Salvaxe, salvaxe

de Emilio Fonseca. España, 2024. 86’.
16 de julio de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Nada que ver con esos meritorios documentales de naturaleza llenos de imágenes asombrosas y comentarios poéticos. Ni con retratos antropológicos tan polémicos, certeros y complejos como el de Alex Galán en Salvajes, el cuento del lobo. Aquí hay pocas voces humanas, si acaso algún aullido. Son solo imágenes toscas de la presencia (esquiva) y la búsqueda (difícil) de los lobos por las tierras del norte de Portugal. Las descripciones y valoraciones que ayudan a interpretar lo que vemos están solo en algunos subtítulos.  

 

Daba gusto ver esta tarde la sala 1 de los cines Embajadores-Foncalada prácticamente  llena de personas a favor de los lobos. Así que también existe otra Asturias menos testoterónica, victimista y agresiva que esa a la que los medios dan tanta cancha y para la que el peaje del Huerna, el lobo, el salmón y la angula (todos en singular) son problemas muy graves con soluciones muy simples: considerar los intereses (o deseos) de ciertos colectivos (automovilistas, pescadores, cazadores o ganaderos) casi tan legítimos e indiscutibles como los derechos humanos. Los que debemos una parte de nuestra educación ambiental y moral a Félix Rodríguez de la Fuente seguimos sin comprender cómo en un territorio con una naturaleza tan fascinante y rica como la de la península ibérica hay personas para las que sus maravillas más singulares son molestias a eliminar. Salvaxe, salvaxe tiene cierta vecindad con un magnífico libro reciente: Entre las hojas escondido, de David Muñoz Mateos. Pensaba en ello mientras veía esta película y escuchaba los interesantes comentarios de Alberto Fernández Gil, de la Estación biológica de Doñana, en el coloquio que siguió a la proyección. De lo que dijo me quedo con dos ideas interesantes: el daño territorial que se hace a las manadas de lobos cuando se imitan sus aullidos y que hay  formas mejores de investigar sobre ellos que poner cámaras y detectores nocturnos.  Según él, la supervivencia de la especie depende, en gran medida, de que los humanos no sepamos, ni queramos saber, por dónde andan.  

Nino

de Pauline Loquès. Francia, 2025. 97’.
27 de junio de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.V.O.S.

En una consulta médica le informan inesperadamente a Nino de que tiene un cáncer de garganta. Es viernes y la quimioterapia debe empezar el lunes, pero antes debe congelar su esperma porque el tratamiento le dejará estéril. De vuelta a casa comprueba que no tiene llaves. El portero tampoco aparece, así que pasa el fin de semana de acá para allá aturdido por el giro inesperado que ha dado su vida.  

 

En la reseña de Viva, la película de Aina Clotet que vimos hace tres días, comentaba su relación con Tres adioses por la situación inesperada de sus protagonistas. Estos tres días de suspensión en la vida de Nino también tratan de eso, aunque esta magnífica primera película de Pauline Loquès tiene más que ver con esa obra maestra de Agnès Varda titulada Cleo de 5 a 7. Aquel personaje deambulaba por París mientras esperaba los resultados de unos análisis y las cartas del tarot le acababan de anunciar lo peor. Nino ya tiene el diagnóstico y su espera se alarga en ese fin de semana que también vive a la deriva. La interpretación de Théodore Pellerin es perfecta para transmitir el extrañamiento ensimismado de un personaje cuya actitud silente y sosegada refleja con más intensidad su angustia. Acompañamos a Nino y entendemos  la dificultad de sus encuentros con la madre, con el amigo, con la hermana o con esa antigua compañera del instituto con la que Pauline Loquès incluye una escena que recuerda a aquella tan especial de Paris, Texas. Tras un final perfecto, sobran y molestan esos segundos con la canción en inglés. Es un penoso rito que algunos directores parecen considerar de obligado cumplimiento para rematar sus películas. Pero ni siquiera esta coda innecesaria resta valor a Nino, una película extraordinaria y sencilla de una directora de la que ojalá podamos ver pronto nuevos trabajos.

Viva

de Aina Clotet. España, 2026. 112’.
24 de junio de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.V.O.S.

