No hay otra opción

de Park Chan-wook. Corea del Sur, 2025. 139’.
16 de febrero de 2026. Renoir Plaza de España, Madrid. V.O.S.

Man-su ha trabajado desde hace veinticinco años en una fábrica de papel que acaba de comprar una empresa estadounidense. Lleva una vida muy feliz con su mujer, sus dos hijos y sus dos perros en una casa estupenda. Pero el futuro se le presenta muy negro porque los nuevos dueños lo han despedido y no encuentra un nuevo trabajo. Así que no le queda otra opción que eliminar a otros aspirantes a un puesto en su empresa. 

El director de Old Boy, Stoker, La doncella y Decision to Leave nos propone una historia con truculencias, a veces divertidas, en torno a un personaje que quiere recuperar su vida, pero no está muy capacitado para la eficacia criminal. La puesta en escena es tan atractiva como es habitual en el cine de Park Chan-wook y, a pesar de que por momentos cuesta un poco seguir el hilo de la historia, lo que se cuenta comparte temática familiar y algunas de las tensiones (sin cinismos ni derivas gore) que hacían de Parásitos una película muy entretenida. Sin embargo, aunque quizá no lo parezca, la película de Park Chan-wook, tiene mucho más calado e intención que la de Bong Joon-ho. La irónica referencia inicial a la desaparición de una cultura sindical y la, ya nada distópica, transformación de la producción por la inteligencia artificial que hace tan inquietantes las últimas escenas , muestran que la película pretender ser más que un divertimento criminal. De hecho, uno se queda pensando si lo más inverosímil de la historia no será la existencia de la propia industria papelera, que tan poco necesaria parece en futuros algorítmicos.

El extranjero

de François Ozon. Francia, 2025. 122’.
22 de diciembre de 2025. Renoir Floridablanca, Barcelona. V.O.S.

Meursault asiste distante al funeral de su madre. Es verano, hace calor y a él todo le da igual. Su relación con María, el encuentro con los árabes en la playa, los disparos y el juicio. Hasta el final. 

Aunque las descripciones de Camus son precisas, al tener la forma de confesión o soliloquio, no se hace fácil trasladar al cine esta magistral novela. Sin embargo, François Ozon consigue reflejar muy bien el extrañamiento del protagonista. Con acierto, deja la aparición de su voz interior hasta la escena de los disparos en la playa y logra que el diálogo con el sacerdote mantenga buena parte de la hondura existencial que hace tan singular la novela. Si acaso, sobra ese breve epílogo con la hermana del árabe ante la tumba frente al mar. No aporta nada y nos saca de la desazón existencial con que termina la historia. Pero es una pega mínima a una película de fotografía exquisita, ambientación perfecta y una interpretación muy pertinente de Benjamin Voisin.

Mi única familia

de Mike Leigh. Reino Unido, 2024. 97’.
3 de marzo de 2025. Renoir Plaza de España, Madrid. V.O.S.

Desde la forma en que se despierta, todo es ira y aspereza en la vida de Pansy. Detesta a todo el mundo y tiene siempre reproches en la boca. Para su marido, para su hijo y para cualquiera con el que se encuentre cada día. La vida de su hermana Chantelle es todo lo contrario. Tiene dos hijas deliciosas y una relación estupenda con ellas. En el día de la madre, Pansy y Chantelle van juntas al cementerio. Será el momento en que Pansy toque fondo y sienta que ya no puede más.

El director de películas tan magníficas como Secretos y mentiras, Todo o nada o Mr. Turner consigue que sintamos compasión ante la ira más extrema. La que sufre continuamente esta mujer que vive en una casa impoluta pero es incapaz de hablar con su marido o de tocar unas flores que le ha regalado su hijo. La compasión no es fácil con quien agrede y provoca rechazo. Por eso es tan meritoria y acertada la perspectiva que nos hace asumir este veterano director que todo lo que hace lo hace tan bien.

