Tres minutos: una exploración

de Bianca Stigter. Holanda, 2021. 69’.
27 de diciembre de 2022. Filmin. V.O.S.

Tres minutos de una mañana soleada en un pueblo polaco. La presencia de la cámara de David Kurtz atrae a muchos de los judíos que allí viven. Él viene de Estados Unidos y está viajando por Europa. Entre otros países visita Polonia, de donde es originaria su familia judía. En esos tres minutos más de cien personas aparecen en las imágenes. Es en 1938 y tres años después todos serán deportados, primero a los guetos de otras ciudades polacas y luego a los campos de exterminio. Muy pocos de los que nos miran desde esas imágenes sobrevieron. En 2009 Glenn Kurtz, descubre esas imágenes y pone todo su empeño para averiguar cuál fue el lugar en que su abuelo las filmó y quiénes eran aquellas gentes.   

El documental comienza con esos tres minutos de vida sin sonido. Luego una voz acompaña y desmenuza los fragmentos relatando las indagaciones sobre Nasielsk, el lugar en el que fueron tomadas las imágenes, sobre las personas que aparecen en ellas y también sobre su trágico destino. Rebelarse contra el olvido es el propósito de este interesante y reflexivo trabajo de Bianca Stigter a partir de la película de David Kurtz y de las investigaciones de su nieto. En los sesenta y nueve minutos de este documental no hay más imágenes que las que proceden de aquellos tres minutos tan lejanos. Y aún así se mantiene el interés por un contenido que nunca resulta reiterado. Todo lo contrario, desazona no saber más sobre el destino de aquellos seres que nos miran desde el pasado.

Feast

de Tim Leyendekker. Holanda, 2021. 84’.
18 de mayo de 2022. Centro Niemeyer, VII Festival de cine LGBTI, Avilés. V.O.S.

Repaso fragmentario a un caso bastante extraño. El de unos homosexuales holandeses que drogaron a otros y les inyectaron sangre infectada con VIH.

Una policía saca objetos catalogados de una caja. Tres hombres tienen diálogos extraños con pretensiones filosóficas mientras otros tres, que parecen ellos mismos, los observan y lo van comentando. Un hombre responde a contraluz algunas preguntas sobre aquellos encuentros en que se contagiaba el VIH. Una bióloga habla de virus y tulipanes y luego inyecta a un bulbo con una muestra infectada de otro. Tres policías interrogan a un hombre sobre aquellos contagios. También vemos a unos hombres dormidos en una carretera, en un parque, en un banco, al lado de un coche y en una playa. Todo yuxtapuesto y sin ninguna coherencia. El contenido de Feast no creo que empodere mucho a la causa LGTBI. Y no aporta nada al cine.

Un hombre y su cámara

de Guido Hendrikx. Holanda, 2021. 64’.
6 de enero de 2022. Filmin. V.O.S.

Un hombre y su cámara en un pueblo holandés. Vemos lo que él ve y asistimos a las reacciones que su silencio provoca en la gente. Su cámara nos muestra el suelo mientras camina y las puertas de las casas en que le abren y se le quedan mirando. Y también los interiores cuando algunos le dejan entrar. Hasta la cocina.

¿Cómo reaccionan las personas ante una cámara? ¿Cómo lo hacen ante el silencio de quien les mira? ¿Cuál es su actitud cuando la intrusión es en su propia casa? La mayor parte muestran una pacífica curiosidad ante el filmador silente de esta película. Muchos le preguntan qué está haciendo y por qué lo hace. Alguno dice que quizá se trata de una investigación. Y en cierto modo acierta porque este curioso documental podría ser visto como una indagación sobre el efecto del silencio de quien mira en la conducta de quien es observado. O sobre el poder de una cámara encendida en un tiempo y un lugar determinado. Porque seguramente, las actitudes de quienes son grabados no serían las mismas si no estuvieran en sus propias casas, si no fueran holandeses o si no hubieran sido filmados en 2021. Un hombre y su cámara estuvo en la Seminci y era una de las películas que me apetecía ver. Su dispositivo es sencillo y reiterado pero también singular. No es un ensayo fílmico de gran calado pero tiene cierto interés antropológico. Aunque solo sea porque nos permite entrar un momento en la cotidianidad de algunas casas holandesas. Hasta la cocina.

