Viaje al sol

de Susana de Sousa Dias, Ansgar Schäefer. Portugal, 2021. 104’.
13 de marzo de 2023. Teatro Filarmónica, Oviedo. V.O.S.

Al acabar la Segunda Guerra Mundial, Cáritas organizó los viajes de miles de niños austriacos para pasar unos meses en Portugal. Fue para ellos un traslado largo, una estancia inolvidable y un regreso difícil a sus maltrechos hogares.

Fotografías y filmaciones de hace casi ochenta años. Las vemos con una cadencia sosegada y con sonidos pertinentes mientras escuchamos las voces actuales de aquellos niños de la guerra que fueron acogidos en Portugal. Algunos evocan aquel tiempo en alemán y otros lo hacen en portugués. Las imágenes del comienzo parecen la continuación de Sobre la historia natural de la destrucción, el extraordinario y necesario documental de Sergei Loznitsa. En su Viaje al sol Susana de Sousa Dias consigue entreverar la felicidad y la tristeza de aquellos recuerdos infantiles componiendo un retrato conmovedor sobre los contrastes entre la forma de vida de las familias austriacas y portuguesas. Y también entre la riqueza y la pobreza del país vecino en tiempos de Salazar.

El tercer hombre

de Carol Reed. Reino Unido, 1949. 104’.
12 de marzo de 2023. Teatro Filarmónica, Oviedo. V.O.S.

Holly Martins es un escritor estadounidense de novelas del Oeste que llega a Viena tras la Segunda Guerra Mundial. La ciudad está dividida en sectores controlados por los soviéticos, los franceses, los americanos y los ingleses. Allí espera encontrarse con Harry Lime, un amigo que le ha ofrecido trabajo. Pero, al parecer, Harry ha muerto en un atropello en el que había dos hombres (o tres). Holly intenta saber qué ha pasado y mientras hace averiguaciones conoce a la novia de Harry. También descubrirá a qué se dedicaba (o se dedica) Harry.

La presentación de El folio en blanco, un nuevo libro de SACO coordinado por Carlos Losilla, coincide con la proyección de este clásico intemporal e inclasificable. Tras la proyección hemos podido asistir a un interesante coloquio entre él, Ricardo Menéndez Salmón y Pablo de María, el director de SACO. Una banda sonora inolvidable, una fotografía que parece definir el canon del expresionismo, la presencia inquietante de Orson Welles y, por supuesto, ese magnífico plano final en el que la novia del tercer hombre pasa de largo ante el que la espera (esta mañana José Luis Alcaine destacaba esa secuencia en la visita que guió al Museo de Bellas Artes) hacen que compense volver esta tarde a Oviedo para asistir a la proyección en pantalla grande de una película como esta. La magnífica programación habitual de RADAR en esta misma sala incluye ciclos de cine clásico. Y SACO no se olvida de él en esta semana radical sobre el audiovisual contemporáneo. Como debe ser.

Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles

de Chantal Akerman. Bélgica, 1975. 193’.
8 de marzo de 2023. Cines Los Fresnos, Gijón. V.O.S.

Rutinas diarias de una viuda con hijo. De la mañana a la noche se ocupa con diligencia de los oficios domésticos. Y cada tarde, en lo que se cuecen unas patatas para la cena, recibe a un hombre distinto en su dormitorio. Todo es extrañamente rutinario y familiar. Sobre todo para quienes recordamos cómo era la vida cotidiana de las mujeres en 1975.