El baño del diablo

de Severin Fiala, Veronika Franz. Austria, 2024. 120’.
7 de diciembre de 2024. Renoir Floridablanca, Barcelona. V.O.S.

Agnes se acaba de casar con Wolf y vivirá con él en una casa en el bosque. Ella desea tener pronto un hijo, pero su marido ni la toca. Su suegra supervisa y rectifica todo lo que hace, así que su vida se va haciendo cada vez más difícil en ese mundo oscuro en el que los miedos religiosos llevaron a muchas mujeres a desear la muerte. En esa época fueron cuatrocientas las que mataron a niños y fueron ejecutadas. Lo hicieron para no ir al infierno como suicidas y, confesando sus pecados, recibir el perdón de la Iglesia antes de morir.

La produce Ulrich Seidl, así que había garantía de que la película merecía la pena. El baño del diablo es una historia tremenda que retrata la dureza de las vidas de muchas mujeres en los entornos rurales austriacos de los siglos XVII  XVIII. El título y el premio a la mejor película en el festival de Sitges podrían hacer pensar que se trata de una película de terror y muchos sustos. Pero no es nada de eso. Es un retrato terrible, pero de gran valor, sobre la intrahistoria de aquellos tiempos en Europa. La película se atiene a lo que se sabe sobre aquellos hechos y nos acerca a la cotidianidad de unos mundos forestales convertidos por la religión y los ritos en verdaderos valles de lágrimas. Severin Fiala y Verónica Franz tienen el acierto de cerrar su película mostrando el eco de los ritos de la boda en los de la picota. Toda una lección de buen cine sobre la historia. Y sobre el horror en que vivieron tantas mujeres.

Bird

de Andrea Arnold. Reino Unido, 2024. 119’.
7 de diciembre de 2022. Renoir Floridablanca, Barcelona. V.O.S.

Bailey vive con su padre y su hermano. También tiene otros tres hermanos que viven con su madre. Su padre se va a casar dentro de unos días y su madre está ahora con un tipo bastante peligroso. Son dos familias complicadas en las que la atención a los hijos es escasa. A Bailey le gustan mucho los pájaros. Y en cierto modo también es un pájaro ese recién llegado que no sabe quiénes son sus padres y los está buscando en ese barrio.

El joven extraño parece un ángel. De hecho, observa desde lo alto de un edificio y a veces le salen alas como al personaje de Bruno Ganz en la inolvidable Cielo sobre Berlín de Wim Wenders. Las cuitas de estos menores, más o menos desamparados, también recuerdan a las de los personajes de algunas de las mejores películas de Kore-Eda (Nadie sabe, Un asunto de familia) o Sam Baker (The Florida Proyect). Hasta hay ecos de Los cuatrocientos golpes de Trouffaut o de Birdman de González Iñárritu. Ya sea como referentes inspiradores o como destinatarios de homenaje, no son malas compañías las de esos directores. Así que Bird es otro ejemplo del naturalismo poético en historias marginales sobre familias poco convencionales que últimamente está dando películas tan interesantes en el Reino Unido como Hoard de Luna Carmoon o Scrapper de Charlotte Regan.

Misántropo

de Damián Szifrón. EE.UU., 2023. 119’.
12 de febrero de 2024. Cines Renoir Princesa, Madrid. V.O.S.

Nochevieja en Baltimore. Mientras se lanzan fuegos artificiales, veintinueve personas mueren por disparos lejanos y certeros que atraviesan los cristales. Todos han sido hechos desde un mismo apartamento en el que poco después estalla una bomba. La perspicacia de una agente local llama la atención del jefe del FBI que la integra en su grupo de confianza. Juntos tratan de dar con el autor de los disparos. Y para lograrlo tendrán que sortear los prejuicios, los tópicos y las interferencias mediáticas. 

