La cocina

de Alonso Ruizpalacios. México, 2024. 139’.
13 de noviembre de 2024. Cines Los Fresnos, Gijón. V.O.S.

En las cocinas de The Grill trabaja mucha gente. Mayormente inmigrantes latinoamericanos que buscan en Nueva York una vida mejor. Entre ellos está Pedro, un mexicano que tiene una relación con una mesera gringa y muchos conflictos con sus jefes.

El director de Güeros, aquella joya que vimos en 2015 en la primera edición de SACO, lo ha vuelto a hacer. Con un blanco y negro perfecto y un ritmo trepidante que no ahoga el aliento poético, nos lleva a la cocina mestiza de un restaurante situado en el corazón del imperio. Viendo esta película me he acordado del trabajo de otro director mexicano que en un solo plano secuencia consiguió conjuntar la intensidad de una semana de un hombre aturdido con la dosis justa de realismo mágico en una historia que también transcurría en Nueva York. Me refiero a Birdman, de Alejandro González Iñárritu,  con  la que La cocina comparte la intensidad del plano secuencia, la centralidad del sonido y un guion cuidadísimo y con mucha intención ("lo llamáis América, pero América no es un país"). Sobre Güeros dije que me fascinaba por partes y en conjunto, y lo mismo puedo decir de esta intensa maravilla que se cierra evocando un sueño contado en un callejón para iluminar con el rayo verde el rostro de este Pedro mexicano que no encuentra las llaves del cielo.

Daaaaaalí!

de Quentin Dupieux. Francia, 2023. 79’.
12 de noviembre de 2024. Casa de la Cultura, Avilés. V.O.S.

Una periodista quiere entrevistar a Dalí. Se encuentran en un hotel, pero al saber que no habrá cámara, él se va. Ella lo intenta de nuevo y le propone hacer un documental. Y de eso irá la cosa.

El director de Bajo arresto o Yannick ha hecho algo tan divertido como imaginar cómo sería hacer una película sobre Dalí. Y para interpretar a un hombre que hablaba de si mismo siempre en tercera persona es normal que haya recurrido a cinco actores componiendo una historia histriónica, onírica, barroca y luminosa que no tiene nada de convencional y que da gusto ver. Haber ido por vez primera a Barcelona en el verano de 1983 y encontrarnos con aquella magnífica exposición en Pedralbes (seguramente la más importante sobre su obra con la del Reina Sofía de 2013) y luego subir al Ampurdán haciendo dedo para llegar hasta Figueras, Cadaqués y Port Lligat hace que uno le tenga un cariño especial a aquel tipo que la tele sacaba con frecuencia para ver qué nueva locura llegaría a decir. Sin embargo, de su boca salieron también afirmaciones tan lúcidas como lo que dijo cuando le preguntaron qué salvaría si hubiera un incendio en el museo del Prado.

Marco

de Aitor Arregi y Jon Garaño. España, 2024. 101’.
11 de noviembre de 2024. Cines Parqueastur, Corvera.

Desde finales de los setenta Enric Marco decía que había estado prisionero en el campo de concentración de Flossenburg. Su relato era tan convincente que dio muchas charlas para el reconocimiento de los deportados españoles y llegó a presidir la asociación Amical Mauthausen de España. Hasta que en 2005 un historiador desveló que no había estado allí.

La tragedia de un hombre ridículo. El título de la película de Bertolucci también podría ser la de esta. Los directores de Handía y La trinchera infinita consiguen que vuelva a dar mucha tristeza aquella impostura que tanta vergüenza causó cuando fue descubierta. Hay algo que me provoca compasión en la agonía de esas vidas ejemplares que desde lo más alto caen en desgracia y uno casi les desea que por piedad se los trague la tierra (en la política actual hay ejemplos notorios). Por eso no siento la más mínima complicidad con las ironías y las risas de un Javier Cercas al que vemos en imágenes reales en aquel acto de presentación de su libro al que acudió e intervino aquel desventurado anciano. Pero entre las virtudes de esta película triste está la interpretación superlativa que, con la voz y con el gesto, hace el gran Eduard Fernández. Tras El 47, esa otra maravilla de Marcel Barrena que también ha protagonizado, creo que este año deberían darse al menos cinco Goyas a los intérpretes masculinos (dos para él, otro para Antonio de la Torre por Los destellos, de Pilar Palomero, y otros dos para José Sacristán y Mario Casas por Escape, de Rodrigo Cortés). Eduard Fernández mereció sobradamente el Max de este año por la obra Todas las canciones de amor, de Andrés Lima,  y la verdad es que encuentro ecos de aquella voz dubitativa y dulce de su madre en la forma en que ha conseguido que sienta compasión recordando con esta película la tragedia de aquel hombre ridículo.