Tras haber sido mastectomizada, a Nora le encuentran un punto sospechoso en el otro pecho. Tendrá que someterse a nuevas pruebas, pero de momento no quiere pensar en ello. Es un tiempo de sequía extrema y con su marido está rehabilitando una finca en la que han encontrado agua y podrían tener un pequeño huerto. Entonces aparece Max, un joven con el que Nora decide vivir intensamente el presente. 

Aunque el contexto y el trance son distintos, tienen algo en común los personajes de Marta, interpretado por Alba Rohrwacher en Tres adioses, y el de Nora, que aquí interpreta la propia Aina Clotet. La elegancia y la emotividad balsámica que le daba Isabel Coixet a su historia tiene poco que ver con el desaliño, el desparpajo, y la fuerza con que Aina Clotet dirige esta película. Pero Marta y Nora comparten la necesidad de vivir sin miedo ese tiempo de excepción en el que el sabor de un helado, una caricia o la textura del agua lo son todo cuando se toma conciencia de lo efímero y crucial que es cada instante. No sé si en el futuro Aina Clotet dará más que hablar por su trabajo como actriz o como directora, pero en Viva hace muy bien las dos cosas.

Hangar rojo

de Juan Pablo Sallato. Chile, 2026. 81’.
8 de mayo de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

Seguimos al capitán Jorge Silva desde la noche del 10 de septiembre de 1973 hasta el amanecer del día 12. Él había denunciado un plan para asesinar a Allende que algunos militares chilenos preparaban tres años antes. Uno de ellos llega a la Escuela de Aviación en la que Silva trabaja. Van a convertir el Hangar rojo en lugar de confinamiento y tortura. Serán horas muy difíciles para él. 

 

Hangar rojo es una película magnífica sobre lo que vivió en las primeras horas del golpe aquel chileno ejemplar que murió hace dos años en su exilio londinense. Su compromiso para abortar la intentona de 1970 daría para otra película, pero Juan Pablo Sallato prefiere mostrarnos aquí los dilemas y la valentía de un hombre que vivió aquel 11 de septiembre al lado del mal más execrable sabiéndose su enemigo declarado. La contención en la impecable interpretación de Nicolás Zárate y la fuerza de sus silencios dilemáticos nos colocan al lado mismo del aquel héroe que se sabía sin horizonte en aquellos momentos difíciles. Con un blanco y negro tan sobrio como expresivo  y una profundidad de campo mínima (como László Nemes en El hijo de Saúl) Juan Pablo Sallato nos hace intuir el horror sin necesidad de mostrarlo. Así que Hangar rojo es una película imprescindible. Por su calidad artística y por la relevancia de lo que cuenta.

Resurrection

de Bi Gan. China, 2025. 160’.
4 de abril de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Solo un ser delirante mantiene la capacidad de soñar. Y una mujer se asoma a ese mundo onírico que abarca todo el siglo XX en China. 

 

Entre un fotograma que se incendia en tiempos del cine mudo hasta los espectros que se disuelven en una sala de cine del siglo XXI, Bi Gan nos ofrece un viaje capaz de destilar un siglo en dos horas y media. Los delirantes quizá seamos nosotros. Los que contemplamos esta obra magnética con la misma perplejidad que probablemente sintieron, hace ya casi un siglo, los espectadores de Un perro andaluz. Seguramente es posible interpretar la película como un recorrido por las formas narrativas, los géneros cinematográficos y las formas de representación del imaginario chino. Pero, Resurrection se disfruta más si se busca menos. Porque aquí conviene dejar de lado los escrutinios hermenéuticos y dejarse llevar por la cadencia de lo que se ve y se oye, por ese deslizamiento hacia el rojo tan atractivo como las imágenes de Bertolucci en El último emperador o, sin salir del cine de Bi Gan, por esa manera de presentarnos el primer amanecer del siglo XXI que tanto recuerda a aquel memorable plano secuencia final de su Largo viaje hacia la noche. Allí también había un hombre que buscaba en los sueños.

