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sábado, 1 de agosto de 2026

El mensaje

de Iván Fund. Argentina, 2025. 91’.
1 de agosto de 2026. Cines Van Dyck, Salamanca. V.O.S.

Anika es una niña de nueve años que tiene el don de entender a los animales. Con Myriam y Roger viaja en una autocaravana en un ambiente muy familiar. No tienen rumbo fijo porque van atendiendo peticiones de personas que pagan para que la niña les haga de médium con sus mascotas. 
 
Parece muy merecido el premio especial del jurado que recibió esta película en el festival de Berlín. El mensaje es una joya, en un blanco y negro precioso, en la que todo lo formal es delicado y perfecto: los encuadres (también ese 3:4 tras la escena televisiva en el que parece que curioseamos por el interior de la caravana), los momentos musicales (esa trompeta melancólica de Mauro Morelos), las atmósferas intimistas y crepusculares (como en el cine de Carlos Reygadas o Lisandro Alonso). Pero lo que convierte en sublime esta película es la ternura, el hieratismo, la belleza y la sinceridad de las interpretaciones de Mara Bestelli, de Marcelo Subiotto (inolvidable en Puan) y, por supuesto, de esa niña cautivadora llamada Anika Bootz. El mensaje se mueve en el territorio de esa belleza imprecisa de los relatos en los que no sabemos todo ni falta que nos hace. No sabemos por qué la madre de la niña está en el hospital psiquiátrico, ni su relación con esta pareja que forma un triángulo maravilloso con Anika. Tampoco sabemos qué distancia tomar con ese don de la niña y con el uso que de él hacen Myriam y Roger. Pero todo eso da igual, porque lo que aquí importa es la fe, la esperanza y la caridad. La fe en que no hay engaño cuando no se produce daño. La esperanza de que les vaya bonito a estos tres seres benditamente nómadas. Y la caridad y cuidado con que la niña escucha a los animales y los tres, sin juzgar, ayudan a quienes necesitan vincularse mejor con sus queridas mascotas. El mensaje es, por tanto, una historia, casi religiosa, que apunta hacia un más allá que está bien acá. Al lado mismo de esa niña que cree en el Ratoncito Pérez y regala el mensaje curativo que recibe de un pajarito. O en el amor sosegado entre ese hombre de mirada embelesada y esa mujer de palabras lenitivas. 

viernes, 8 de mayo de 2026

Hangar rojo

de Juan Pablo Sallato. Chile, 2026. 81’.
8 de mayo de 2026. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

Seguimos al capitán Jorge Silva desde la noche del 10 de septiembre de 1973 hasta el amanecer del día 12. Él había denunciado un plan para asesinar a Allende que algunos militares chilenos preparaban tres años antes. Uno de ellos llega a la Escuela de Aviación en la que Silva trabaja. Van a convertir el Hangar rojo en lugar de confinamiento y tortura. Serán horas muy difíciles para él. 
 
Hangar rojo es una película magnífica sobre lo que vivió en las primeras horas del golpe aquel chileno ejemplar que murió hace dos años en su exilio londinense. Su compromiso para abortar la intentona de 1970 daría para otra película, pero Juan Pablo Sallato prefiere mostrarnos aquí los dilemas y la valentía de un hombre que vivió aquel 11 de septiembre al lado del mal más execrable sabiéndose su enemigo declarado. La contención en la impecable interpretación de Nicolás Zárate y la fuerza de sus silencios dilemáticos nos colocan al lado mismo del aquel héroe que se sabía sin horizonte en aquellos momentos difíciles. Con un blanco y negro tan sobrio como expresivo  y una profundidad de campo mínima (como László Nemes en El hijo de Saúl) Juan Pablo Sallato nos hace intuir el horror sin necesidad de mostrarlo. Así que Hangar rojo es una película imprescindible. Por su calidad artística y por la relevancia de lo que cuenta.

viernes, 9 de enero de 2026

Al final de la escapada

de Jean-Luc Godard. Francia, 1960. 89.
9 de enero de 2026. Filmin. V.O.S.