Strike a pose

de Ester Gould y Reijer Zwaan. Holanda, 2016. 83’.
30 de abril de 2017. Centro Niemeyer (auditorio), II Festival de cine LGBTIQ, Avilés. V.O.S.

Veinticinco años después de hacerse famosos acompañando a Madonna, seis bailarines (el séptimo falleció) rememoran aquellos tiempos que también fueron documentados en su momento por la película Truth or Dare. Qué significó para ellos todo aquello y qué hacen ahora es lo que vemos en este documental.

Comienza la segunda edición del Festival LGBTIQ con esta película en la que la efervescencia juvenil, el influjo de Madonna, la homosexualidad y el sida tienen más presencia que la danza. Salvo la fugaz y deliciosa aparición de la madre de José Xtravaganza (al que no hemos podido escuchar en el coloquio porque una descuidada programación lo hizo incompatible con la segunda película) lamentándose en español de que su hijo no hubiera aprovechado bien aquella oportunidad, Strike a pose no aporta mucho a lo que ya sabemos sobre Madonna, sobre los años noventa y sobre el sida. Son seis chicos majos que provocan mucha empatía en el público. Pero nada más.

Eisenstein en Guanajuato

de Peter Greenaway. Holanda, 2015. 105’.
16 de junio de 2016. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

En 1931 Eisentein pasó varios meses en Mexico para filmar una película que nunca llegó a acabar. Pero aquella maravillosa estancia cambió su vida.

Abel Ferrara lo hizo con Pasolini. Ettore Scola con Fellini. Y ahora Peter Greenaway lo hace con Eisenstein. En apenas un año he visto tres películas de directores que homenajean a otros directores mostrándonos aspectos de sus vidas más allá del cine. Y curiosamente la mirada de Greenaway recuerda un poco a la de Fellini. Desde los primeros planos nos presenta al famoso director ruso de los dramones en blanco y negro en un ambiente radicalmente colorista y alegre. Y no solo porque el entorno era tan propicio para ello sino porque Eisenstein el Guanajuato está hecha con  una libertad formal tan radical y divertida (pantalla partida, deformaciones de la imagen, montaje trepidante, coloreado extremo y dinámico...) como la libertad vital y sexual que descubre el protagonista en aquellos tiempos en que sus amigos Rivera y Frida Kahlo revolucionaban algo más que las artes en México y en los que Buñuel y Dalí revolucionaban algo más que el cine en Europa. Así que me ha encantado volver a disfrutar con una película de este director que tanto me gustaba en los años ochenta y al que después he seguido menos. Curiosamente Eisenstein en Guanajuato, además de ser muy interesante para los cinéfilos y muy atractiva para quien disfrute con imágenes barrocas y atrevidas, tiene mucho que ver con la temática del Festival de cine LGBTIQ que el próximo sábado comienza aquí. Ojalá que su programa esté a la altura de películas como esta.

Zurich

de Sacha Polak. Holanda, 2015. 89’.
26 de noviembre de 2015. Teatro Jovellanos, 53º Festival de Cine de Gijón (sección oficial). V.O.S.

Un guepardo observa a una mujer desorientada que sale de un coche semihundido en un canal. Es el preámbulo de una película que tendrá dos partes. En la segunda (que vemos antes) la mujer se acerca a los camioneros y viaja sin rumbo con algunos de ellos por carreteras de Europa. En la primera (que vemos después) sabremos que el motivo de su desesperación es la muerte del padre de su hija, un camionero que tenía dos familias.

El referente obligado es Azul, la primera película de la trilogía de los colores de Kieslowski a la que esta segunda película de Sacha Polak recuerda mucho. La primera que dirigió fue Hemel y la vimos hace tres años en este festival (fue una de las primeras películas que reseñé en este blog). En las dos vamos sabiendo cosas de las protagonistas a partir de relatos fragmentarios. Pero esta es mucho más contenida y equilibrada. Tras el poderoso preámbulo, que realmente servirá de bisagra entre las dos partes, la directora dosifica la información de modo muy aficaz. Zurich es una película de silencios en la que los pequeños gestos lo dicen todo sobre el sufrimiento de esta mujer a la deriva. El festival de Gijón ha traído oportunamente las dos primeras películas de esta interesante directora. Ojalá lo siga haciendo con las que haga en el futuro.