Ver un 8 de marzo en pantalla grande las tres horas y cuarto de esta joya del naturalismo feminista es un todo un lujo. Chantal Akerman consigue que estas tres jornadas con Jeanne no se hagan largas. De hecho, duran lo necesario para que podamos sentir el desasosiego de la repetición, la ingratitud de los afanes que nunca se acaban y el eterno retorno de las faenas en la cocina, en la sala o en la tienda. Es como un regreso a un pasado que no se ha borrado de la memoria pero que, contemplado con la extrema contención con que lo retrata la cámara de Akerman, nos hace reparar en el enorme valor de los gestos cotidianos. De ir apagando las luces, doblando la ropa, poniendo la mesa o recadando cuidadosamente las cosas para condurarlas (esos verbos maravillosos que tanto bien nos hicieron y que tanto bien nos harían si volviéramos a usarlos hoy). Casi no hay diálogos en estas tres horas largas de cine radicalmente doméstico y femenino. Pero sí un sonido prodigioso que nos hace acompañar de cerca la vida de esta mujer. Chantal Akerman no juzga, cuestiona ni ensalza. Solo retrata el vivir cada día de una mujer belga en los años setenta. Y con ello nos hace partícipes de que el feminismo es simplemente decencia moral. Quien no lo entienda debería ver esta película una y otra vez. Y escuchar atentamente el silencio que llena los trabajos y los días de tantas mujeres.

Iván Z

de Andrés Duque. España, 2004. 53’.
7 de marzo de 2023. Filmin.

Iván Zulueta en su casa de San Sebastián. Allí le cuenta a Andrés Duque muchas cosas. Sobre su vida, sobre su pasión por el cine y sobre su relación con las drogas. También le habla de Arrebato. De aquella película mítica tras la que él no esperaba poder hacer ninguna más.

Sinceridad amigable y poco pudorosa. Entramos en una casa familiar con palco frente a La Concha. Allí nos lo encontramos con su madre, con su perro y con sus cosas. Y también con sus recuerdos en forma de carteles y álbumes ilustrados. Iván Zulueta llevó al límite la vivencia del riesgo. En el cine y en las drogas. Las dos cosas se fundieron en aquel Arrebato que lo dejó desfondado y que tanto se ha venerado después. El próximo sábado lo recordaremos en el Teatro Campoamor. Será con Plena Pausa, un proyecto para el que J de Los Planetas pondrá música a algunas de sus imágenes en el marco de la novena Semana del Audiovisual Contemporáneo.

Arrebato

de Iván Zulueta. España, 1979. 110’.
6 de marzo de 2023. Filmin.

José es un director de cine de terror que ha terminado de montar su última película. Cuando llega a casa le espera su expareja. Y también una casete y una película que le ha mandado Pedro, un cinéfilo amateur que se graba mientras duerme.

Una lección doble sobre el cine. De un lado está el director que sabe que en el montaje menos puede ser más. Y de otro el aficionado apasionado que encuentra fotogramas rojos cuando revela sus películas. José mira en la Gran Vía los carteles de los estrenos. Pedro solo mira sus cintas, su pantalla y su cámara. Lo que Pedro envía a José es quizá la primera correspondencia fílmica del cine español. E Iván Zulueta nos la manda a nosotros para que desentrañemos en qué medida esos dos personajes protagonizan o revelan una historia. Quizá la suya. O quizá la de aquellos tiempos arrebatados que precedieron a las movidas.

Aftersun

de Charlotte Wells. Reino Unido, 2022. 98’.
5 de marzo de 2023. Laboral Cinemateca, Gijón. V.O.S.

Vacaciones de una niña con su padre en Turquía. Días de sol, playa y piscina de los que quedan algunos videos y muchos recuerdos. 

Lo que vemos es lo que Sophie está evocando mientras ve esos videos muchos años después. Charlotte Wells nos coloca en un lugar intermedio entre la mirada ingenua y atenta de la Sophie de once años y los recuerdos, dulces y dolorosos, de la que ha alcanzado la edad que tenía su padre en aquel momento. En fuera de campo queda para nosotros lo que ha sido de él. Y ese vacío nos sirve para interpretar algunas escenas en clave premonitoria de no sabemos muy bien qué. Aftersun es un homenaje contenido a la vivencia del tiempo. La de ese presente continuo que disfrutamos mientras se va y la de ese pasado (im)perfecto que siempre nos acompaña.

