envía su último escrito a la Residencia de Escritores Jane Austen en Inglaterra. Ella siente devoción por esa escritora, así que acaba aceptando la invitación para terminar su novela durante una estancia allí. Sin embargo, no cumplirá ese objetivo, pero esa temporada allí complicará un poco (y finalmente aclarará) su vida sentimental.

 

Muy francesa y muy inglesa. En las lenguas, en los personajes, en las atmósferas y hasta en las pequeñas bromas que sirven de contrapunto a una historia que, como su protagonista, no quiere ser del todo romántica. Y quizá sea eso lo que desequilibra la película, porque el puntito de comedia es más francés (más dado a la bobada torpona) que inglés (más tendente a la acidez fina). En todo caso, sin ser nada especial, se ve con agrado esta película levemente literaria.

Lo que queda de ti

de Gala Gracia. España, 2025. 91’.
16 de mayo de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

Sara ha vuelto desde Nueva York a su pueblo de Huesca porque acaba de morir su padre. Estaba preparando un disco de jazz, pero el inesperado regreso le hace replantearse muchas cosas. Entre ellas, si se podría hacer cargo del rebaño de ovejas qu él tenía. Su hermana vive allí y también tiene ganado, pero no puede asumir más trabajo.

 

El primer largometraje de Gala Gracia demuestra que es una directora con cosas que contar y sabiduría para hacerlo. Lo que queda de ti es la historia de un duelo filmada con la mayor contención y sensibilidad. Pero también un retrato del conflicto entre las raíces familiares y la vida que nos lleva, entre la belleza magnética de la vida rural y la dificultad para dejarlo todo y volver a empezar. Afortunadamente, Gala Gracia sabe superar los tópicos de la España vaciada (que acaban reforzando su olvido) con un retrato realista, elegante y emotivo de algo tan sencillo y natural como la llamada de la tierra y la posibilidad de una vida más plena en ella (en esto su película sintoniza con esa joya de Avelina Prat titulada Una quinta portuguesa). Laia Manzanares está estupenda en el papel protagonista, pero no puedo dejar de resaltar el excelente trabajo de Ángela Cervantes en el papel de la hermana. Estaba impresionante en La furia, la magnífica ópera prima de Gemma Blasco, y aquí también está soberbia. 

Una quinta portuguesa

de Avelina Prat. España, 2025. 114’.
10 de mayo de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

La mujer de Fernando le abandona sin decir nada. Ha regresado a Serbia y no parece que quiera volver a vivir en Barcelona. Así que él deja las clases de geografía que daba en la universidad y se va sin ningún plan a la costa portuguesa. Casi por azar acaba trabajando de jardinero en una quinta para una mujer que también ha dejado atrás otro pasado.

Una delicia. Una maravilla. Tras esa primera joya titulada Vasil, Avelina Prat nos ofrece una película en la que de verdad uno querría quedarse a vivir. La historia no puede ser más delicada, amable, amorosa y bella. Y tiene personajes con alma, de carne y no de hueso, que se cuentan pequeñas historias y dejan fluir sus vidas, sin rumbo ni prisa, sabiendo que cualquier lugar puede ser el mejor del mundo si uno se detiene a quererlo. Puede serlo Barcelona, Esposende y, por supuesto, esa quinta fascinante desde la que Manuel, que ya no es Fernando, declara que no se le ha perdido nada en Guimarães. Con esta maravilla, Avelina Prat ya tiene ganado un lugar muy singular en el panorama del cine ibérico y europeo. Y no podemos más que agradecerle haber creado esos magníficos personajes que interpretan María de Medeiros y Manolo Solo (y todos los demás) en ese paraíso en el que han aprendido a ser y dejarse estar. Él no deja de hacer maravillas (solo hay que recordar su papel en Cerrar los ojos de Víctor Erice) y a ella la cámara la quiere casi tanto por su gesto como por su deliciosa voz, esa que nos embelesó aquella noche en que vino al Niemeyer para presentarnos Capitanes de abril (justo antes de que yo decidiera empezar este blog). Así que salimos del cine con muchas ganas de volver a la deliciosa raya que es nuestro lugar en el mundo y desde allí escaparnos una y otra vez a esos paraísos cercanos que siempre nos esperan en Portugal.