La buena hija

de Júlia de Paz Solvas. España, 2025. 101’.
11 de marzo de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Carmela se traslada con su madre a casa de la abuela. A su padre solo lo ve en las citas que tienen concertadas en el punto de encuentro. Él es pintor y los dos tienen una relación muy cercana. Hasta que las cosas se van complicando y Carmela quiere seguir siendo una buena hija, pero no sabe qué pensar de la actitud de su padre.

 

De Júlia de Paz Solvas tenía los mejores antecedentes. Formaba parte de la vigésima promoción de la ESCAC y con quince compañeros compartió la dirección de la estupenda La hija de alguien. Dos años después dirigió Ama, su magnífico primer largometraje sobre tres días en la vida de una madre y una hija. Así que las relaciones filiales no son novedad en su cine y, de hecho, La buena hija también comparte con Ama el lugar de otro personaje especial: la abuela que aquí protege a Carmela  (la siempre magnífica Petra Martínez) y aquella otra abuela que en Sevilla acogía a la hija y la nieta tras aquellos tres días vagando por Benidorm. Kiara Arancibia está muy bien en el papel de esa preadolescente doliente y confusa. Por su parte, Julián Villagrán consigue clavar la inquietante confianza que mantiene ese padre artista con su hija, pero que nos hace temer que la madre de Carmela tenía buenos motivos para separarse de él. Después de ver en Yo te creo la forma en que tratan en Bélgica los testimonios de los menores en litigios familiares, resulta un tanto extraña esa comparecencia de la menor ante el juez delante de sus padres. Pero, en general, La buena hija es una película bien trabada que pone el acento en las sensaciones e incertidumbres de una hija en medio de una separación. Más que los temores y las tensiones cabe destacar la manera en que Júlia de Paz Solvas subraya cómo las caricias y los abrazos parecen ser, mejor que las palabras, los canales de comunicación más sinceros en la adolescencia. Un último detalle: quizá haya sido un azar, pero en un breve plano en que la sombra de un rostro de perfil se proyecta sobre un panel de corcho me ha parecido advertir un homenaje a La dama de Corinto. ¿Será un pequeño guiño al cine de José Luis Guerín?  

La Grazia

de Paolo Sorrentino. Italia, 2025. 133’.
6 de marzo de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

A Mariano De Santis solo le quedan seis meses como Presidente de la República de Italia. Tiene como asesora a su hija y sigue añorando a su mujer, que murió hace ocho años. Él es un afamado penalista al que le cuesta tomar decisiones. Entre sus responsabilidades está la ratificación de las leyes y la concesión de indultos. Ahora debe decidir si firma o no la ley de eutanasia que le propone el gobierno y si concede dos indultos, uno a un hombre que mató a su mujer con Alzheimer y otro a una mujer que mató al marido que la maltrataba. Los dos casos plantean incertidumbres relacionadas con el amor. Como las que agobian a Mariano De Santis sobre la lejana infidelidad de su esposa.    

La gracia es la belleza de la duda. De eso va esta película en la que una hija enseña a un presidente a plantearse la pregunta más relevante: de quién son nuestros días. Con diferentes énfasis a lo largo de su obra, Sorrentino ha abordado las tres cuestiones cruciales: el bien, la verdad y la belleza. Y en La Grazia las trenza con una reflexión sobre la incertidumbre, el amor y el poder. La elegancia de las imágenes y la sorpresa de algunas (ese papa negro y motero) son deliciosamente sorrentinianas. Como el impagable trabajo de un Toni Servillo que imanta y fascina hasta cuando se mantiene silente. En la trilogía de los presidentes, junto Il divo y Silvio (y los otros), sin duda La Grazia es la mejor. Pero también forma un díptico espléndido con La gran belleza (la envidia de tener el atrevimiento de llevar chaqueta roja y pantalón blanco, la amiga esteta y excesiva que quemaría los museos o el goce de esos cigarrillos mirando los tejados romanos). Las dos son obras mayores en el cine de un director que casi siempre es superlativo y arrebatador. Como se dice al final de la película, la gracia es la belleza de la duda. De lo que no hay duda es de la belleza polisémica (en italiano y en español) de esa palabra que subraya la moralidad del indulto y la elegancia de concederlo.