Michel Poiccard es un bala perdida que roba un coche para ir a París. En la guantera hay una pistola, así que, cuando unos policías le persiguen en sus motos, Michel les dispara y mata a uno de ellos. Sin ningún remordimiento, llega a París y se encuentra con Patricia, una joven americana con la que tiene una relación y con la que quiere ir a Roma. Pero no cuenta con que la policía le está buscando por aquel asesinato.  
 
Primera película de Godard y puesta de largo de la Nouvelle Vague. Hay una historia de amor y también una película policiaca. Pero las dos transgreden esos géneros. El sentimental porque la relación de esta pareja poco tiene que ver con el amor romántico y el de policías y fugitivos porque no hay duelos morales ni apenas truculencia. No hay duda de que la conducta de ese vivalavirgen está impregnada de machismos, pero también es fácil advertir en su partenaire maneras disruptivas e independientes que podrían sintonizar con el feminismo. La historia es tosca y el montaje aún más. Sin embargo, los diálogos de la pareja en la parte final de la película tienen calado y una escritura más que notable a partir de una idea de Truffaut.

lunes, 22 de diciembre de 2025

El extranjero

de François Ozon. Francia, 2025. 122.
22 de diciembre de 2025. Renoir Floridablanca, Barcelona. V.O.S.

Meursault asiste distante al funeral de su madre. Es verano, hace calor y a él todo le da igual. Su relación con María, el encuentro con los árabes en la playa, los disparos y el juicio. Hasta el final. 

Aunque las descripciones de Camus son precisas, al tener la forma de confesión o soliloquio, no se hace fácil trasladar al cine esta magistral novela. Sin embargo, François Ozon consigue reflejar muy bien el extrañamiento del protagonista. Con acierto, deja la aparición de su voz interior hasta la escena de los disparos en la playa y logra que el diálogo con el sacerdote mantenga buena parte de la hondura existencial que hace tan singular la novela. Si acaso, sobra ese breve epílogo con la hermana del árabe ante la tumba frente al mar. No aporta nada y nos saca de la desazón existencial con que termina la historia. Pero es una pega mínima a una película de fotografía exquisita, ambientación perfecta y una interpretación muy pertinente de Benjamin Voisin.

domingo, 23 de noviembre de 2025

Al oeste, en Zapata

de David Bim. Cuba, 2025. 74’.
23 de noviembre de 2025. Teatro Jovellanos. 63º Festival de Cine de Gijón (sección: Albar).

Vemos primero a Landi malviviendo en la ciénaga en tiempos pandémicos. Parece un personaje bíblico que sobrevive cazando cocodrilos bajo una lluvia torrencial. Luego veremos a Mercedes cuidando del hijo cerca del mar. Es Deinís y si esta historia la hubiera imaginado Delibes lo llamarían el niño chico.

En la primera escena seguimos a Landi mientras camina por el manglar con un cocodrilo atado a su espalda. Y al comienzo del segundo acto seguimos a Mercedes que avanza por la playa cargando con su hijo. Luego sabremos que la convivencia de esta familia es intermitente. Ella lleva una vida sedentaria cuidando de Deinís y él pasa días en la ciénaga con la caza de cocodrilos como forma de subsistencia. Forman una pareja envejecida que cuida amorosamente de ese niño que balbucea, pero no habla, que ritualiza sus gestos y sonríe, pero no sabe caminar. Al oeste, en Zapata es cine sobrio y mayúsculo. Con un blanco y negro magistral que parece inspirado por Sebastião Salgado o Werner Herzog, David Bim sabe que cuando la escena es tan poderosa como la del cocodrilo y la barca hay que saber templar y plantar la cámara sin dejar de filmar. Y eso es lo que hace. En el coloquio con Lisandro Alonso y Roger Koza, Albert Serra habló de la importancia de mantener el plano y dejar tiempo al espectador. Lo decía tras la proyección de La libertad, una película precursora de un cine como el de esta película extraordinaria que ha merecido el premio de la sección Albar. La imágenes parecen extraídas de una arcadia lejana y el sonido combina los de la naturaleza prístina con los ecos radiados de las consignas cubanas en tiempos coronavíricos. Al oeste, en Zapata es un tratado, casi silente, de una ética y una estética primigenias. Un canto cautivador a la ternura tras el diluvio. Y un homenaje amoroso a esos santos inocentes para los que uno desearía lo mejor. Una manera magnífica de terminar esta edición del festival de cine de Gijón con un Palmarés que, por lo que hace a esta película, resulta difícilmente discutible.

viernes, 31 de octubre de 2025

Sotto le nubole

de Gianfranco Rosi. Italia, 2025. 115’.
31 de octubre de 2025. Teatro Carrión, 70º Semana Internacional de Cine de Valladolid (Sección Oficial). V.O.S.