Sonne

de Kurdwin Ayub. Austria, 2022. 87’.
4 de marzo de 2023. Filmin. V.O.S

Yesmin y dos amigas se graban con hiyab mientras cantan y bailan una provocadora canción en inglés. Las tres chicas son austriacas pero los padres de Yesmin son kurdos y consideran de forma muy distinta lo que han hecho. Para la madre ese video es muy reprobable. Para el padre solo es una chiquillada. El hermano de Yesmin también está pasando una adolescencia difícil y las discusiones en casa son frecuentes. Ella lo pasará mal cuando sus dos amigas cambien de opinión sobre el video que subieron a la red.

La produce Ulrich Seidl pero bien podría haberla dirigido él también. El tono es similar al de su cine hiperrealista sobre austriacos peculiares. Aunque el centro de la historia es Yesmin, Sonne tiene varias capas y ya sería una película muy interesante aunque  solo tratara de unas adolescentes que beben, fuman y bailan en tiempos de Tik-Tok. Sin embargo, los distintos pareceres de esos padres inmigrantes, la relación entre Yesmin y su hermano y el juego de espejos mutantes sobre el significado del hiyab para ella y sus amigas (y también para el espectador), hacen de Sonne una película que, más que proponer alguna tesis, abre varios debates. Por eso es tan interesante y, tan afín al cine de Seidl.

Missing

de Nicholas D. Johnson, Will Merrick. EE.UU., 2023. 111’.
3 de marzo de 2023. Cines Parqueastur, Corvera.

June está encantada con que su madre se vaya a pasar unos días con su novio a Colombia. Pero la cosa cambia cuando no regresan y no consigue contactar con ella. Rastreando cuentas digitales, cámaras de video y noticias en las redes June irá averiguando muchas cosas. Y no solo sobre lo que les ha pasado a ellos. 

Casi podría repetir la valoración que en su momento hice sobre Searching, con la que esta película comparte un singular dispositivo basado únicamente en pantallas (de ordenador, de móviles, de televisión) que me recuerda hallazgos tan interesantes como los de Jaime Rosales en Hermosa juventud o Manuel Bartual en Todos tus secretos. Quizá la historia de Missing resulte menos redonda que la de Searching. Pero para mi lo compensa el inesperado regreso entre pantallas a Cartagena de Indias. Y en el colmo de la fortuna resulta que una escena crucial de la película se desarrolla en la Plaza de Santa Teresa, justo delante del Hotel Santa Teresa en el que me he alojado alguna vez. En esa plaza ubiqué el escenario de un caso simulado muy especial: La cocina de Teresa.

La noche del 12

de Dominik Moll. Francia, 2022. 114’.
1 de marzo de 2023. Filmin. V.O.S.

En la noche del 12 de octubre de 2016 una joven es quemada viva cuando regresa a su casa. Los investigadores de la policía judicial que se encargan del caso interrogan a muchos tipos con los que ha tenido relación. Cualquiera de ellos podría haber sido el asesino pero no hay pruebas contra ninguno y todos tienen coartada. Que el caso quede sin resolver le obsesiona al nuevo jefe de la brigada.

La noche del 12 se acaba de llevar seis premios César. El director de la estupenda Solo las bestias consigue que una película sobre unos policías que investigan un asesinato interese tanto por esa trama como por la intrahistoria cotidiana de la profesión. El sosiego con que avanza la historia ofrece además la oportunidad de reflexionar sobre temas de más calado como la diferencia en los usos amorosos de las distintas generaciones o los papeles que la violencia reparte entre las vidas de las mujeres y los hombres. De Francia llegan muchas películas (malas) a nuestras salas. Sin embargo, lamentablemente, esta no se ha estrenado en ninguna. Menos mal que existe Filmin.

Irati

de Paul Urkijo Alijo. España, 2022. 111’.
28 de febrero de 2023. Cines Los Prados, Oviedo. V.O.S.