Little Amélie

de Mailys Vallade, Liane-Cho Han Jin Kuang. Francia, 2025. 77’.
21 de febrero de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

El despertar a la vida de una niña belga en Japón. Al principio no sabe que está en Japón, que es belga, ni siquiera que es un ser vivo. Son descubrimientos a los que asistiremos junto a ella. Los colores, las flores, los peces, el agua, el lenguaje, los seres queridos (otros no tanto), la existencia de un pasado o la incertidumbre ante el futuro forman parte de un mundo que se despliega ante esa niña que aún no tiene tres años. 

 

Amélie es, al principio, poco más que un tubo metafísico (está en el título original de película, que no es en inglés como aquí). Es algo así como un vacío divino que poco a poco despierta a un universo tan real como mágico. La historia me ha recordado a la de Hola, mundo, el bonito libro de Cristian David López, y nos propone reflexiones en clave poética sobre muchas cosas, algunas muy serias, como las culturas y la memoria. Pero también es visualmente vibrante, con esa sinfonía continua de colores alrededor de unos preciosos ojos verdes que miran sin prejuicios. Es una película de animación (del despertar de un alma) apta para todos los públicos, desde los menores de tres años hasta los mayores de cien. Lástima que esta tarde en la sala solo hubiera una niña. En películas como esta, las preguntas de los pequeñines y los comentarios de los padres suelen ser como una segunda banda sonora muy grata.

La chica zurda

de Shih-Ching Tsou. Taiwán, 2025. 108’.
28 de enero de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

La chica zurda es una niña que regresa con su hermana y su madre a Taipei. La madre alquila una pequeña zona para dar comidas en el mercado, pero se le hace difícil salir adelante porque, tras diez años separada, se hace cargo de los gastos de hospitalización y funerarios del hombre que la maltrató. Las tres tienen problemas, pero la niña intenta resolver algunos con esa mano izquierda que, según su abuelo, es del diablo. 

 

Una historia deliciosa en el entorno laberíntico de un mercado de Taipei. Las andanzas de las tres protagonistas se entreveran con las de otros personajes en un relato no tan trepidante como el de 7 cajas en el Mercado 4 de Asunción, pero igualmente atractivo. Como supimos en el coloquio que siguió a la proyección (en el que también estuvo Isabel Coixet), Shih-Ching Tsou ha colaborado durante años en las películas de Sean Baker. Ahora han cambiado los papeles y él ha hecho el montaje y escrito con ella el guion. El diálogo entre los tres ha sido animado y, entre otras cosas, se pudo comentar lo bien intercaladas que están las peripecias de las tres protagonistas y algunos detalles sobre la manera en que la directora consiguió que su trabajo fuera tan natural. Así que La chica zurda es una bonita sorpresa que resultará cercana y grata para muchos públicos.

La tarta del presidente

de Hasan Hadi. Irak, 2025. 105’.
15 de enero de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Con motivo del cumpleaños de Sadam Husein, los niños deben llevar viandas a la clase. El maestro sortea quién llevará la tarta y le toca a Lamia, una niña que vive muy pobremente con su abuela. Sin apenas medios, las dos se dirigen a la ciudad con su gallo en busca de los ingredientes. En un momento de despiste las dos se pierden. La abuela acaba en el hospital y Lamia seguirá buscando lo que necesitan para hacer la tarta.

El contexto es el de la primera guerra del golfo y, sin ser el tema central, la película retrata sus efectos en la vida cotidiana de los iraquíes. La historia parece antigua y la pobreza de esa niña perdida en la ciudad inquieta y conmueve. De hecho, recuerda a otras magníficas películas sobre el deambular infantil que han hecho directores iraníes tan magníficos como Abbas Kiarostami (¿Dónde está la casa de mi amigo?) o Jafar Panahi (El globo blanco, El espejo). Buenas compañías para un trabajo muy digno en el que Hasan Hadi demuestra haber aprendido mucho de esos maestros.

Núremberg

de James Vanderbilt. EE.UU., 2025. 148’.
3 de diciembre de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Douglas Kelley llega a Núremberg para un trabajo muy especial. Es un psiquiatra que deberá valorar la situación de los altos mandos nazis que serán sometidos al famoso proceso judicial. También debe estar pendiente para que no se suiciden antes de cumplirse la sentencia. Su contacto con Hermann Göring será, por tanto, muy cercano. Casi como el de una amistad.