"El Vesubio fabrica todas las nubes del mundo". La frase es de Jean Cocteau y con ella se abre la serie de fragmentos que contemplamos. Arqueólogos japoneses trabajando en un yacimiento. Un cargo público visitando desolado los pasadizos subterráneos que utilizan los saqueadores. Telefonistas de la central de bomberos atendiendo las llamadas de ciudadanos preocupados por los temblores. Un metrotrén que recorre la ciudad de Nápoles. Y también los restos humanos que dejó la erupción del Vesubio. 

Aquellos cuerpos permanecen intactos y silentes desde hace veinte siglos, pero las voces son de ahora y expresan miedo ante lo que pudiera pasar. De aquel tiempo lejano vemos también fragmentos de obras de arte que hacen aún más hipnótico este documental fragmentario. La cadencia es perfecta, hay belleza en los encuadres, parsimonia en las acciones y tiempo para que el espectador pueda contemplar y pensar. Gianfranco Rosi recoge voces de hoy y ecos del pasado en la ciudad vecina de la gran fábrica de nubes. Sotto le nobole (mucho mejor que Below the Clouds) ha sido un comienzo perfecto para este fin de semana en la Seminci.

martes, 29 de abril de 2025

Grand Tour

de Miguel Gomes. Portugal, 2024. 129.
29 de abril de 2025. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

En 1917 Edward trabaja para el gobierno británico en Birmania. Tras siete años de noviazgo, Molly viene para casarse con él. Pero el día en que ella llega a Rangún, él abandona la ciudad y viaja por distintos lugares de Tailandia, Vietnam, Japón, China y Tibet, sintiéndose cada vez más melancólico por huir de ella. Molly, tenaz y divertida, sigue sus pasos en ese periplo. Hasta el final.

En lo formal es (casi) una elegante película en blanco y negro. Pero también podría ser un documental sobre las bellezas del Oriente más extremo con imágenes de lugares por los que (casi) no pasa el tiempo. Grand Tour parece querer evocar con ese título los viajes juveniles de las élites del XVII para descubrir las maravillas renacentistas y barrocas del Sur. Pedro Gomes sitúa en otro 17 a esta pareja que huye (él) y persigue (ella) mientras van encontrando delicias orientales. El horizonte aquí no es ingresar en la edad adulta con el gusto más refinado, sino buscar, o evitar, un encuentro que en el tramo final de la historia recuerda un poco a aquel otro viaje, también por territorios coloniales, que Joseph Conrad imaginó en El corazón de las tinieblas. Más que con la trilogía de Las mil y una noches, Grand Tour tiene bastante que ver con Tabú. Ambas se vertebran en la dualidad (formal y temática) y rememoran lugares exóticos y coloniales, pero mientras que en Tabú presentaba historias y formatos yuxtapuestos, aquí Miguel Gomes los entrevera. Reconozco que su cine es difícil y bastante propicio para la deserción o el tedio, pero debo decir que esta combinatoria poscolonial cada vez me parece más interesante.

domingo, 27 de abril de 2025

Metrópolis

de Fritz Lang. Alemania, 1927. 153’.
27 de abril de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

En el mundo de arriba viven felices los ciudadanos de la metrópolis de Joh Fredersen. En el de abajo está la megamáquina que la soporta alimentada por el sufrimiento de los trabajadores. En las catacumbas estos escuchan fascinados a María, una joven que, cual mesías, predica la bondad y el amor. El hijo de John Fredersen queda prendado de ella y hará lo posible por acabar con la brutal desigualdad entre esos dos mundos. Pero la cosa se pone difícil cuando un visionario la tome como modelo para dar aspecto humano a su diabólico androide. 
 