Emilia Pérez

de Jacques Audiard. Francia, 2024. 130’.
9 de noviembre de 2024. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

Rita trabaja en un bufete de abogados de Ciudad de México. Es una una joven muy inteligente que logra ganar casos que a ella le repugnan moralmente. Hasta que recibe la oferta del jefe de un cártel para que le ayude a cambiar de sexo. Su trabajo será gestionar la operación médica, cambiar su identidad y poner a salvo a su familia. Su cliente se llamará después Emilia Pérez y estará tan alejada de su vida anterior que liderará una fundación para buscar a las víctimas desaparecidas por la violencia.

El director de películas tan magníficas como Un profeta, De óxido y hueso, Dheepan, Los hermanos Sisters o París, Distrito 13, ha firmado una joya mexicanísima que debe ser orgullo (por contraste) para el cine francés. Emilia Pérez es una película sobre la redención, sobre la transformación (de género y de vida), sobre la testosterona y la ternura, y también sobre la violencia y la belleza de un país tan intenso como México. Pero también es un musical, una exhibición de buen hacer en el montaje, en la osadía con las imágenes (impagable ese plano oscuro que se abre para mostrar los rostros de desaparecidos), en un texto perfecto (también cuando se canta) dicho en un español mexicano que solo está al alcance de un director francés que se deja asesorar muy bien por quienes conocen cómo se habla y cómo se vive allí. Por ejemplo, por Karla Sofía Gascón, que hace un trabajo magnífico en los dos tiempos del personaje protagonista y que esta mañana, previa al estreno de diciembre en las salas, nos ha acompañado desde Madrid en el coloquio que siguió a la proyección simultánea en los cines Embajadores de allí y de aquí. Y ha dado gusto escuchar sus comentarios sinceros, lúcidos, frescos, cachondos y llenos del delicioso desparpajo propio de la buena vida. Justo la que ansía (y en cierta medida consigue) su personaje y que en esta película sabe retratar como nadie ese magnífico director (que no parece francés) llamado Jacques Audiard.

Salve María

de Mar Coll. España, 2024. 111’.
4 de noviembre de 2024. Cines Los Prados, Oviedo.

María acaba de tener un bebé, pero lo está llevando muy mal. Es una escritora agobiada por su maternidad que se ha obsesionado con la noticia de una mujer francesa que ahogó en una bañera a sus dos bebés. María no le hace nada malo a su hijo, pero sufre lo indecible con su maternidad.

La directora de Tres días con la familia o Todos queremos lo mejor para ella sabe muy bien cómo presentarnos el drama de una maternidad que, deseada o no, acaba viviéndose como una tortura. Hay cierto tono opresivo que, sin llegar al terror, consigue contagiar la inquietud de esa madre que sabe que esa circunstancia la está desquiciando. Lamentablemente, en Asturias esta película no se ha podido ver en versión original en ninguna sala ni en ninguna sesión. Va a ser que el catalán es una lengua mucho menos respetable y española que el inglés. El doblaje, además de hacer que se pierdan muchos matices de la historia, produce en este caso un distanciamiento lamentable. Alguien debería actuar seriamente contra esta censura lingüística generalizada en películas en las que se hablan otras lenguas españolas distintas del castellano. El efecto es comparable al que tendría proyectar en blanco y negro películas hechas en color. Va a ser eso, que algunos siguen queriendo una España en blanco y negro.