El director de la magnífica, y muy intencionada, Relatos salvajes dirige esta película que parece muy gringa y muy de género, pero que contiene cargas de profundidad sobre la cultura norteamericana contemporánea, es decir, sobre el ruido, el consumo desaforado, el militarismo y el culto a las armas. De hecho, Szifrón hace algo tan poco habitual como humanizar al asesino haciendo que comparta sus heridas vitales con la policía que lo encuentra. Y, en el tramo final, le dejará expresar su desazón frente al mundo en un monólogo perfecto. Parte de lo que dice me ha recordado el discurso de Theodor Kanczynski  (Unabomber). Y esta asociación podría no ser casual. De hecho, el protagonista de esta historia también se esconde en una cabaña en el bosque. Me temo que para buena parte del público norteamericano esta será solo una estupenda película (que lo es) sobre asesinatos múltiples y policías muy listos. Pero, siendo de Szifrón, algunos sabemos que pretende mucho más que eso. Justo lo que diferencia el título que figura en el cartel para Estados Unidos (To Catch a Killer -Atrapar a un asesino-) y el que ha llegado a los cines de Argentina y España.

Las cuatro hijas

de Kaouther Ben Hania. Túnez, 2023. 107’.
11 de febrero de 2024. Cines Renoir Plaza de España, Madrid. V.O.S.

Olfa tenía cuatro hijas. Según ella, a las dos mayores se las comió el lobo y por eso está haciendo ahora esta película con las otras dos. A ella la sustituye a veces una actriz y a sus hijas desaparecidas también. Las vemos comentando lo que recuerdan, preparando las escenas que evocan y también interpretándolas. Desde la noche de bodas de Olfa hasta las imágenes reales esas dos hijas y una nieta que siguen presas en una cárcel de Libia.

Los conflictos generacionales, la primavera árabe en Túnez, el atractivo del Estado islámico como forma de rebelión. Con un planteamiento muy peculiar en el que esta familia de mujeres recuerda e interpreta (en los dos sentidos del verbo) lo que ha vivido. Si en Las cuatro hijas el lobo feroz no fuera el Estado islámico, seguramente no estaría nominada al Oscar al mejor documental. Y, quizá, ni siquiera la estaríamos viendo. Pero eso no desmerece este intento de ficcionar lo vivido como la mejor manera de interpretarlo.

Scrapper

de Charlotte Regan. Reino Unido, 2023. 84’.
8 de diciembre de 2022. Renoir Floridablanca, Barcelona. V.O.S.

Georgie tiene 12 años y vive sola sin más afectos que los de un amigo. Su madre ha muerto y ella intenta evitar que se hagan cargo de su situación los de servicios sociales. Un día llega a la casa un joven al que no conoce. Es su padre y viene desde Ibiza para vivir con ella y cuidarla. Al principio Georgie lo rechaza, pero poco a poco irá surgiendo cierta sintonía entre los dos.

Georgie es una delicia de niña. Fuerte, dulce, con carácter, atrevida y juguetona. Así que su situación provoca más ternura que pena. Por tanto, la llegada de ese padre que nunca llegó a serlo subraya más la pérdida de la madre que el desvalimiento de la niña. Sin embargo, Charlotte Regan evita que su película escore hacia el drama. Ni tampoco hacia la melosería sensiblera. Y lo consigue apostando por una ternura contenida con unas interpretaciones muy naturales, un montaje a veces trepidante y una fotografía con colores alegres y sorprendentes. Siendo la más optimista de las tres, Scrapper haría un buen tríptico con Nadie sabe de Kore-Eda y con Hoard de Luna Carmoon. Muy buenas compañías para esta primera película de Charlotte Regan que parece seguir la senda de directores ingleses como Ken Loach o Mike Leigh.

Los hijos de otros

de Rebecca Zlotowski. Francia, 2022. 104’.
20 de febrero de 2023. Cines Renoir Plaza de España, Madrid. V.O.S.

Rachel no tiene hijos y se enamora de Alí que sí tiene una. Ella quiere mantener una relación estupenda con la pequeña Leila. Y lo consigue, aunque eso no le impide pensar en si estará perdiendo sus últimas oportunidades de ser madre.