Un guerrero de un valle del Pirineo derrota a los invasores con la ayuda de una deidad del bosque a la que entregará su vida. Justo antes de la batalla le hace prometer a su hijo que defenderá ese lugar. Y Eneko lo hará con la ayuda de Irati, la hija de la diosa pagana que habita en el submundo de ese valle que tendrá su nombre.

No frecuento las películas de héroes ni de fantasías telúricas, pero esta tenía muy buenas críticas y lo cierto es que se ve con agrado este viaje a los tiempos de la Alta Edad Media en que las fronteras entre lo pagano y lo cristiano aún eran borrosas. En Irati hay simetrías generacionales y de género y también cierta voluntad conservacionista. Pero lo que más llama la atención es la forma de filmar los bellos paisajes navarros y de recrear esos espacios subterráneos habitados por cíclopes saturnales y deidades matriarcales. Por lo demás, me gusta esa frase que se canta en euskera y que también podría haber sido el título de la película: todo lo que tiene nombre existe.

Ellas hablan

de Sarah Polley. EE.UU., 2022. 108’.
27 de febrero de 2023. Cines Parqueastur, Corvera.

Decenas de mujeres fueron violadas en una comunidad menonita mientras dormían. Los hombres las anestesiaban con fármacos para animales y ellas solo sabían lo que les había pasado al despertarse. Dos adolescentes vieron a uno de ellos y varios han sido detenidos. En dos días algunos volverán a la colonia a por el dinero para la fianza. Así que ellas tienen de decidir si luchan contra ellos en la colonia o la dejan para siempre con los niños. 

Aquello ocurrió realmente en una comunidad menonita de Bolivia y salió a la luz en 2009. Sarah Polley tiene el buen tino de mostrar solo los diálogos entre las mujeres mientras deciden lo que van a hacer. La ambientación parece decimonónica y la fotografía, con un color tan neutro que casi parece blanco y negro, está especialmente cuidada. Pero el problema está en el texto y no sé si se debe a Sarah Polley o a que Miriam Toews, la autora de la novela que inspira la película y ha firmado con ella el guion, no ha sabido dar el ritmo adecuado a unos diálogos que a veces parecen impostados o demasiado literarios. Y es una lástima porque Sarah Polley sabe poner la cámara y Miriam Toews había techo un buen trabajo protagonizando Luz silenciosa, la estupenda película de Carlos Reygadas sobre otra familia menonita.

Dilo alto y fuerte

de Nabil Ayouch. Marruecos, 2021. 101’.
25 de febrero de 2023. Laboral Cinemateca, Gijón. V.O.S.

Anap llega a una escuela de arte de un barrio de Casablanca para enseñar rap a unos adolescentes con vidas difíciles. El conservadurismo que les rodea no acepta sus manifestaciones de rebeldía. Y poco a poco serán más intensas y creativas.

El director de Los caballos de Dios, Much Loved y Razzia vuelve a demostrar su capacidad para dirigir a actores no profesionales en situaciones naturales y sacar de ellos lo mejor. El contrapunto de estos adolescentes apasionados por el rap son los clanes integristas que protagonizaban (seguramente en el mismo barrio) la historia de Los caballos de Dios y que aquí aparecen tangencialmente. Aunque es menos dramática, encuentro cierta vecindad entre el empoderamiento por enrapamiento de estos chicos marroquíes y la rebelión de las chicas argelinas que preparaban un desfile de moda en Papicha, la película de Mounia Medour. Lo que me ha gustado menos es quizá la gestualidad un tanto afectada de ese profesor liberador. Pero hay que reconocer que resulta muy complicado trasladarnos desde otra lengua los ritmos de las composiciones raperas. Por eso tienen tanto mérito esos subtítulos que durante casi toda la película intentan algo tan difícil como hacernos sentir la pulsión rebelde y poética de sus alegatos rimados.

El triángulo de la tristeza

de Ruben Östlund. Suecia, 2022. 147’.
23 de febrero de 2023. Cines Los Prados, Oviedo. V.O.S.