Los pecadores

de Ryan Coogler. EE.UU., 2025. 137’.
10 de mayo de 2025. Cines Los Prados, Oviedo.

Son los años treinta y dos hermanos gemelos que han trabajado con Al Capone vuelven a su pueblo para abrir una sala de blues solo para negros. En la noche del estreno un primo suyo toca de forma tan sublime que consigue reunir a vivos y muertos.

 

Hubiera sido perfecto verla en Béjar la semana pasada (allí se celebra cada julio el que bien podría ser el festival de blues más interesante del país), pero que la película tuviera que ver con terrores vampíricos nos desanimó. Por suerte, la vemos ahora y comprobamos que, por oscura que sea, tiene más que ver con La La Land que con  cualquier Drácula. Los pecadores es un festín musical y visual en una historia en la que hay vampiros peligrosísimos, pero que uno casi se olvida de ellos en esta maravilla que da gusto ver hasta después de los títulos de crédito.

El cielo de los animales

de Santi Amodeo. España, 2025. 81’.
9 de mayo de 2025. Cines Parqueastur, Corvera.

Cuatro historias (relativamente) independientes. Son La nadadora, El fin de Darío, El hombre lagarto y Cómo ayudar a morir a un ser querido. Hay mosquitos, abejas y hasta un cocodrilo. También amores imprevistos y muertes que acechan. Y, por supuesto, una piscina.

Fascinante y también inquietante. Así es este modelo para armar de Santi Amodeo que resulta algo menos oscura, pero tan interesante como Las gentiles. El cielo de los animales se basa en algunos relatos de David James Poissant. No los conocía, pero sus atmósferas son cautivadoras y desasosegantes. Algo que Santi Amodeo traslada impecablemente a la pantalla en esta película que, por suerte, se proyecta en los Cines Parqueastur. De cuando en cuando la programación de estas salas tiene querencias por el cine independiente y eso se agradece.

El papa Francisco: Un hombre de palabra

de Wim Wenders. Suiza, 2018. 96’.
5 de mayo de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Argentino en el origen y la lengua, franciscano en el nombre y la vocación, jesuita en el carácter, ecuménico en la voluntad y directo en las palabras. Así era el papa Francisco.

 

Javier Cercas, Jordi Évole y Wim Wenders. Algo debía tener ese hombre para interesar a los tres. Esta película nos muestra la claridad de sus palabras y sus actos con imágenes de sus viajes, de sus encuentros con los pobres y también con sus afirmaciones elegantes y comprometidas. Para mi no es fácil distinguir el acento de porteños y uruguayos (para ellos capaz que sí), por eso mientras disfruto escuchando su verbo parsimonioso y certero me acuerdo de las maneras de Mugica, ese magnífico oriental al que hace poco vimos en una entrevista, casi de despedida, con Évole. A Bergoglio lo vimos también en Francisco, el padre Jorge, otra película en la que Darío Grandinetti encarnaba su trayectoria desde los barrios más pobres de Buenos Aires hasta el Vaticano. Y también en otra magnífica película de muchas palabras: Los dos papas, de Fernando Meirelles. Aunque sean hagiográficas, en esta semana de cónclave apetece disfrutar con películas como estas. Y sintonizar con lo que dice José María Lasalle en el artículo que hoy publica en El País.

La buena letra

de Celia Rico Clavellino. España, 2025. 110’.
1 de mayo de 2025. Multicines Béjar.

Tras la guerra, Ana y Tomás tratan de salir adelante como pueden con su hija y la abuela. También acogerán a Antonio, el hermano de Tomás, que ha salido de la cárcel. Él es especial. Por lo que ha sufrido y porque todos lo consideran un artista. A veces, sin avisar, se va de la casa por un tiempo. Hasta que una vez regresa con Isabel, una chica que ha vivido en Londres y tiene más ambiciones que Ana.