 

Russel Crowe está impresionante en el papel de Göring. Y la versión original es aquí aún más necesaria porque su personaje unas veces habla en alemán y otras en inglés. Hay escenas en blanco y negro que coinciden con las imágenes reales que se conservan de aquel proceso, pero lo mejor está en la cercanía con que asistimos a esos momentos cruciales en que se estaba preparando el juicio. Se nota que la idea de Hannah Arendt (y de Stanley Milgram), mejor o peor comprendida, ya forma parte del discurso general. De hecho, sin mermar la abyección de aquel nazi, la película viene a cuestionar la superioridad moral de los vencedores de aquella guerra brutal. Algo que también queda claro en documentales tan necesarios como Sobre la historia natural de la destrucción de Sergei Loznitsa.

El espejo

de Jafar Panahi. Irán, 1997. 96’.
27 de octubre de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Mina sale de la escuela, pero su madre no está esperándola. Al ver que no llega, decide volver sola a su casa. No sabe cuál es la dirección, pero recuerda que con su madre suele coger un autobús en una plaza que hay más adelante. Con algo de ayuda, llega hasta allí y coge un autobús, pero en el sentido contrario a donde está su casa.

 

Otra niña como la de El globo blanco en una situación que nos desazona aún más. El tráfico en las calles de Teherán es denso, ruidoso, infernal. Hay gente dispuesta a ayudar a Mina, pero no lo tienen fácil. Así que nosotros nos vamos desesperando. Y aún más cuando la niña decide que ya está harta, que deja la película y quiere volver sola a su casa. Pero tampoco sabe por dónde se va. Panahi nos sorprende lo indecible al romper, si no la cuarta pared, el contrato ficcional más básico del cine (incluso en una película que ya parece un documental) consiguiendo que no sepamos dónde estamos Y no solo en qué parte de Teherán. Tampoco sabemos si esa quiebra inesperada a partir de la insumisión de la niña es real o pactada. Lo cierto es que la cámara de Panahi no deja de filmar y seguimos a la niña desde más distancia sin saber si los peligros que corre están controlados o son de verdad. El espejo es, por tanto, una joya en la que, como sucedía en El globo blanco, hay mucha bondad en esa jungla de asfalto iraní. Panahi sabe mostrarlo al hacer de la cámara un espejo que quizá lo que retrata son nuestros miedos y prejuicios. Así que al salir de la sala uno piensa que Esto no es una película, el singular título de otra posterior, quizá podría ser también el de un espejo retrovisor.

El globo blanco

de Jafar Panahi. Irán, 1995. 85’.
20 de octubre de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Falta muy poco para que comience el Año Nuevo. Razieh tiene siete años y quiere que ese día su madre la deje comprar un bonito pez que ha visto en el mercado. Cuesta 100 riales, pero después de mucho insistir, su madre le da un billete de 5.000 para que lo compre y le traiga la vuelta. Antes de llegar a la tienda, Razieh pierde el billete y una señora la ayuda a buscarlo hasta que lo encuentran en una alcantarilla. Lo malo es que, ni siquiera con la ayuda de su hermano, parece posible sacarlo de allí. 

 

El guion es de Abbas Kiarostami. Por eso no es raro que esta deliciosa historia de Jafar Panahi recuerde, en versión urbana, a aquella joya rural titulada ¿Dónde está la casa de mi amigo? El largo y magnífico plano secuencia inicial anticipa una película en la que todo resultará fascinante. El globo blanco es como un cuento de Navidad, casi en tiempo real, en el que uno se maravilla con la naturalidad de esa preciosa niña a la que parecen amenazar peligros que no están en los adultos con que se va encontrando, sino en nuestras propias expectativas. De hecho, a excepción de su padre (ese personaje mandón que queda en fuera de campo), todos los personajes con los que Razieh habla son bondadosos y, a pesar de nuestras sospechas, siempre quieren ayudarla. Es, por tanto, una película de suspense, pero muy tierno. O una película tierna con mucho suspense. O un espejo moral que refleja nuestros prejuicios y resulta tan catártica como ese globo blanco que al final sujeta el último joven que ayuda a la niña. Y es que hace treinta años el cine iraní y el de Panahi ya eran excelsos.