Carl y Yaya son una pareja de modelos con mucho éxito en las pasarelas y en las redes sociales (sobre todo ella) pero con ciertas discrepancias. Invitados a un crucero de lujo compartirán la placidez y desenvoltura de la gente bien hasta que todo el mundo vomita en una noche de tormenta. La cosa acaba en naufragio y los ricos compartirán con la tripulación las tribulaciones de tener que sobrevivir en una playa.

Aunque hay sugerencias sutiles y momentos interesantes creo que Rubén Óstlund ha pecado de exceso de confianza en esta película. Quizá el éxito de Fuerza mayor y  The square le ha hecho creer que tiene la varita mágica para retratar la decadencia del mundo contemporáneo. Y es cierto que algunos momentos medio surrealistas parecen propicios para sutiles hermenéuticas sobre el declive del imperio occidental. Pero también lo es que la noche de la tormenta puede recordar tanto al Buñuel de El ángel exterminador como a cualquier bobada de serie B con sobredosis escatológica. O que la tercera parte en la playa puede tener resonancias de El señor de las moscas  de Peter Brook pero también se parece demasiado a esos productos televisivos con gente famosa buscándose la vida en una isla remota. Quizá sea una ambigüedad deliberadamente buscada pero el efecto no me parece fascinante. Nada que ver con El menú, una película con la que El triángulo de la tristeza podría compartir intenciones. Pero diferencia de Ruben Östlund que aquí va de sobrado, Mark Mylod decidió encomendarse no solo a Buñuel sino también a Hitchcock y a Sorrentino y claro, no hay color.

Los hijos de otros

de Rebecca Zlotowski. Francia, 2022. 104’.
20 de febrero de 2023. Cines Renoir Plaza de España, Madrid. V.O.S.

Rachel no tiene hijos y se enamora de Alí que sí tiene una. Ella quiere mantener una relación estupenda con la pequeña Leila. Y lo consigue, aunque eso no le impide pensar en si estará perdiendo sus últimas oportunidades de ser madre.

Rebecca Zlotowski parece querer impugnar el mito clásico de la madrastra. De hecho, la hermosa y dulce Rachel está en sus antípodas. Aquel mito ensalzaba el imaginario de una maternidad que nadie cuestionaba y quizá por eso los cuentos de madrastras resultan hoy tan extraños. Lo cierto es que las dudas de Rachel sobre la posibilidad de una maternidad vicaria plantean cuestiones que hoy parecen raras. Y quizá por eso, a pesar de sus defectos en el guion, Los hijos de otros resulta una película interesante.

Las paredes hablan

de Carlos Saura. España, 2023. 75’.
18 de febrero de 2023. Cines Embajadores, Madrid.

Arte parietal en cuevas de 30.000 años y arte parietal urbano de las tres últimas décadas. Carlos Saura habla sobre todo esto con algunos de sus protagonistas. Con artistas contemporáneos como Miquel Barceló que se sienten más cerca de aquellos lejanos artistas que del arte oficial del presente. Con estudiosos como José Luis Arsuaga que saben que hablan de la condición humana actual cuando hablan de su más remoto pasado. Y con artistas urbanos a los que acompaña y con los que conversa en talleres llenos de espráis o al lado de esas paredes desconchadas en las que van dejado firmas y figuras. 

Venimos por primera vez a los magníficos cines Embajadores para ver esta joya. Este testamento sobre el arte que nos deja Carlos Saura en un documental hipnótico por lo que se dice y lo que se muestra. Toda una lección para aficionados al arte, a la prehistoria, a las culturas urbanas y a las humanidades. Es decir, un regalo para cualquiera. Con Saura entramos en las cuevas de Altamira, el Castillo, el Pindal, Tito Bustillo o en espacios tan prodigiosos como Siega Verde o Chauvet. Y quedamos abducidos por lo que dice Barceló en su taller y por lo que hizo en Mali que ya nos había mostrado Iñaki Lacuesta en El cuaderno de barro. Y abducidos también por lo que dicen y hacen esos grafiteros contemporáneos, primos hermanos de los artistas de las cavernas, que pintan con tanta soltura y hablan con tanto sentido. Hace una semana falleció Carlos Saura. Y esta última película y su Lorca de Saura que vimos en el Palacio Valdés hace bien poco son la prueba de que algunos artistas siguen amando la luz y creando belleza hasta el final.