Anora

de Sean Baker. EE.UU., 2024. 138’.
3 de noviembre de 2024. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Anora es una prostituta que trabaja en un club de Nueva York. Allí conoce a un muchacho ruso muy rico con el que se entiende muy bien. Tanto, que se van a Las Vegas y, sin pensárselo dos veces, se casan. Los padres del chico son unos potentados que, cuando se enteran, cogen su avión privado y se van a Estados Unidos para anular el matrimonio y llevarse de vuelta a su vástago.

El director de joyas como Tangerine, The Florida Project y Red Rocket ha conseguido todos los reconocimientos por esta película. Anora comparte con Tangerine cierto tono desquiciado y con The Florida Project y Red Rocket la ternura y el aprecio por los seres deliciosamente marginales. Aquí es esa joven prostituta la que es un cielo que contrasta con ese tarambana cuya principal virtud es que no soporta a sus padres y su mayor defecto el de acabar sometiéndose a ellos. Así que la película se ve con agrado, pero sin la conciencia de estar descubriendo una delicada maravilla, como sucedía con las anteriores de Sean Baker. Y es que de Anora yo me quedo, sobre todo, con Anora.

Escape

de Rodrigo Cortés. España, 2024. 129’.
1 de noviembre de 2024. Cines Alkázar, Plasencia.

Ene vive con su hermana, pero apenas le habla. Siempre va con unos cascos en los que escucha sonidos de pájaros. Parece haber enloquecido tras la muerte de su mujer en un accidente con el coche que él conducía. Ahora busca denodadamente que le encierren en una cárcel. Y que no lo dejen salir nunca.

Mucho más que el contrapunto de la genial Buried. Así lo ha entendido Martin Scorsese que produce esta magistral película. Hay ecos de Luis Buñuel, de Jardiel Poncela, de José Luis Cuerda y hasta de Carlos Saura (espléndida esa jota onírica) en una película que es puro Rodrigo Cortés. Si el guion y el montaje lo son todo en el cine, aquí se demuestra el nivel de excelencia al que puede llegar un director que es un buen escritor y que concibe como nadie la puesta en escena, la composición de las imágenes y el papel de la música (magnífica la de Víctor Reyes). Escape tiene, además, un calado intencional extraordinario. Es nihilista, barroca, expresionista, estoica y poética. Una indagación sorprendente sobre la forma en que se entretejen los límites de la lógica y la locura. Una bomba de explosión controlada, y muy efectiva, contra el fideísmo judicial y el punitivismo carcelario. Un hombre que quiere renunciar al nombre y a la libertad puede convertirse en un agujero negro moral que imanta y cuestiona la normalidad del "es lo que hay". Porque repugna y atrae por igual. Porque desquicia a esos jueces engolados y entogados que creen ser los sumos sacerdotes de la justicia y el castigo. Así que Rodrigo Cortes consigue también fascinar y desquiciar a los espectadores biempensantes. Y para ello regala y obtiene lo mejor de este reparto de lujo que encabeza un Mario Casas en estado de gracia y en el que sobresalen Anna Castillo, José Sacristán, Guillermo Toledo, Josep Maria Pou, Blanca Portillo, David Lorente y Juanjo Puigcorbé. Está claro que Martin Scorsese tiene buen ojo para apreciar lo mucho que vale este extraordinario director, español y salmantino, llamado Rodrigo Cortés.

Jurado Nº 2

de Clint Eastwood. EE.UU., 2024. 113’.
1 de noviembre de 2024. Cines Alkázar, Plasencia.

Con su mujer a punto de dar a luz, Justin Kemp forma parte de un jurado que ha de decidir sobre la culpabilidad del posible asesino de una mujer en una carretera. El caso parece fácil porque el acusado y ella acababan de tener una fuerte discusión en un bar. El mismo en el que estuvo Justin Kemp aquella noche de lluvia en que su coche golpeó contra algo que no llegó a ver. Entonces creyó que podría haber sido un ciervo. 