 

Con Viaje al cuarto de una madre y Los pequeños amores Celia Rico Clavellino ha demostrado tener un don especial para retratar los interiores de la cotidianidad emotiva, la relevancia de lo tácito y el relieve de los sentimientos. Aquí es la deslealtad lo que condena a ese matrimonio humilde a una desazón sin remedio. Algo que Celia Rico Clavellino consigue mostrar, como acostumbra, sin subrayados y con mucha delicadeza. Para ello cuenta con un material de partida extraordinario como es la novela de Rafael Chirbes. La decisión de reducir a cuatro los personajes principales le permite mostrar mejor sus caracteres e interacciones. Pero sigue siendo Ana (la voz narrativa en la novela de Chirbes) el punto de vista desde el que cuenta la historia. Loreto Mauleón le da el tono perfecto a esa Ana paciente y buena, con unos contrapuntos impecables en los trabajos de Ana Rujas en el papel de Isabel, de Roger Casamajor como Tomás y Enric Auquer como Antonio. Sin duda, la buena caligrafía de esta película animará a muchos a leer la novela de Chirbes. Y descubrirán una joya que formaría un tríptico magnífico con Nada de Carmen Laforet y Los girasoles ciegos de Alberto Méndez.

Un hombre libre

de Laura Hojman. España, 2025. 88’.
30 de abril de 2025. Cines Van Dyck, Salamanca.

Trayectoria biográfica y literaria de Agustín Gómez Arcos, el escritor almeriense que llegó a ganar dos veces el premio Lope de Vega de teatro, pero sus obras fueron censuradas y nunca se representaron en España. En 1968 se exilió en París y en los años setenta empezó a escribir novelas en francés. Allí se convirtió en uno de los grandes escritores contemporáneos en esa lengua con notable reconocimiento internacional. Excepto en España, donde sus obras de teatro y sus novelas no fueron publicadas hasta hace pocos años por la editorial Cabaret Voltaire. 

 

"Creo que España es la cuna de la cultura occidental, aunque nuestra enorme riqueza cultural no esté suficientemente valorada en el mundo. Por eso, en mi obra, intento mostrar la España eterna: a mi juicio el Quijote o la Celestina no son personajes del pasado sino del futuro". Qué orgullo y qué vergüenza. Que quien decía eso tuviera que irse de España y escribir en otra lengua para dejar de estar prohibido y ser reconocido, demuestra que este país aún tiene cuentas pendientes con su (des)memoria. Agustín Gómez Arcos volvió a Madrid en los ochenta, pero se sintió en un país tan amnésico e indiferente como el que había encontrado Max Aub al final de los sesenta. Ambos debieron sentir que aquí recibían un doble castigo: antes silenciados y después olvidados. Por eso son tan oportunos los afanes y las palabras de los editores y de Adoración Elvira Rodríguez, su traductora a nuestra lengua. Y especialmente esa conmovedora y esperanzada reivindicación que hacen Marisa Paredes y Alberto Conejero de un escritor tan español, tan libre y tan valiente como Agustín Gómez Arcos. Laura Hojman viene haciendo un trabajo impagable con sus documentales sobre héroes literarios (Los días azules, sobre Antonio Machado, A las mujeres de España, sobre María Lejárraga, y también Tierras solares, sobre Rubén Darío). Son películas necesarias y hechas con la cadencia, la delicadeza y la calidad que su contenido requiere. Buen cine para reivindicar nuestra literatura. Hoy no estábamos en un festival, ni había coloquio después, pero al público salmantino de los Van Dyck le resultó inevitable aplaudir con sentimiento. Nosotros antes de irnos al pueblo, nos pasamos por Letras Corsarias para llevarnos algo de Agustín Gómez Arcos. Fue Ana no.  