Los Fabelman

de Steven Spielberg. EE.UU., 2022. 151’.
13 de febrero de 2023. Cines Parqueastur, Corvera.

La infancia y juventud del propio Spielberg en Nueva Jersey, Arizona y California. Y las consecuencias familiares y escolares de su pasión por la cámara.

Hay quizá algún guiño a sus propias películas. También algunas confesiones ambiguas sobre la responsabilidad de su cámara en la separación de sus padres. El tono es ágil y amable. Sin pretensiones nostálgicas ni lecciones cinéfilas. Spielberg nos muestra cómo el cine le cambio la vida a aquel niño que quedó fascinado al contemplar un tren en una pantalla. No es un homenaje al cine en el sentido en que lo son Cinema Paradiso,  La última película o la reciente Babylon. Es, más bien, una evocación personal que podría componer un curioso díptico con La Morte Rouge. Spielberg aportaría la perspectiva americana y Erice la mirada poética.

Klondike

de Maryna Gorbach. Ucrania, 2022. 100’.
8 de febrero de 2023. Filmin. V.O.S.

En el verano de 2014 una pareja de un pueblo del Dombás espera su primer hijo. Los separatistas prorusos están empezando la guerra cuando es abatido un avión comercial que había salido de Amsterdam con destino a Kuala Lumpur. Parte de los restos destrozan la casa de esa pareja. Un amigo de él le recomienda esperar y apoyar a los rusos pero el hermano de ella detesta a los separatistas. Con los milicianos llegando a la casa, ella se pone de parto.

La película trata de la guerra anterior, pero su estreno coincidió casi con el comienzo de la actual invasión rusa de Ucrania. Lo que cuenta es una historia verdadera y la forma de narrarla es toda una sorpresa. Los paisajes abiertos y la manera elegante y sosegada de filmarlos recuerdan al cine de Nuri Bilge Ceylan (nada menos) y la historia es un alegato muy singular contra la guerra. El contrapunto de ese embarazo avanzado con la guerra ya inminente no puede ser más atinado y la forma de plantear los contrastes entre esa (casi) madre coraje y esos personajes masculinos que oscilan entre la apatía, el interés y el sadismo vuelve a recordarnos que la guerra es siempre cosa de hombres. Por lo demás, la elegante manera de poner la cámara, alargar los planos y dar tiempo a que la escena dialogue con el encuadre demuestra que Maryna Gorbach es una gran cineasta. De hecho, la escena final de ese parto hiperrealista ante un paisaje abierto ya justifica por si sola todos los elogios que tan merecidamente está recibiendo esta película.

Llaman a la puerta

de M. Night Shyamalan. EE.UU., 2023. 100’.
6 de febrero de 2023. Cines Parqueastur, Corvera.

Dos padres y una hija pasan unas vacaciones en una estupenda cabaña en medio del bosque. La niña está cazando saltamontes cuando aparece un grandullón que le dice que quiere hablar con sus padres y con ella. Enseguida se le unen otro hombre y dos mujeres que dan bastante miedo y pretenden entrar en la casa. Traen malas noticias. El fin del mundo es inminente y solo se podrá evitar si los tres miembros de esa familia deciden cuál de ellos sacrifica su vida para detener la catástrofe. Como medio para convencerlos los cuatro visitantes se irán inmolando sucesivamente y les irán mostrando en una pantalla de televisión las tragedias que se están desatando en el mundo mientras ellos no se acaban de decidir.