Rebecca Zlotowski parece querer impugnar el mito clásico de la madrastra. De hecho, la hermosa y dulce Rachel está en sus antípodas. Aquel mito ensalzaba el imaginario de una maternidad que nadie cuestionaba y quizá por eso los cuentos de madrastras resultan hoy tan extraños. Lo cierto es que las dudas de Rachel sobre la posibilidad de una maternidad vicaria plantean cuestiones que hoy parecen raras. Y quizá por eso, a pesar de sus defectos en el guion, Los hijos de otros resulta una película interesante.

Suro

de Mikel Gurrea. España, 2022. 116’.
5 de diciembre de 2022. Renoir Floridablanca, Barcelona. V.O.S.

Helena e Iván dejan Barcelona cuando saben que van a tener un hijo. Ella ha heredado una vieja casa en el campo y una gran finca de alcornoques. La forma de restaurar la casa traerá los primeros desencuentros entre los dos. Pero los problemas crecerán cuando Helena decida no seguir los consejos de un amigo de la zona y encargue el trabajo de sacar el corcho a un hombre que utiliza a trabajadores marroquíes sin contrato.

Lo que arde, Alcarrás, As bestas y Suro son ejemplos recientes de miradas inquietantes sobre lo rural y sobre la ingenua insistencia en la redención de la España vacía que se ha puesto de moda entre algunos urbanitas de clase media alta y edad media no muy alta. La aproximación de Suro al tema está bien planteada en ese ambiente duro de los trabajadores del corcho a los que Iván se une cada día y en el que él no parece ser bienvenido. Helena manifiesta la seguridad y el pragmatismo de esas profesionales (ella es arquitecta) que parecen haber asumido los peores valores de sus colegas masculinos (Nuria Labari lo retrata muy bien en su libro El último hombre blanco). Y quizá sea en la relación entre los dos donde se encuentran algunos de los elementos que se hacen más extraños, como esa discrepancia en el proyecto arquitectónico que parece demasiado notable para no haberse manifestado antes. Pero eso no perturba el valor de una película bien construida que vemos en versión original (como debe ser) y que mantiene durante sus dos horas el interés por la tensión en ese mundo de alcornoques.

Close

de Lukas Dhont. Bélgica, 2022. 104’.
4 de diciembre de 2022. Cines Renoir Floridablanca, Barcelona. V.O.S.

Léo y Rémi son inseparables. Los dos se entienden muy bien y siempre están juntos. Pero su llegada al instituto hará que las cosas cambien. Sobre todo para Léo que reacciona mal a las burlas de otros sobre esa amistad y empieza a poner distancia con Rémi. Eso hará que sean aún más terribles sus sentimientos cuando él ya no esté.

No es una película sobre la homosexualidad ni sobre el suicidio. Aunque, en fuera de campo, este sea el hito que parte en dos esta magnífica historia sobre el cariño y la culpa. Y aquella, como insidia destructiva por parte de terceros, sea lo que abre la brecha entre esos amigos del alma destruidos para siempre. Lucas Dhont nos presenta con suma contención una historia desgarradora en la que los personajes están magníficamente perfilados y se hacen querer. Close es, además, una película sobria con detalles sutiles que aún la hacen más perfecta (las correrías de los dos entre las flores y luego los trabajos de Léo cargando solo con ellas, el casco con su rostro enjaulado que lo hace anónimo en la pista helada). Una magnífica película en este regreso a Barcelona que tanto estábamos esperando desde los tiempos confinados.

De jueves a domingo

de Dominga Sotomayor. Chile, 2012. 96’.
2 de mayo de 2020. Festival Renoir de Cine Iberoamericano, El blog de los Cines Renoir, Avilés.

Lucía y su hermano viajan en coche con sus padres hacia el norte. El jueves temprano dejan Santiago para emprender una ruta en la que compartirán acampada con unos amigos y llegarán casi al límite de territorios desérticos. Como la relación de sus padres que parece estar terminando.

