13 días, 13 noches

de Martin Bourboulon. Francia, 2025. 111’.
9 de septiembre de 2025. Cines Parqueastur, Corvera.

En agosto de 2021 entran los talibanes en Kabul. La evacuación de los occidentales y los afganos que les han apoyado es muy complicada. Y alcanza tintes heroicos en el caso de un policía francés que se empeña en llevar hasta el aeropuerto a cientos de personas que buscaron refugio en la embajada de su país.

 

Las imágenes del abandono de Saigón hace cincuenta años y las de las gentes colgándose de los aviones queriendo salir de Kabul son tremendas e inolvidables. En esta película se detalla la gesta, casi heroica, de aquel policía llamado Mohamed Bida que entendió que su trabajo no era obedecer órdenes dejando de pensar y de sentir, sino poner a salvo a la gente en Kabul. Se podría decir que pertenecía a la rarísima estirpe de las Fuerzas Almadas, así que merece la pena reivindicar la figura de un hombre que no disparaba y tenía como único objetivo ayudar a los demás. La película entretiene porque tiene fuerza y emoción, pero pertenece a un género disidente y casi utópico que nada tiene que ver con el monopolio belicista en el cine de acción. De hecho, la dignidad moral que la película muestra en el trato hacia aquellos inocentes contrasta radicalmente con el que ahora reciben los palestinos en Gaza o con la vergüenza de ver compitiendo en las carreteras de España a un equipo ciclista israelí cuyo propietario es un amigo de Netanyahu. Por fortuna, esta semana nuestro gobierno ha adoptado algunas medidas que permiten que, al menos en esto, uno sienta menos vergüenza como español que como europeo. 

El talento

de Polo Menárguez. España, 2025. 103’.
8 de septiembre de 2025. Cines Parqueastur, Corvera.

Elsa tiene por delante un futuro prometedor en Viena cuando supere una prueba de violoncello. Pero antes va al cumpleaños de su amiga Idoia que se celebra en un ambiente de pijos muy ricos. Su familia podría dejar de serlo si ella no accede a la propuesta del padre de Idoia que es también su padrino. Él salvará a sus padres de la ruina si esa noche Elsa va a su habitación y se desnuda.

 

El ambiente social es casi el contrapunto de El plan, la estupenda película de Pablo Menárguez que fue también una obra de teatro. El pijerío es retratado aquí con una mala intención solo compensada por la elegancia de la fotografía y los encuadres. Hay ecos formales de El resplandor y, hasta cierto punto, algunos temáticos que podrían recordar a Eyes Wide Shut. En todo caso, lo mejor de la película son las interpretaciones de Ester Expósito y Pedro Casablanc. Él, como siempre, lo borda y tiene un momento estupendo en el relato del sacrificio de Isaac por Abraham. 

Sin oxígeno

de Alex Parkinson. Reino Unido, 2025. 93’.
1 de septiembre de 2025. Cines Parqueastur, Corvera.

Chris Lemons trabaja como buzo reparando tuberías submarinas en el Mar del Norte. En uno de esos trabajos queda a noventa metros de profundidad desconectado del barco y con solo diez minutos de oxígeno. El rescate será complicado y pasará casi media hora inconsciente y sin poder respirar. 

 

Entre mis paracinefilias está el interés por historias sobre situaciones al límite. Eso incluye, por ejemplo, tipos con un brazo atrapado entre las rocas (127 horas, de Danny Boyle), equilibristas que se atrevieron a tender un alambre entre las torres gemelas (Man on Wire, de James Marsh, y El desafío, de Robert Zemeckis) o submarinos en el fondo del mar (Kursk, de Thomas Vinterberg). Por eso me ha interesado la película de Alex Parkinson basada en el documental Last Breath que él mismo dirigió en 2019 con Richard Da Costa). Desde luego no es la mejor película de este curioso género, pero tiene el interés de situarnos en lugares tan extraterrestres como los fondos marinos y mostrarnos artefactos tan impresionantes como las estructuras de las conexiones gasísticas en el Mar del Norte. Que el protagonista sobreviva tanto tiempo sin oxígeno (por más que la temperatura y la presión lo expliquen en parte) es verdaderamente sorprendente y ningún guionista se atrevería a proponer un final así. Pero es que, a diferencia de la ficción, la realidad no está obligada a ser verosímil. 

El regreso de Ulises

de Uberto Pasolini. EE.UU., 2024. 116’.
22 de agosto de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo.

Ulises regresa a Ítaca doliente y envejecido. Penélope le espera tejiendo y destejiendo mientras la asedian varios pretendientes. Su hijo Telémaco considera que debe decidirse por uno de ellos. Ulises parece un mendigo al que solo ayuda un porquero que tardará en reconocerle. Antes lo hará su fiel perro.

 

Aunque el género es bien distante, el director de películas tan magníficas como  Still life y Cerca de ti intenta mantener una mirada cercana, emocional y hasta ética sobre los últimos cantos de la Odisea. De hecho, formalmente parece más interesado en la sobriedad de los ambientes y la elegancia de la fotografía que en el efectismo propio del cine épico. Por lo demás, hay cierto antibelicismo y ninguna exaltación heroica en la aproximación que Pasolini hace al relato homérico. El resultado es seguramente mucho más contenido que la versión de la Odisea que prepara Christopher Nolan para el año próximo, pero Uberto Pasolini ha acertado plenamente con intérpretes tan sobresalientes como Ralph Fiennes, Juliette Binoche y Ángela Molina.

Weapons

de Zach Cregger. EE.UU., 2025. 128’.
21 de agosto de 2025. Cines Parqueastur, Corvera. V.O.S.