Grand Tour

de Miguel Gomes. Portugal, 2024. 129’.
29 de abril de 2025. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

En 1917 Edward trabaja para el gobierno británico en Birmania. Tras siete años de noviazgo, Molly viene para casarse con él. Pero el día en que ella llega a Rangún, él abandona la ciudad y viaja por distintos lugares de Tailandia, Vietnam, Japón, China y Tibet, sintiéndose cada vez más melancólico por huir de ella. Molly, tenaz y divertida, sigue sus pasos en ese periplo. Hasta el final.

En lo formal es (casi) una elegante película en blanco y negro. Pero también podría ser un documental sobre las bellezas del Oriente más extremo con imágenes de lugares por los que (casi) no pasa el tiempo. Grand Tour parece querer evocar con ese título los viajes juveniles de las élites del XVII para descubrir las maravillas renacentistas y barrocas del Sur. Pedro Gomes sitúa en otro 17 a esta pareja que huye (él) y persigue (ella) mientras van encontrando delicias orientales. El horizonte aquí no es ingresar en la edad adulta con el gusto más refinado, sino buscar, o evitar, un encuentro que en el tramo final de la historia recuerda un poco a aquel otro viaje, también por territorios coloniales, que Joseph Conrad imaginó en El corazón de las tinieblas. Más que con la trilogía de Las mil y una noches, Grand Tour tiene bastante que ver con Tabú. Ambas se vertebran en la dualidad (formal y temática) y rememoran lugares exóticos y coloniales, pero mientras que en Tabú presentaba historias y formatos yuxtapuestos, aquí Miguel Gomes los entrevera. Reconozco que su cine es difícil y bastante propicio para la deserción o el tedio, pero debo decir que esta combinatoria poscolonial cada vez me parece más interesante.

Metrópolis

de Fritz Lang. Alemania, 1927. 153’.
27 de abril de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

En el mundo de arriba viven felices los ciudadanos de la metrópolis de Joh Fredersen. En el de abajo está la megamáquina que la soporta alimentada por el sufrimiento de los trabajadores. En las catacumbas estos escuchan fascinados a María, una joven que, cual mesías, predica la bondad y el amor. El hijo de John Fredersen queda prendado de ella y hará lo posible por acabar con la brutal desigualdad entre esos dos mundos. Pero la cosa se pone difícil cuando un visionario la tome como modelo para dar aspecto humano a su diabólico androide. 

 

"El mediador entre el cerebro y las manos ha de ser el corazón". Así empieza y termina esta joya que dentro de dos años cumplirá un siglo. Será una ocasión magnífica para volver a ella, a sus infinitos detalles y significados, a la relectura de las relaciones de este icono del siglo XX con el mito de la caverna, con el totalitarismo, con Mary Shelley y Aldous Huxley, con Marx y la rebelión de los luditas, con el Antiguo y el Nuevo Testamento, con las arquitecturas futuristas y las de los mayas, con las infames imágenes actuales de esos prisioneros de blanco con las cabezas gachas en El Salvador, con la megamáquina de la que habló Mumfod, con la deshumanización por la técnica anunciada por Ortega y hasta con Lorca cuando iba de mono o hecho un pincel. La versión que hemos visto hoy es la original, la de 153 minutos que se pudo rescatar a partir de la copia íntegra encontrada en Buenos Aires en 2008. Nosotros la habíamos visto en 2011, pero sin música y con subtítulos en alemán la experiencia de aquella noche nada tiene que ver con la de esta mañana. Al piano estaba Ricardo Casas y lo que ha hecho es superlativo. Sus variaciones levemente contemporáneas han maridado tan bien con las imágenes que lo vivido en estas dos horas y media no se distanciará mucho de la experiencia original que solo pudieron ver los alemanes porque en las proyecciones de 1927 en Nueva York, Londres o Barcelona la película ya había sido amputada y censurada dejándola en 115 minutos. Así que el de hoy ha sido un viaje desde el futuro anunciado en Metrópolis hasta el pasado de hace casi un siglo que no podemos dejar de mirar desde los sedimentos del tiempo. Habrá que prepararse para el festín de 2027. El centenario de Metrópolis será, sin duda, memorable.