Una interesante película sobre un jurado que recuerda al de Sindey Lumet en 12 hombres sin piedad. No es de las más apasionantes de Clint Eastwood, pero al menos compensa el mal recuerdo de Cry Macho. Jurado Nº 2 está bien planteada y, aunque no tiene el dramatismo de otras historias del género, incluye temas característicos del cine de Eastwood como la paternidad, el azar, la honestidad o la culpa. Así que no ha sido un mal comienzo para esta tarde cinéfila con programa doble en Plasencia. A continuación, veremos Escape, la última de Rodrigo Cortés.

La gran escapada

de Oliver Parker. Reino Unido, 2023. 96’.
29 de octubre de 2024. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Hace casi diez años se celebraron como mucho bombo los setenta del desembarco aliado en las playas de Normandía. Y a sus ochenta y nueve años Bernard Jordan cruzó el canal de la Mancha por su cuenta para estar presente y rendir homenaje a un compañero que tuvo menos suerte que él aquel día.

Glenda Jackson y Michael Caine están magníficos interpretando a esa pareja de ancianos con una historia de amor perfecta que no quedó truncada en una playa francesa en 1944. La historia es bonita y está bien contada, pero, como periplo de un anciano que hace lo que debe, hay dos precedentes mejores: Una historia verdadera, de David Lynch, y El viaje de Harold, de Hettie Macdonald. Por lo demás, aunque la película tiene mucho más de historia de amor que de celebración bélica, uno no deja de pensar en lo bien que estaría que, ahora que han pasado ochenta años de aquel desembarco, en lugar de las Fuerzas Armadas, desembarcaran en algunas playas las Razones Pacíficas. Por ejemplo, las de miles (mejor, centenares de miles) de estadounidenses, ingleses y europeos que llegaran al amanecer con banderas blancas y músicas pacifistas a las playas de Gaza, a las del Líbano y, por supuesto, a las de Israel. En el futuro habría muy buenos motivos para conmemorarlo.

Rita

de Paz Vega. España, 2024. 94’.
29 de octubre de 2024. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

Sevilla, verano de 1984. Rita es una niña de siete años que quiere mucho y protege muy bien a su hermano pequeño. Sobre todo, de la aspereza con que su padre trata a su madre. Él es un taxista primario y ella un ama de casa bondadosa. Como tantas familias humildes de la época en que aún era reciente la ley del divorcio.

Todo lo vemos desde el punto de vista de ese cielo de niña (Sofía Allepuz) que capta tan bien lo que está pasando. Roberto Álamo clava a la perfección a ese español bronco que no sabe el daño que hace ni el miedo que provocan su presencia y sus gritos. Paz Vega interpreta impecablemente a esa madre delicada y amable que era el alma de tantas familias españolas hace medio siglo. Pero lo que no sabíamos es el buen pulso que también tiene como directora de una película en la que el guion, los primeros planos, el fuera de campo, el cuidado del sonido y el protagonismo casi absoluto de la mirada de la niña desvela mucho más de lo que se muestra. En el teatro hay bastantes actores que se atreven con la dirección y lo hacen muy bien. En el cine es menos frecuente, pero (sin olvidar a Clint Eastwood) se me ocurren dos bien cercanos que lo hacen magníficamente: Viggo Mortensen y Paz Vega.

Polvo serán

de Carlos Marques-Marcet. España, 2024. 106’.
27 de octubre de 2024. Teatro Carrión, 69º Semana Internacional de Cine de Valladolid (Sección Oficial).

Claudia es una actriz que padece una grave enfermedad y sabe que sus días están contados. Así que ha decidido ir a Suiza para acabar antes de que llegue lo peor. Le acompañará Flavio, el director de teatro con el que ha compartido cuarenta años de su vida y que no quiere seguir viviendo sin ella. Así que han reunido a sus hijos para celebrar su boda antes de ir juntos hacia el final.