"El mediador entre el cerebro y las manos ha de ser el corazón". Así empieza y termina esta joya que dentro de dos años cumplirá un siglo. Será una ocasión magnífica para volver a ella, a sus infinitos detalles y significados, a la relectura de las relaciones de este icono del siglo XX con el mito de la caverna, con el totalitarismo, con Mary Shelley y Aldous Huxley, con Marx y la rebelión de los luditas, con el Antiguo y el Nuevo Testamento, con las arquitecturas futuristas y las de los mayas, con las infames imágenes actuales de esos prisioneros de blanco con las cabezas gachas en El Salvador, con la megamáquina de la que habló Mumfod, con la deshumanización por la técnica anunciada por Ortega y hasta con Lorca cuando iba de mono o hecho un pincel. La versión que hemos visto hoy es la original, la de 153 minutos que se pudo rescatar a partir de la copia íntegra encontrada en Buenos Aires en 2008. Nosotros la habíamos visto en 2011, pero sin música y con subtítulos en alemán la experiencia de aquella noche nada tiene que ver con la de esta mañana. Al piano estaba Ricardo Casas y lo que ha hecho es superlativo. Sus variaciones levemente contemporáneas han maridado tan bien con las imágenes que lo vivido en estas dos horas y media no se distanciará mucho de la experiencia original que solo pudieron ver los alemanes porque en las proyecciones de 1927 en Nueva York, Londres o Barcelona la película ya había sido amputada y censurada dejándola en 115 minutos. Así que el de hoy ha sido un viaje desde el futuro anunciado en Metrópolis hasta el pasado de hace casi un siglo que no podemos dejar de mirar desde los sedimentos del tiempo. Habrá que prepararse para el festín de 2027. El centenario de Metrópolis será, sin duda, memorable.

viernes, 28 de marzo de 2025

La chica de la aguja

de Magnus von Horn. Dinamarca, 2024. 115.
28 de marzo de 2025. Multicines Béjar.

Karoline está sola en Copenhague y no tiene apenas medios para subsistir. Sin noticias de su marido, se queda embarazada del dueño de la fábrica en que trabaja. Intenta abortar en un baño público, pero una mujer le aconseja que tenga al hijo y se lo entregue cuando nazca. Ella le hace caso y acabará en su casa. Allí llegan otras mujeres desesperadas que, como ella, necesitan deshacerse de sus bebés.    
 
Nuevamente en los cines de Béjar encontramos una programación que ya quisieran tener ciudades mucho más grandes. Así podemos ver la última película del director de Después de esto que tiene bien merecidos los premios que le han dado. Con ambientaciones muy cuidadas, un blanco y negro casi expresionista y una interpretación magnífica de Victoria Carmen Sonne, Van Horn consigue ofrecernos una película mayúscula sobre una historia terrible en la que se dan cita el desamparo y la sororidad. Lo que se cuenta es ingrato para el espectador, pero no más que La cinta blanca, ni menos interesante que esta. De hecho, formaría un díptico histórico perfecto sobre el sufrimiento femenino con El baño del diablo, otra película inquietante con imágenes poderosas que dan mucho que pensar.

miércoles, 12 de marzo de 2025

Umberto D.

de Vittorio de Sica. Italia, 1952. 84’.
12 de marzo de 2024. Teatro Filarmónica, XI Semana del Audiovisual Contemporáneo de Oviedo. V.O.S.

Umberto es un jubilado romano que no cobra lo suficiente para pagar su habitación. La dueña de la pensión quiere echarlo y él solo cuenta con el apoyo de una joven asistenta que se ha quedado embarazada y el cariño de su perro Flike.
 