No había podido ver esta película cuando se proyectó en el Niemeyer hace unos años, pero me encantó Tarde para morir joven, la última película de Dominga Sotomayor por la que recibió un merecido premio a la mejor dirección en la penúltima edición del festival de Gijón. Mucho de lo que escribí ayer sobre Sonámbulos podría repetirlo ahora sobre esta película hiperrealista que nos devuelve a los años noventa con la mirada de esa niña que asiste al que quizá sea el último viaje con sus padres. Sorprende la memoria y la precisión de la directora para construir los gestos y los detalles que muestran la textura de la vida cotidiana en un tiempo ya lejano. Sorprende su habilidad y pertinencia para poner la cámara. Y sorprende la familiaridad con que se relacionan los cuatro protagonistas de esta película de carretera en la que da gusto sentirse viajando en su coche sin importunarles. Magnífico cine chileno que ahora recupero pero que me habría encantado poder ver en pantalla grande. Ya va faltando menos para volver a ellas.

Fin de siglo

de Lucio Castro. Argentina, 2019. 84’.
26 de diciembre de 2019. Cines Renoir Princesa, Madrid.

Un argentino llega a Barcelona para pasar unos días en la ciudad. Allí encuentra a otro hombre con el que tiene sexo fugaz. O no tanto, porque se da cuenta de que en 1999 ya había estado otra vez con él. Y de que su vida sería distinta si llevaran viviendo juntos desde entonces.

Estuvimos a punto de verla en la Seminci y me alegro de que ahora nos la encontremos en Madrid. Lucio Castro nos ofrece una historia para armar sobre las vidas posibles de un amante en Barcelona. Poco importa si asistimos a encrucijadas biográficas o a meras ensoñaciones más o menos paralelas porque Fin de siglo es un prodigio de contención que, con un cuidado exquisito de los encuadres y el sonido, consigue que no sean necesarias muchas palabras para que resulte una película cautivadora. Y cuando las hay tienen ese hiperrealismo sosegado que hace tan grato seguir esta historia de amor que ha sido modelada con el aire sugerente y la sencillez deliciosa de un cuento de Cortázar. Nada menos.

Bienvenidos a Marwen

de Robert Zemeckis. EE.UU., 2018. 116’.
4 de marzo de 2019. Cines Renoir Princesa, Madrid. V.O.S.

Marwen es el pueblo belga en el que Mark Hogancamp imagina y fotografía las aventuras de un soldado americano en la Segunda Guerra Mundial y de las espectaculares mujeres que lo protegen. Lo hace con figuritas que resultan ser trasuntos de él mismo y de las mujeres a las que aprecia. Es un mundo ingenuo situado en el jardín de su casa en el que encuentra refugio un hombre que perdió la memoria tras sufrir un brutal ataque homófobo. 

Dos películas entreveradas. La de las ficciones en Marwen con ese Madelmán y sus Barbies y la de ese ser desvalido que solo con ellas puede defenderse de sus terrores. Bienvenidos a Marwen es una historia sencilla y bondadosa apta para muchos públicos pero también es un retrato sutil  de ciertas fantasías masculinas llenas de ingenuidad erótica y de ese maniqueismo moral propio de las formas más básicas de la cultura americana. Aunque solo fuera por la singularidad de sus imágenes y por el carácter de cuento moral de varias capas (incluidas la de la crítica a la homofobia y la reivindicación de una cenicienta masculina) ya merece la pena ver esta curiosa película que confirma el atrevimiento y el buen hacer de Zemeckis.

Los perros

de Marcela Said. Chile, 2017. 94’.
1 de julio de 2018. Cines Renoir Princesa, Madrid.

Mariana vive la vida plácida propia de la alta burguesía chilena. Es hija de un potentado y está casada con un argentino con el que aún no tiene hijos. Últimamente toma clases de equitación con un hombre maduro que le interesa especialmente. Es un coronel retirado al que van a procesar por lo que hizo en tiempos de la dictadura. A ella esta situación la atrae. Quizá porque quiere conocer qué responsabilidades tuvo en todo aquello su propia gente. 