Ángela Molina y Alfredo Castro. Qué más se puede pedir. Y, además, tiene un guion de frescura deliciosa en una película que es un musical coreográfico sorprendente (en la senda de Bailar en la oscuridad, de Lars von Trier, Cerca de tu casa, de Eduard Cortés, o el más reciente Joker: Folie à deux, de Tod Phillips) y una propuesta reflexiva sobre las despedidas con un tono divertidamente barroco que está en las antípodas formales de Quelques heures de printemps, esa otra maravilla que sobre el mismo tema dirigió en clave hiperrealista Stéphane Brize con Vincent Lindon. Así que ha sido un gustazo asistir a la sintonía entre Claudia y Flavio (entre Ángela y Alfredo) hasta el punto final. Polvo serán ha recibido la Espiga de plata (Ex aequo con Stranger Eyes) y yo me alegro de que hayamos podido verla en esta tarde de domingo. También me alegro de que haya recibido los premios a la mejor dirección y la mejor fotografía la estupenda Black Dog. Y de que se haya premiado, ex aequo, a los intérpretes de la estupenda película noruega Sex, la primera que vimos el viernes en esta escapada rápida al tramo final de la Seminci. Así que ha sido otro estupendo fin de semana cinéfilo en Valladolid. Volveremos.

Stranger Eyes

de Yeo Siew Hua. Singapur, 2024. 126’.
27 de octubre de 2024. Teatro Carrión, 69º Semana Internacional de Cine de Valladolid (Sección Oficial). V.O.S.

Una pareja joven ha perdido a su bebé mientras estaba con su padre en el parque. Pasado un tiempo sin que aparezca empiezan a recibir videos que alguien ha grabado sobre lo que hacen. Quien los filma vive enfrente de su casa con su madre. Como la abuela del bebé que también vive con ellos.

El detonante de la historia recuerda al de La desaparición, la magnífica película del rumano Constantin Popescu. Aunque también tiene bastante que ver con La ventana indiscreta de Hitchcock. De Yeo Siew ya habíamos visto hace seis años, también en la Seminci, Una tierra imaginada, pero Strangers Eyes es mucho mejor. Con trasfondo edípico, sugerencias reflexivas sobre las soledades rigurosamente vigiladas de nuestro mundo y un magnífico trenzado argumental, no es de extrañar que esta película haya recibido (ex aequo con Polvo serán) la Espiga de Plata en esta edición de la Seminci. Ojalá sirva para que podamos ver nuevas propuestas de este director.

Vingt Dieu

de Louise Courvoisier. Francia, 2024. 90’.
27 de octubre de 2024. Teatro Carrión, 69º Semana Internacional de Cine de Valladolid (sección: Punto de encuentro). V.O.S.

Totone es un adolescente de la región de Jura que tiene una vida feliz con noches intensas y días despreocupados. Hasta que su padre, que lleva  una quesería, tiene un accidente y muere. A partir de entonces tendrá que ocuparse de su hermana pequeña y tratar de salir adelante. Con algunos amigos lo intenta fabricando de manera artesanal (y un tanto irregular) el queso Comté de la región. Con él podría ganar un premio de 30.000 euros.

Ha sido la película ganadora en la sección Punto de encuentro en esta edición de la Seminci, pero no es para tanto. Está ambientada en la Francia rural y cuenta una historia sencilla que no ofende, pero tampoco sorprende. Su mayor mérito es quizá que los intérpretes no son profesionales sino gente de la zona. Y la verdad es que lo hacen muy bien.

Caught by the Tides

de Jia Zhang-ke. China, 2024. 111’.
26 de octubre de 2024. Teatro Zorrilla, 69º Semana Internacional de Cine de Valladolid (sección: Punto de encuento). V.O.S.

En la China cambiante del comienzo de este siglo un hombre y una mujer que se aman se separan cuando él va a trabajar a otro lugar. Ella lo irá a buscar.

Más que esa historia, la película de Zhang-ke es un documental sobre los cambios del paisaje y la vida que están teniendo lugar en China en los últimos años. Con la apariencia de imágenes encontradas (aunque muchas de ellas seguramente han sido compuestas al modo de evocaciones como la que, mucho más modestamente, hizo Luis López Carrasco sobre los años ochenta en El futuro), Zhang-ke nos ofrece un torrente de estampas y sonidos impactantes en el que destacan las impresionantes imágenes del cauce de la gran presa de las Tres Gargantas en el momento en que ciudades enteras estaban siendo arrasadas antes de la subida completa de las aguas. Quizá sea ese el mayor atractivo de una película difícil en la que la historia de los personajes es lo de menos.