La dignidad y la compasión según Vittorio de Sica. En la presentación de la película Carlos Losilla ha resaltado que este clásico del neorrealismo italiano puede verse también como el anticipo de una renovación formal del cine europeo que permite interpretar esta historia en clave existencialista. Han pasado más de setenta años y uno no puede dejar de pensar que el drama de este anciano sigue de actualidad en estos tiempos en que parece despertar más solidaridad la propiedad inmobiliaria que la necesidad de un hogar. De hecho, los expoliadores de lo público son votados no a pesar, sino precisamente por su empeño en que los herederos de grandes fortunas no tengan que pagar impuestos. Así que en este mundo alienado el neorrealismo italiano pareciera hoy populista, el anciano Umberto sería un okupa y Vittorio de Sica un cineasta podemita. 

lunes, 10 de febrero de 2025

Cleo de 5 a 7

de Agnès Varda. Francia, 1962. 90’.
10 de febrero de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Cleo espera con preocupación los resultados de unos análisis. Las cartas del tarot le han anunciado los peores pronósticos, así que en las dos horas siguientes anda por París con mucha preocupación. Antes de ir al hospital para conocer los resultados de las pruebas, encuentra en un parque a un joven soldado que esa noche tiene que partir hacia Argelia. 
 
El pasado diciembre vimos dos magníficas exposiciones en Barcelona. Una sobre Berlanga en el Caixaforum y otra sobre Agnès Varda en el CCCB. Allí estaba la escena en que Cleo deambula por la cafetería y nos quedamos con muchas ganas de ver la película completa. Así que ha sido muy grato que la primera del ciclo de Mujeres tras la cámara que organizan los cines Embajadores-Foncalada en colaboración con CIMA sea precisamente esta. Cleo de 5 a 7 es una joya en la que Agnès Varda consigue entreverar un documental naturalista sobre la vida cotidiana en las calles del París de 1962 con un retrato intimista de dos horas cruciales en la vida de una mujer. Las imágenes, las palabras y los movimientos fluyen con una belleza que es a la vez liviana y profunda, desde el plano cenital en color de las cartas del tarot que hace de preámbulo de la historia, hasta cada uno de los lapsos temporales en blanco y negro con que Agnès Varda va marcando este periplo femenino por diversos medios (también en un taxi conducido por una mujer que bien podría ser ella misma). Son dos horas de un interludio  que anuncia la intensidad del verano inminente, pero que para Cleo es un tiempo liminar que podría preceder al de su final. Seguramente Rohmer y Linklater habrán aprendido mucho de una película que se consideraría cimera en la historia del cine si quien la dirigió no hubiera sido una mujer. La presentación de la película y la conducción del interesante coloquio corrió a cargo de Alicia Moncholí y quedó claro que Cleo de 5 a 7 nos ha fascinado por el fluir de sus imágenes y por la sutil maestría con que se van trenzando los detalles de esas dos horas en la vida de una mujer.

sábado, 1 de febrero de 2025

Un tranvía llamado deseo

de Elia Kazan. EE.UU, 1951. 122’.
1 de febrero de 2025. Filmin. V.O.S.

Blanche DuBois llega a casa de su hermana Stella que está casada con Stanley Kowalski. Blanche viene con algunas ínfulas y muchos nervios que acabarán sacando a la luz lo peor de Stanley. Ella ha perdido la casa familiar y, aunque quiere ocultarlo, tiene un pasado tormentoso que Stanley se empeña en descubrir para hacerle el mayor daño.

Ayer vimos en el Palacio Valdés el magnífico estreno de Un tranvía llamado deseo, dirigido por David Serrano, con Nathalie Poza, Pablo Derquí y María Vázquez en los papeles protagonistas. La historia ya cumple tres cuartos de siglo, pero mantiene el mayor interés tanto en esta versión escénica de anoche (muy fiel al texto de Tennessee Williams) como en la película de Elia Kazan que no había vuelto a ver desde hace mucho tiempo. El atractivo de ese macho salvaje que es Stanley y la piedad que despierta el personaje de Blanche son, quizá, los dos polos de la película. Y tanto esta como la obra de ayer conservan intacto el interés de lo planteado por Tennessee Williams y dejan abiertas las valoraciones del público sobre ambos personajes. Quizá sea eso lo que convierte a esta historia en un clásico.

viernes, 17 de enero de 2025

El enemigo de las rubias

de Alfred Hitchcock. Reino Unido, 2027. 92’.
17 de enero de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. Con acompañamiento al piano.