Jugar con juego

de Delphine Coulin, Muriel Coulin. Francia, 2024. 119’.
15 de octubre de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Tras la muerte de su mujer, Pierre cuida con cariño de sus dos hijos. Él trabaja como ferroviario y comparte con ellos aficiones futboleras. El menor va muy bien en los estudios y entrará pronto en la Sorbona. El otro no ha terminado la formación profesional como metalúrgico y tiene amigos en entornos violentos de la ultraderecha. Pierre intenta evitar que su hijo entre en ese mundo, pero no le resultará fácil.  

 

Vincent Lindon fue premiado en Venecia por su interpretación de este padre doliente. Con su magistral contención consigue que entendamos a ese hombre que no sabe cómo enfrentar la situación de su hijo. Ese triángulo masculino funciona muy bien con esos muchachos que no llegan a ser Caín y Abel y ese padre que toma conciencia de no ser todopoderoso. Por lo demás, la película retrata las derivas totalitarias que la socialización futbolera puede generar en la masculinidad juvenil. Y no solo en Francia.

Mi amiga Eva

de Cesc Gay. España, 2025. 100’.
20 de septiembre de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

En un viaje de trabajo a Roma, Eva coincide con un guionista argentino muy amable. Son encuentros breves, pero a la vuelta a Barcelona se da cuenta de que quiere cambiar. Está a punto de cumplir cincuenta años, tiene dos hijos adolescentes y un marido perfecto, pero necesita volver a enamorarse. Así que decide separarse y probar.   

 

Saltar sin red. De eso va esta película en la que Nora Navas está magnífica interpretando a esta mujer dubitativa que se atreve a intentarlo. Junto a ella también están soberbios Juan Diego Botto, Diego de la Serna y todos los demás. El título es perfecto, porque esta Eva, que tiene la valentía de buscar otro paraíso sin saber todavía qué manzana morder, es como una amiga que Cesc Gay nos presentara sabiendo que nos va a encantar. Bueno, lo hacen él y Eduard Sola, porque el guionista de la magnífica Casa en llamas también ha colaborado aquí. Mi amiga Eva es una delicia que podría recordar al mejor Woody Allen.  Es urbanita, amigable, matizada y bondadosamente irónica. Me encanta el personaje que interpreta Nora Navas y me encantan sus amigos, por ejemplo, los que encarnan Francesco Carril o Fernanda Orazi. Por eso se la recomiendo a los amigos.

Antonio Gaudí

de Hiroshi Teshigahara. Japón, 1984. 72’.
17 de agosto de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Sin palabras. Solo imágenes y música. Con una cadencia perfecta. Filmando el entorno de los edificios de Gaudí, entrando en ellos y seleccionando con el mayor acierto los detalles. Más que una película es una maravilla compartida. O una carta de amor a una ciudad y a un genio.

 

Las imágenes que vemos se filmaron un año después de aquel primer viaje a Barcelona que resultó iniciático para nosotros. Así que la belleza intemporal de la obra de Gaudí, que Teshighara encuadra como nadie, tiene el aliciente de traernos al presente aquel tiempo perdido y nunca olvidado. Para cualquier japonés (o español) que no conociera esa ciudad y a ese arquitecto, esta película debe ser un acicate inexcusable para visitarla. Así que ha sido una delicia encontrarla en este breve ciclo de Cine y Arquitectura que con tanto cuidado ha preparado y presentado Daniel Trapiello González y que hoy ha tenido a Jorge Gorostiza en el coloquio. El éxito de público y el interés de las proyecciones y los diálogos posteriores nos hacen desear que el Colegio de Arquitectos organice cuanto antes el siguiente ciclo. En Avilés seguimos añorando aquel magnífico FICARQ que tuvo su sede hace años en el Centro Niemeyer. Ojalá que iniciativas de ese tipo pudieran recuperarse. Son aún más necesarias en estos tiempos en que algunos quieren reducir el cine a experiencia de consumo efímero y entienden la arquitectura como un derivado tangible de la economía financiera.