Black Dog

de Gou Zhen. China, 2024. 110’.
26 de octubre de 2024. Teatro Carrión, 69º Semana Internacional de Cine de Valladolid (Sección oficial). V.O.S.

A una ciudad perdida cerca del desierto de Gobi regresa Lang, un hombre que apenas habla y acaba de salir de la cárcel. Su llegada coincide con la promesa de cambios en esa ciudad declinante de la que se quieren eliminar los perros callejeros que deambulan por el lugar. Entre ellos uno grande y negro, particularmente esquivo, con el que Lang establece una fraternidad especial. 

 

Un lugar radicalmente desolado, de belleza espectral, en las vísperas de un eclipse y del comienzo de las olimpiadas de 2008 de Pekín. Es el escenario perfecto para esta película sorprendente llena de animales y de paisajes impresionantes. La música de Pink Floyd le va muy bien a la historia de este chino silente y su perro que tanto recuerda a algunas películas del Oeste. Aunque lo que se relata no fuera interesante, los paisajes de esa ciudad y los perros ya serían sobrada justificación para disfrutar de estas casi dos horas de cine magnético. Nos lo anticipa la primera escena en ese desierto infinito y bello que parece propiedad de los perros. Por lo demás, hay cierta comicidad e ironía que combina muy bien con el aliento poético del que se dota a este personaje silente de ternura solitaria. Así que, en un mundo en el que los perros se han adueñado de tantos corazones urbanos, esta magnífica película de frontera sobre perros libérrimos puede resultar una sorpresa inesperada y tener bastante éxito en las salas.

Blue Sun Palace

de Constance Tsang. EE.UU., 2024. 116’.
26 de octubre de 2024. Sala Fundos, 69º Semana Internacional de Cine de Valladolid (sección: Punto de encuentro). V.O.S.

Una emigrante china que trabaja en una casa de masajes está iniciando una relación con un trabajador que tiene familia en China pero es feliz en Nueva York. Ella es un encanto que se lleva muy bien con una compañera del salón en el que trabaja. 

Una delicia naturalista sobre la bondad, la esperanza, la alegría y el drama en los ambientes humildes de los inmigrantes chinos en Nueva York. La sencillez llena de vida de esos entornos modestos en los que se come, se vive y se siente con intensidad me ha recordado al del Lily, el restaurante peruano del mercado de los Mostenses en el que nos encanta comer cuando vamos a Madrid.  Blue Sun Palace es la primera película de Constance Tsang, una directora con alma que sabe mostrar muy bien esa intrahistoria de la emigración en la que el dolor se compensa con la esperanza de quienes buscan, y no siempre encuentran, una buena vida en otro país, en un entorno ajeno que no suele darse cuenta de que la presencia delicada de los forasteros le hace tanto bien. Así que ha sido un gusto encontrarnos en la Seminci con esta joya de una directora de la que, a partir de ahora, podemos esperar lo mejor.

La semilla de la higuera sagrada

de Mohammad Rasoulof. Irán, 2024. 168’.
26 de octubre de 2024. Teatro Carrión, 69º Semana Internacional de Cine de Valladolid (sección: Constelaciones). V.O.S.

A Iman le acaban de nombrar juez de instrucción de los tribunales revolucionarios en Irán. Su ascenso coincide con la multiplicación de detenciones por las protestas por el velo de 2021 y la presión a los jueces para que instruyan los casos con la mayor dureza y celeridad. El conflicto lo tiene también en casa con sus dos hijas que, sin él saberlo, han dado cobijo a una amiga que ha resultado herida en la universidad. Y la cosa se complica cuando desaparece la pistola que le habían dado al acceder al nuevo cargo. 