En Londres hay un asesino en serie que mata mujeres rubias y deja su nombre: el Vengador. El temor hace que levante sospechas un extraño joven que  ha alquilado una habitación en casa de un matrimonio mayor. Sobre todo, cuando su hija, que es la novia de un detective, se siente atraída por él.

Hace casi un siglo Hitchcock ya se asomaba al thriller y filmaba con elegancia historias con mujeres rubias en las que ponía de manifiesto que lo más peligroso pueden ser, a veces, los prejuicios de la gente. Es verdad que en sus inicios este género es menos agradecido para el espectador que las películas más animadas o con más comicidad. Quizá porque en las historias detectivescas nos hemos acostumbrado a una complejidad que no podía existir cuando el cine no tenía palabras. De todas formas, igual que en El hombre mosca, el acompañamiento al piano con las improvisaciones perfectas de César Latorre ha hecho que la sesión de esta tarde haya sido, otra vez, una experiencia memorable.

sábado, 23 de noviembre de 2024

Silent Trilogy

de Juho Kuosmanen. Finlandia, 2024. 59’.
23 de noviembre de 2024. Escuela de Comercio. 62º Festival de Cine de Gijón (película de clausura).

El cacharrero y la mujer hermosa, Destiladores ilegales y Planeta lejano. Son las tres historias que componen esta trilogía muda en blanco y negro sobre distintos tipos de perdedores.
 
Sorprende gratamente que esta haya sido la película seleccionada para ser proyectada esta tarde en la clausura del festival. Es una propuesta triple que parece tan emparentada con las historias silentes de hace más de un siglo como con las atmósferas tiernamente desoladoras de Aki Kaurismäki (se le cita en los créditos de las dos primeras historias y aparece brevemente en la tercera). Los tres cortometrajes son independientes, pero tienen un notable parentesco formal, a pesar de haber sido hechos en momentos distintos: en 2011 el primero, en 2017 el segundo y en 2023 el tercero. Así que el director de la estupenda Compartimento Nº 6, nos deja muy buen sabor de boca en esta última jornada del festival.

miércoles, 13 de noviembre de 2024

La cocina

de Alonso Ruizpalacios. México, 2024. 139.
13 de noviembre de 2024. Cines Los Fresnos, Gijón. V.O.S.

En las cocinas de The Grill trabaja mucha gente. Mayormente inmigrantes latinoamericanos que buscan en Nueva York una vida mejor. Entre ellos está Pedro, un mexicano que tiene una relación con una mesera gringa y muchos conflictos con sus jefes.

El director de Güeros, aquella joya que vimos en 2015 en la primera edición de SACO, lo ha vuelto a hacer. Con un blanco y negro perfecto y un ritmo trepidante que no ahoga el aliento poético, nos lleva a la cocina mestiza de un restaurante situado en el corazón del imperio. Viendo esta película me he acordado del trabajo de otro director mexicano que en un solo plano secuencia consiguió conjuntar la intensidad de una semana de un hombre aturdido con la dosis justa de realismo mágico en una historia que también transcurría en Nueva York. Me refiero a Birdman, de Alejandro González Iñárritu,  con  la que La cocina comparte la intensidad del plano secuencia, la centralidad del sonido y un guion cuidadísimo y con mucha intención ("lo llamáis América, pero América no es un país"). Sobre Güeros dije que me fascinaba por partes y en conjunto, y lo mismo puedo decir de esta intensa maravilla que se cierra evocando un sueño contado en un callejón para iluminar con el rayo verde el rostro de este Pedro mexicano que no encuentra las llaves del cielo.

martes, 22 de octubre de 2024

Tatami

de Zar Amir-Ebrahimi y Guy Nattiv. Georgia, 2023. 105.
22 de octubre de 2024. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

Leila Hosseini tiene muchas opciones de ganar el campeonato mundial de judo que se celebra en Tiflis. Podría llegar a la final y acabar enfrentándose con una judoka israelí que también es muy buena, pero precisamente por eso el gobierno iraní presiona a su entrenadora para que simulen una lesión y Leila se retire del campeonato. A pesar de los riesgos para su familia ella decide seguir adelante.