Me ha pasado de nuevo. Igual que con Múltiple, las buenas críticas que he leído sobre esta película y las referencias al espacio único en que se desarrolla la historia me hicieron esperar algo más reflexivo y con cierto estilo teatral. Pero no. La metáfora de los cuatro jinetes del apocalipsis tiene poco recorrido y uno no acaba de saber si lo que se pretende es cuestionar la solidaridad humana y la solidez de la familia (también la homosexual) o denunciar los riesgos globales y la credulidad general. En esto último, me sorprende la ingenuidad casi naif de que el medio para convencer de la catástrofe sea televisivo y las plagas que asolan al mundo lleguen solo a su ombligo anglosajón. Me llama la atención lo complacientes que son muchos críticos con estas cosas y lo crueles que seguramente habrían sido si la película fuera española, el bosque estuviera en Navarra y las pantallas de Tele 5 mostraran a los protagonistas imágenes de tsunamis en las costas de Chile o el Caribe, de virus cebándose con las gentes de Buenos Aires o Barcelona y caídas en picado de decenas de aviones sobre Ciudad de México, Bogotá o Madrid. En fin.

Alarma en el expreso

de Alfred Hitchcock. Reino Unido, 1938. 96’.
5 de febrero de 2023. Filmin. V.O.S.

Tras una noche recluidos en un hotel debido a una gran nevada, varios viajeros de distintas nacionalidades  retoman su viaje en tren por un país centroeuropeo. Una joven inglesa entabla relación con una institutriz mayor que luego desaparece en ese tren. Al principio nadie cree a la chica pero lo cierto es que la mujer es una espía británica y está siendo secuestrada.

Un año antes del comienzo de la guerra, Hitchcock estrenaba esta película en la que el suspense viajaba en tren. Vista ochenta y cinco años después aún se valora más su capacidad para atrapar al espectador en una historia contada con los limitados medios de entonces. Proponiendo un género híbrido entre la comedia, el suspense y el espionaje, y apenas una década después del nacimiento del cine sonoro, Hitchcock firma una película en la que demuestra su maestría para mantener el interés del espectador dosificando la información y cuidando especialmente las transiciones entre escenas. Ayer no pudimos verla porque se llenó el aforo en la Antigua Escuela de Comercio de Gijón donde formaba parte del ciclo de cine clásico que programa este año el Festival de Gijón.

Con esta son 2.000 las películas que he reseñado en este blog. Diez años de cine, de buen cine. Y seguimos en el cine...

Babylon

de Damien Chazelle. EE.UU., 2022. 188’.
1 de febrero de 2023. Cines Parqueastur, Corvera.

Hollywood en los años veinte. Los del final del cine mudo y los primeros balbuceos del sonoro. En aquel mundo barroco, embriagador y fascinante, asistimos al brillo y el declive de algunas estrellas. Los de un galán clásico y elegante, una actriz sensual y chispeante, un trompetista negro y virtuoso y un joven mexicano que quería ser alguien en ese mundo.

 

Babylon es un espectáculo trepidante en el que el todo no es más que la suma de las partes. El final quiere ser un canto a la historia del cine con un epílogo de la estirpe de Cinema Paradiso o La última película. Pero, aunque los personajes de Margot Robbie, Brad Pitt y Diego Calva están pensados como la urdimbre de esa trama, la película parece hecha a partir de escenas yuxtapuestas más que de historias bien trenzadas. Y es una lástima porque el espectáculo es total, el montaje agilísimo y la atención se mantiene bien durante las tres horas que dura la película. Babylon se ve con agrado pero Damien Chazelle no ha conseguido darle la intensidad inmersiva de Whiplash o la emoción deliciosa de La La Land. Con esta última hay cierta vecindad musical de la que no tengo claro si se debe a guiños deliberados o ilusiones mías. En todo caso, pese al barroquismo disfrutón que se nos ofrece, hay momentos en que pienso que menos quizá hubiera sido más.