Rasoulof nos muestra, desde la perspectiva doméstica, el desgarro de un país que sufre la represión de un régimen teocrático que pretende sofocar con violencia aquella rebelión por la dignidad. En cierto modo vuelve al tema de la pena de muerte y al papel del aparato judicial que también abordó de forma magnífica en La vida de los demás. Aquí las imágenes reales de la represión policial y parapolicial en las calles de Teherán se incorporan a una historia trágica que tiene su escenario principal en la vida de una familia integrada en el régimen con dos hijas que despiertan a la verdad. El tramo final opresivo en ese escenario rural desolado da un giro épicamente dramático a una historia que es testimonio y alegato contra la situación de las mujeres en Irán.

La red fantasma

de Jonathan Millet. Francia, 2024. 106’.
25 de octubre de 2024. Cines Broadway.
y, 69º Semana Internacional de Cine de Valladolid (sección: Punto de encuentro). V.O.S.

Hamid es un joven sirio muy callado que llega a Estrasburgo como refugiado y pregunta por un hombre al que no conoce. Se trata de un torturador al que quiere localizar una red secreta siria que busca criminales de guerra escondidos en Europa.  

Una singular película de espionaje en los márgenes de aquella tragedia que en la década pasada obligó a millones de sirios a buscar refugio en Turquía, Líbano, Jordania y Alemania. La historia está basada en hechos reales y está muy bien contada a través de este joven que expresa mucho más de lo que habla. La red fantasma es una buena película sobre un tema que parece anecdótico en la terrible guerra que desde 2011 ha provocado tanto sufrimiento a los sirios. Sin embargo, uno se queda con la sensación  de estar recordando episodios marginales de una tragedia inmensa a la que asistimos con la misma vergüenza e impotencia con que ahora contemplamos las masacres que perpetra Israel en Gaza y en el Líbano.

Sex

de Dag Johan Haugerud. Noruega, 2024. 125’.
25 de octubre de 2024. Teatro Carrión, 69º Semana Internacional de Cine de Valladolid (Sección oficial). V.O.S.

Dos amigos deshollinadores hablan con sinceridad sobre cosas muy extrañas que les acaban de pasar. Uno ha soñado que David Bowie le miraba como si fuera una mujer. El otro ha tenido un encuentro sexual inesperado con un hombre y se lo ha contado a su mujer que se lo está tomando bastante mal. Los dos tienen clara su identidad masculina y heterosexual, pero estas situaciones tan raras les dan bastante que pensar. 

Ayer veíamos en el Niemeyer Descansa en paz, una película de zombis noruegos y hoy, recién llegados a la Seminci, volvemos a Oslo con esta estupenda película sobre dos hombres sinceros que no paran de hablar (y de escuchar). Sex parece una versión noruega del mejor Hong Sang-soo. De apariencia liviana, a veces irónica (impagable la visita del padre y el hijo a la médica) es un canto a la sinceridad. A pesar de los riesgos, hablar de lo que nos pasa y de lo que sentimos siempre tiene efectos catárticos. Y eso es posible hacerlo con un amigo, con la pareja y también con los hijos. Sex es sencilla, amable, elegante en la concepción de los planos y sobriamente cautivadora en el sonido. Un estupendo regalo para este viernes de vuelta a la Seminci. Al parecer, forma parte de una trilogía que Dag Johan Haugerud completará con Love y Dreams. Ojalá que podamos verlas pronto en España.

Descansa en paz

de Thea Hvistendahl. Noruega., 2024. 97’.
24 de octubre de 2024. Centro Niemeyer, Avilés.  V.O.S.

Tres familias noruegas viven de forma distinta sus duelos. El de una madre y un abuelo por un niño, el de una anciana por otra y el de un marido, una hija y un hijo por una esposa y madre. Hasta que algún extraño fenómeno hace que vuelvan a casa.

Una película noruega de zombis. Parece una contradicción. De hecho, los regresados serán parsimoniosos, pasmados y silentes como corresponde a una historia que es más existencial que gore. Nada que ver con La cena, la inquietante novela corta del siempre sorprendente César Aira. Estos zombis nórdicos son, más bien, una excusa para mostrar distintas maneras de afrontar la despedida y sobrevivir a la pérdida. Por eso estos regresos sin futuro tienen más que ver con la suspensión del tiempo que acompaña a ese tránsito. Así que Descansa en paz es una película más noruega que de zombis. Por eso resulta tan interesante.