Un thriller deportivo y político trepidante y bien contado. El blanco y negro le viene muy bien a una historia que puede ser vista como un alegato contra las formas despóticas con que el gobierno islamista trata a los iraníes que se atreven a ejercer su libertad. Pero que también suscita otros dilemas como el de hasta dónde se debe arriesgar la vida de otros por defender la propia libertad o si las decisiones individuales de los deportistas deben estar por encima de las políticas de sus países. Si fuera así, los deportistas estadounidenses habrían tenido libertad para decidir si querían participar o no en las olimpiadas de 1980 en Moscú. En fuera de campo queda en esta película (y no solo en ella) ese Estado brutal llamado Israel. La escena inicial tan amistosa entre las judokas de los dos países muestra las intenciones de la película y dónde quiere situar el bien y el mal entre Irán e Israel. Conviene recordar que, en la época del apartheid, a Sudáfrica se le declaró el boicot deportivo internacional. Hoy ese país decente lidera las acciones judiciales contra Israel. Los indecentes lo siguen acogiendo con cariño en eurovisiones, campeonatos deportivos y mercados internacionales (también de armas y tecnologías de vigilancia). Los deportistas, los artistas y en general los ciudadanos y ciudadanas iraníes (sobre todo ellas) deben contar siempre con el afecto y el apoyo de todas las instituciones decentes (desde las asociaciones de judo a los festivales de cine) que, por los mismos motivos, deberían repudiar a un Estado cuyas prácticas genocidas están redefiniendo el significado del apartheid.

sábado, 14 de septiembre de 2024

El hombre mosca

de Fred C. Newmeyer y Sam Taylor. EE.UU., 1923. 77’.
14 de septiembre de 2024. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. Con acompañamiento al piano.

Harold Lloyd va a la ciudad para labrarse un futuro y casarse con su amada. Pero las cosas no le van bien en los almacenes de tejidos en los que trabaja. Inesperadamente llega su novia y tiene que hacer mil tretas para impresionarla. Al final lo conseguirá escalando un edificio. Y de qué manera.

Había visto a finales de los setenta en televisión algunos fragmentos de las películas de Harold Lloyd, pero esta no la había visto completa. Y es una maravilla. Por la gracia de las escenas, por las impresionantes imágenes del protagonista trepador y por la fascinación que produce ver los trenes, coches y tranvías circulando hace cien años como si fuera ahora. Pero lo mejor ha sido la magia de la forma en que hemos vivido la experiencia esta tarde. Adrián Begoña ha presentado la película y luego ha acompañado al piano las imágenes con partitura original suya y variaciones improvisadas. Y hay que reconocer que es un maestro y un tipo genial. Por si el gozo fuera poco, tras las proyección y sin encender las luces, más bien entre candilejas, compartió con nosotros un buen rato de coloquio y deliciosa erudición. Así que ha sido una experiencia memorable, mucho más de lo esperado, que habrá que repetir. No hay duda de que en Asturias tenemos mucha suerte con estas salas cinéfilas en las que hasta las butacas tienen el buen gusto de parecer diseñadas por los Eames. Es una gozada cotidiana.

jueves, 23 de mayo de 2024

Ryūichi Sakamoto I Opus

de Neo Sora. Japón, 2023. 103.
23 de mayo de 2024. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Ryūichi Sakamoto al piano. Nada más. En blanco y negro. Interpretando piezas tan inolvidables como las de las bandas sonoras de Feliz Navidad Mr. Lawrence, El último emperador o El cielo protector. Un último concierto sin público. Filmado con mucha elegancia por su hijo.

Philip Glass, Peter Greenaway, Alberto Iglesias, Ennio Morricone, Ryūichi Sakamoto... Seguramente, son los compositores de bandas sonoras que más recuerdo. Así que, aunque esta tarde en el Niemeyer también teníamos a Irene Vallejo, me resultaba imprescindible asistir a esta película íntima, contenida y emotiva que fue filmada sabiendo que serviría de homenaje postrero al compositor japonés. Ha sido hora y media larga de música nítida y precisa a cargo de un hombre que parecía sosegadamente feliz mientras la interpretaba. Al final, el piano sigue sonando cuando él ya se ha ido. Y nosotros lo recordamos escuchando su música en esta singular película.

jueves, 9 de mayo de 2024

¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú

de Stanley Kubrick. Reino Unido, 1964. 93’.
9 de mayo de 2024. Teatro Filarmónica, Oviedo. V.O.S.