Borgman

de Alex van Warmerdam. Holanda, 2013. 113'.
30 de octubre de 2014. Centro Niemeyer, Avilés. V.O.S.

Borgman sale del bosque y entra en la casa de una familia acomodada. Ha tenido un encuentro violento con el marido, pero la mujer lo oculta y lo protege. La sintonía entre ellos acabará siendo letal cuando Borgman haga aparecer a otros personajes inquietantes.

Las referencias más obvias serían los Funny Games de Haneke o las historias vampíricas. Pero yo encuentro a este Borgman más cercano a una versión holandesa del mito del hombre del saco o del sacamantecas. Hay momentos surrealistas y derivas argumentales sorprendentes, pero no tan radicales como para que la historia no se siga o genere perplejidades. Hay también violencia, pero con un punto irónico o esteticista que también la hace llevadera. Ciertas imágenes (los perros en la casa, los cadáveres en el fondo del lago, la destrucción del jardín...) son sugerentes e inquietantes, pero el conjunto de la película no me resulta tan atractivo como le debió perecer al jurado de Sitges el año pasado.

Matterhorn

de Diederik Ebbinge. Holanda, 2013. 88’.

25 de octubre de 2013. Teatro Calderón, 58º Semana Internacional de Cine de Valladolid (sección oficial). V.O.S.

Fred es un hombre de costumbres y un buen cristiano. Su vida es rutinaria hasta que aparece Theo, un hombre simple que casi no habla y al que Fred acoge en su hogar. Los dos se complementan. El viudo que echó a su hijo de casa tendrá su pareja ideal en este buen salvaje pasmado que acaba de llegar.

Ya ha merecido la pena venir a Valladolid. Aunque solo hemos visto dos películas de la sección oficial, si Matterhorn ganara el festival también lo haría el prestigio de la Seminci. Es una historia naif con atmósferas magnéticas y momentos hilarantes. La excelente composición de los planos, los lentos movimientos de cámara, la omnipresente música de Bach y esos entrañables personajes componen una película singular e inolvidable. Una historia en la que un Robinson bien integrado en la isla de su comunidad consigue recuperar la felicidad al lado de este Viernes que habla con las cabras y hace felices a los niños. Es mucho más que una denuncia del estreñimiento religioso o una reivindicación de la homosexualidad. Es un canto a la vida, a la libertad y a la originalidad. Es decir, cine.

Hemel

de Sacha Polak. Holanda-España, 2012. 80’.
20 de noviembre de 2012. Cines Centro, 50º Festival de Cine de Gijón (sección: Rellumes). V.O.S.

Imágenes de sexo explícito de una pareja que habla explícitamente del sexo. Ella se llama Cielo. Él no importa. Le seguirán otros con los que ella explora e investiga. Son relaciones tentativas en las que Cielo parece una niña que descubre un nuevo mundo en cada encuentro. Y una niña es para su padre. Una niña a la que él despierta cuando tiene pesadillas en la noche y la lleva a hacer pis. Una niña sincera que le conoce y le habla como nadie. Pero la relación entre ambos puede cambiar. Él ha decidido vivir con una mujer que quizá no sea otra más en la monogamia sucesiva que mantiene desde que la madre de Cielo se suicidó.

La película es una historia lineal, pero con partes diferenciadas. Cada una podría ser un cortometraje independiente (de hecho, llevan título). En unos la cámara parece seguir axiomas dogma, en otros casi coquetea con estéticas de videoclip. Alguno es luminoso e intenso (como el de Sevilla), otros ingeniosos (como el diálogo en el que Cielo advierte a la chica cristiana sobre los riesgos de la abstinencia sexual), pero el tono general es más bien frío y pretendidamente críptico. El tema podría ser Electra, pero también el incesto o las diferencias en la vida sexual entre los sexos o entre las edades. O simplemente unas historias sobre sexo con Cielo.