El último suspiro

de Costa-Gavras. Francia, 2024. 100’.
26 de abril de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Los encuentros entre el escritor Fabrice Toussaint y el médico Augustin Masset, hacen que el primero descubra muchas cosas sobre el mundo de los cuidados paliativos en que trabaja el segundo. Con ellos asistimos a las diferentes formas en que se cuida y apoya a personas que se enfrentan al final de sus vidas con distintas edades, enfermedades, actitudes y, sobre todo, familias.  

El último suspiro podría ser la película testamentaria de Costa-Gavras. Y sería un magnífico broche a una trayectoria sobresaliente. Aquí pone la forma al servicio del tema combinando, de manera muy oportuna, pequeñas historias sobre las circunstancias terminales de unas vidas con la sintonía entre la lucidez atenta del ensayista y la inteligencia compasiva del médico. Entre esas pequeñas historias destaca la que protagoniza Ángela Molina. Ella ha hecho doblete sobre el tema de la eutanasia con películas muy diferentes, pero igualmente sobresalientes: esta de Costa-Gavras y Polvo serán de Carlos Marques-Marcet.

HLM Pussy

de Nora el Hourch. Francia, 2023. 101’.
24 de abril de 2025. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Amina, Djeneba y Zineb son tres adolescentes que se llevan muy bien. Un amigo del hermano de Zineb la ha acosado, así que Amina y Djeneba graban un video muy comprometedor para él. Amina lo publica en la red y, sin querer, pone en peligro a Zineb. Y también la amistad entre las tres.

 

Tensiones raciales, feminismos juveniles y amistades adolescentes. De eso trata esta película que quiere plantear muchas cosas pero que, salvo al inicio, no tiene el nervio que esos temas requieren. Las relaciones entre las chicas tienen momentos algo obvios y la de Amina con su familia, especialmente con  su padre, está demasiado subrayada. Sobre el carácter potencialmente virulento de ciertos contenidos en las redes hay otra película francesa bastante mejor que esta. La dirigió Laurent Cantet y se titula Arthur Rambo.

Muy lejos

de Gerard Oms. España, 2025. 100’.
23 de abril de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

Sergio viaja a Utrech con un grupo de amigos para ver un partido del Español. De camino al aeropuerto para regresar a Barcelona decide quedarse en Holanda y buscarse la vida allí. En todos los sentidos.

 

Una interpretación soberbia de Mario Casas (tras su sorprendente trabajo en Escape, de Rodrigo Cortés), una ópera prima magnífica de Gerard Oms (montada nada menos que por Neus Ballús) y el regalo final de Silvia Pérez Cruz poniendo música a Ben poca cosa tens de Miquel Martí y Pol. Son motivos sobrados para ver esta pequeña gran película y comprobar que, tras La furia, Sorda, Tierra Baja, La mitad de Ana o Las chicas de la estación (también películas pequeñas, pero muy grandes), el cine español viene fuerte en 2025. Muy lejos tiene la virtud de combinar el drama de la homosexualidad no aceptada del protagonista con el del extrañamiento que supone vivir en un país nada acogedor. Y Gerard Homs consigue mostrar las sutilezas de todos los grises de esa situación: la actitud de los pocos holandeses amorosos (la novia del otro catalán) y la de los otros, el sufrimiento de los nadies en Europa (el amigo marroquí) y la compasión de las personas entrañables (la mujer negra que ofrece a Sergio cobijo, afecto y comprensión). Y todo con el protagonismo absoluto de un Mario Casas en estado de gracia que está presente en todas las escenas componiendo un personaje que huye y busca sin acabar de saber bien dónde ni qué. Muy lejos es puro hiperrealismo tierno. Como si Gerard Oms hubiera heredado el aliento del mejor cine de Mike Leigh o Ken Loach.