Repentinamente y sin motivo alguno, un general estadounidense pone en marcha un ataque preventivo contra la URSS. El disparate puede tener consecuencias apocalípticas porque, desde los dos lados del telón de acero, todo ha sido diseñado para que la amenaza nuclear sea tan disuasiva que nadie pueda detener ese proceso si se llega a poner en marcha.

El totalitarismo quedó magistralmente retratado (y burlado) por Charles Chaplin en El Gran Dictador. Veintipocos años después Stanley Kubrick hizo lo propio (también en blanco y negro) con el belicismo nuclear. Entonces estaba reciente la muerte del Secretario General de la ONU en África (que no fue un accidente, según supimos hace poco viendo Hammarskjöld. Lucha por la paz) y no tan lejanas las consecuencias del proyecto Manhattan que retrató magistralmente Christopher Nolan en Oppenheimer. Con la ayuda de Peter Sellers, magnífico en sus tres personajes, Kubrick se anima a trufar de fina ironía su relato tentativo sobre las consecuencias de esos órdagos belicistas que, tras Hiroshima y Nagasaki, demostraron que no se había aprendido más lección que la estúpida idea de para impedir la guerra no hay nada mejor que prepararla (y en eso seguimos...). Así que, entre bromas y veras, Kubrick nos ofrece su segundo alegato antibelicista (después de Senderos de Gloria y antes de La chaqueta metálica) que se ve con mucho interés en la gran pantalla del Teatro Filarmónica casi sesenta años después de su estreno. Parece que la primavera está siendo cinematográficamente propicia para Oviedo: acaban de abrir los magníficos Cines Embajadores-Foncalada y parece que la derecha vetusta dejará que siga existiendo esa estupenda iniciativa llamada Radar.

lunes, 29 de abril de 2024

Siempre nos quedará mañana

de Paola Cortellesi. Italia, 2023. 118’.
29 de abril de 2024. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Una familia romana en tiempos de posguerra. Ella es una madre abnegada que trabaja dentro y fuera de casa. Él es un tirano ignorante que la maltrata. También lo hace el padre de este que vive postrado en la cama al cuidado de su nuera. La hija está enamorada y quizá se case con un chico de una familia con más medios. También hay dos niños malhablados que constantemente se están pegando. 

Neorrealismo italiano con foco en la violencia de género. En 2023 fueron asesinadas allí 74 mujeres, así que la evocación de aquella violencia naturalizada en las familias romanas de posguerra sigue siendo muy pertinente ahora. Paola Cortellisi dirige y protagoniza esta historia sencilla y bien contada a la que es mucho mejor entrar sin saber nada de ella. Así se valora más ese inesperado giro temático final que permite reinterpretar la película en un sentido mucho más amplio que el de la vida doméstica. En Italia, como en España y en tantos otros países, se ha cultivado tradicionalmente esa masculinidad casposa caracterizada por el ombligo muy grande y la mano muy suelta. Paola Cortellisi la retrata con mucho brío y notable elegancia en esta película que es mucho más que un homenaje al cine costumbrista de los cincuenta. Otra vez lleno total en la sala (y en los pasillos) de estos estupendos cines Embajadores-Foncalada. Entre el público había caras conocidas de cinéfilos avilesinos. Y es que nosotros no tenemos problema en viajar a Oviedo y a Gijón cuando lo que nos ofrecen es bueno. En eso los ombligos de esas ciudades son mucho más exigentes con la fidelidad de sus gentes que el de la nuestra. Y es que el cosmopolitismo es otra de las señas de identidad de Avilés, por eso sigue teniendo sentido la vieja calificación como la Atenas de Asturias. Nosotros seguiremos practicándolo, así que seguramente mañana iremos al cine en Béjar.