Los perros son importantes en esta historia que vemos desde el punto de vista del personaje que interpreta magníficamente Antonia Zegers. Los perros son también esos hombres (su padre, su marido, el coronel...) que dominan y atraen a esta mujer cobarde pero atrevida, ignorante de lo que pasó pero interesada por conocerlo, fascinada por un mal que a la vez le repugna y finalmente tan conservadora como desleal hacia su estirpe. Marcela Salid nos sitúa en este punto de vista complejo para mostrarnos el interior radical de unas clases altas chilenas que ya retrató magistralmente desde la mirada de una joven en El verano de los peces voladores, su primer largo de ficción que tuvimos la suerte de ver hace cinco años en el Festival de Gijón. Así que ha sido un lujo encontrarnos ahora en Madrid con esta nueva película suya que, además de mostrarnos, con un elenco perfecto, las intimidades y vergüenzas de las élites chilenas, adopta el punto de vista de ese personaje complejo que le va tan bien a Antonia Zegers. Buen guión, buenos actores y buena dirección. ¿Qué más se puede pedir? Solo una cosa: que podamos ver pronto en España lo próximo que haga Marcela Said.

Formentera Lady

de Pau Durà. España, 2018. 85’.
29 de junio de 2018. Cines Renoir Princesa, Madrid.

Un veterano jipi que vive desde hace muchos años en Formentera tiene que hacerse cargo de su nieto. Algo que no tenía previsto y que no sabe hacer.

Aún le faltan bastantes años para llegar a la edad del personaje de Lucky que protagonizó Harry Dean Stanton en la extraordinaria película de John Carroll Lynch. Sin embargo, hay algo que me lo recuerda en la actitud vital de este jipi insular que borda el gran José Sacristán (un lujo que Pau Durà y él hayan venido esta tarde a presentar la película en esta sala de los Renoir). Aunque se intenta evitar el entrañabilismo generacional, la aceleración del tramo final y, sobre todo, la salida de su isla de este héroe crepuscular hacen que Formentera Lady no llegue a ser la película que promete. Una lástima, porque me había hecho a la idea de que esa maravillosa isla podía estar cerca de la frontera con México.

The Florida Project

de Sean Baker. EE.UU., 2017. 115’.
12 de febrero de 2018. Cines Renoir Plaza de España, Madrid. V.O.S.

En un motel de color rosa vemos cómo pasa el verano una niña de seis años con sus pequeños amigos. Parecen seres silvestres que disfrutan lo indecible con sus correrías por los aledaños de unas autopistas meridionales que prometen diversión a los adultos infantilizados. La madre de la niña malvive cada día y parece que siempre está a punto de perderlo todo. Sin saber muy bien cómo, el gerente del motel intenta proteger a esos seres tan felizmente desvalidos.

Tras la extraordinaria Tangerine Sean Baker solo podía hacer otra película perfecta. De la Costa Oeste se ha venido a Florida para retratar a esta infancia feliz y a la deriva que, con menos dramatismo, me recuerda a la de aquella otra joya que se titulaba Nadie sabe y con la que aquí supimos de la maestría de un japonés llamado Kore-Eda. Con Estiu 1993 de Carla Simón formarían un tríptico inigualable sobre la capacidad de la cámara para captar la vida en presente continuo de quienes acaban de estrenarla. La protagonista de The Florida Project es el arquetipo de la felicidad más salvaje en las periferias urbanas. Es una pequeña gamberra sin más criterio moral que el de satisfacer su hedonismo compartido y trepidante. A su alrededor los adultos son también seres fascinantes. Sea por el carácter indómito de esa madre joven que no sabe de más futuro que el que pueda haber cada día o por esa ternura de ángel de la guarda que destila un Willem Dafoe que tendrá bien merecido cualquier premio que le den por este personaje que me ha recordado los mejores momentos de Clint Eastwood. Así que The Florida Project me confirma que Sean Baker es un director del que tendríamos que saber mucho más. De lo que pueda hacer a partir de ahora y también de sus trabajos anteriores que bien merecerían que algún festival le dedique una retrospectiva.

Muchos hijos, un mono y un castillo

de Gustavo Salmerón. España, 2017. 90’.
11 de febrero de 2018. Cines Renoir Plaza de España, Madrid.

Lo que enuncia el título es lo que quería tener Julita cuando era joven. Y lo consiguió. Ahora que es anciana ya no tiene ni el mono ni el castillo, pero sigue rodeada de hijos y de muchas cosas.

España está llena de Julitas. Seres locuaces y alegres para los que ninguna pregunta debe quedar sin respuesta y corolario. La cámara de su hijo no le importuna porque alguien que la escuche es lo único que necesita esta mujer para largar sus peroratas sobre cualquier cosa. Más que pegar la hebra lo suyo son los soliloquios intermitentes y chocantes. Con un personaje así y cierta habilidad en el montaje no es difícil armar una película tronchante. Aunque cabe dudar si este exhibicionismo verbal de la tercera edad ibérica, que tan grato resulta en la intimidad familiar, no es un material demasiado sensible para convertirlo en película. Sobre todo cuando, a diferencia de lo que hace Paco León con su hilarante Carmina, el dispositivo que aquí se utiliza no aparenta ser una ficción naturalista, sino completamente real. En la sala hay muchas risas. Seguramente porque esta Julita con querencias de Diógenes es tan singular como próxima. Igual que tantas ancianas cuyos chascarrillos resultan divertidos en la intimidad, pero a las que pocos hijos querrían ver en una pantalla para que otros se ríen con ellas (¿o de ellas?).

Tierra firme

de Carlos Marques-Marcet. España, 2017. 115’. 
8 de diciembre de 2017. Cines Renoir Floridablanca, Barcelona. V.O.S.

Kat y Eva viven felices en una barca en los canales de Londres. La llegada de Roger (un amigo de Kat) sirve para que Eva encuentre apoyo (y semen donado) para su proyecto de ser madre. Kat acepta la idea aunque no está tan involucrada. Por eso las dos amantes no encajarán de la misma forma la pérdida del feto.

Si el arranque de 10.000 KM me pareció magnífico, el de Tierra firme me ha resultado algo ñoño. Encuentro que estos catalanes anglófilos y esta inglesa que quiere ser madre tienen maneras más propias de la adolescencia que de las crisis de la treintena de las que esta película parece querer ocuparse. Pero superada la primera impresión (y comparación) la historia va mejorando hasta ese tramo final en que la tierra firme por la que parece apostar la inglesa contrasta muy bien con esa vida deseable que su amante catalana le ofrece en el confortable canal. Curioso contraste (de homosexualidades, de paisajes y de dilemas sentimentales) entre la Tierra de Dios masculina que vimos ayer y esta Tierra firme femenina con la que ya son doscientas las películas que en lo que va de año he comentado en este blog.

Los últimos años del artista: Afterimage

de Andrzej Wajda. Polonia, 2016. 98’.
1 de julio de 2017. Cines Renoir Princesa, Madrid. V.O.S.

En los años cincuenta Wladyslaw Strzeminski no aceptó someterse a las directrices estéticas del realismo socialista. Y pagó esa rebeldía con la condena al ostracismo hasta el final de su vida.

Es su última película, casi un testamento filmado. Andrzej Wajda ha querido homenajear con ella a la figura de este artista polaco. Habla de la triste historia de este pintor y teórico del arte, pero también podría estar hablando de las condiciones en que tuvo que hacer su propio cine durante la Guerra Fría. Es una película de maneras clásicas y fotografía hermosamente triste de la que será inolvidable la escena en que la luz se torna roja justo cuando el pintor se dispone a comenzar un nuevo cuadro. Como en tantas otras ocasiones, uno lamenta el penoso título que se ha puesto aquí a la película. Resulta muy impreciso en su primera parte (Los últimos años del artista: ¿de qué artista?) y pone en inglés la segunda.