Una mañana la profesora llega a clase y solo está uno de los niños. Los diecisiete restantes han desaparecido exactamente a las 2:17 de la noche. Las cámaras han registrado a varios de ellos saliendo desde sus casas y corriendo hacia la oscuridad.

 

Un relato fragmentario contado desde lo que le sucede a varias personas algún tiempo después de esa inquietante desaparición. Son la profesora, un policía, el padre de uno de los niños, un drogadicto, el director del colegio y también Alex, el niño que no desapareció. Ya solo por la forma en que se van trabando los hechos, la película tiene mucho interés. Es verdad que pertenece al género de terror, pero, aunque lo hay, lo importante no está en los sustos o sobresaltos sino en la forma en que se se combinan los códigos de las historias de brujería (con estética Joker) y de zombis (con variante infantil). Por lo demás, también resultan interesantes ciertos guiños cinéfilos y la posibilidad de encontrar subtextos que permitirían interpretar la historia como un alegato contra ese peligroso sonambulismo social que generan aprendices de brujos como Trump o Musk.

Nunca más

de Klaus Härö. Finlandia, 2024. 85’.
13 de agosto de 2025. Cines Van Dyck, Salamanca. V.O.S.

El 1942 un judío finlandés con liderazgo en su comunidad está convencido de que el gobierno de su país nunca se aliará con la Alemania nazi. Por ello, trata de inspirar confianza a los refugiados que protege en su empresa. Sin embargo, no lo conseguirá con todos y eso hará que se siga sintiendo culpable mucho tiempo después.

 

La historia, basada en hechos reales, se cuenta a partir de los recuerdos que Abraham Stiller le cuenta a una joven periodista en los años setenta. El relato está bien hilvanado y tiene una ambientación y una fotografía particularmente elegantes. En cierto modo es la vindicación de un hombre que, a pesar del bien que hizo, se sentía culpable por lo que no salió bien. Viendo esta película resulta inevitable preguntarse si la estarán viendo también en Tel Aviv. Y si podrán empatizar allí con un hombre con tal nivel de exigencia moral. Solo podrán hacerlo con sinceridad esa pequeña minoría de israelíes que se oponen a que su país pretenda monopolizar la herencia de las víctimas pretéritas y usarla como coartada para la barbarie actual. Qué razón tenía Hannah Arendt cuando decía que los crímenes del nazismo no eran solo contra el pueblo judío sino contra la Humanidad. Por eso los crímenes de Israel no son solo contra el pueblo palestino sino también contra toda la Humanidad. Una vez más conviene recordar lo que ella escribió hace casi ochenta años en relación con el futuro del Estado de Israel. El título de aquel escrito resuena, en cierto modo, en el de esta película:

 

"Incluso si los judíos ganasen la guerra, al final encontrarían destruidas las únicas posibilidades y los únicos logros del sionismo en Palestina. El país que aparecería entonces sería algo muy diferente al soñado por la judería mundial, tanto sionista como no sionista. Los judíos «victoriosos» vivirían rodeados por una población árabe totalmente hostil, aislados dentro de unas fronteras continuamente amenazadas, obsesionados por la autodefensa física hasta un grado tal que sumergiría todos los demás intereses y actividades. El desarrollo de una cultura judía dejaría de ser el objetivo de la gente; los experimentos sociales serían descartados como lujos impracticables; el pensamiento político giraría en torno a la estrategia militar; el desarrollo económico estaría determinado exclusivamente por las necesidades de la guerra. Y todo esto sería el destino de una nación que [...] seguiría siendo un pueblo muy pequeño, sobrepasado numéricamente por sus vecinos hostiles. Bajo estas circunstancias [...] los judíos palestinos acabarían siendo una de esas tribus guerreras cuyas posibilidades e importancia la historia nos ha enseñado de sobra desde la época de Esparta." (Hannah Arendt, «To Save the Jewish Homeland: There Is Still Time», 1948)   

Parenostre

de Manuel Huerga. España, 2025. 96’.
12 de agosto de 2025. Filmin. V.O.S.

Momentos críticos para Jordi Pujol. Los del reconocimiento de las tropelías económicas cometidas por él y su familia y los de la asunción de los daños irreparables que ello habría de suponer para su figura política. Son también los días en que Artur Mas preparaba el referéndum del 9N.

 

Si no supiéramos quién es Jordi Pujol ni hubiéramos oído hablar nunca del procés, la película seguiría pareciéndonos estupenda. La veríamos como el derrumbre de un padre con un carácter tan singular como el de aquel padrino que encarnó Marlon Brando. Aquí el mérito es del gran Josep María Pou que consigue mostrarnos a su personaje en el intenso presente continuo de aquellos días y hacernos entender sus reflexiones y recuerdos sobre los momentos cruciales de su vida. Y lo hace con la fuerza interpretativa con que siempre nos cautiva, pero sin ninguna concesión a la posible impostura que supondría una caracterización que intentara asemejarlo al personaje (la última escena, casi un epílogo, es muy oportuna). Eso es un gran acierto de Manuel Huerga que, ofreciéndonos un retrato verosímil de los protagonistas de aquel tiempo (tanto familiares como políticos) no intenta que los intérpretes se parezcan a ellos, quizá con la excepción de Antonio Dechent que borda su breve aparición en el papel de Villarejo. Por muchos motivos, Parenostre tiene el mayor interés. Tanto por el buen retrato político del tiempo de Pujol en el marco de las relaciones entre Cataluña y España (un buen complemento de todo eso es el libro El hijo del chófer, de Jordi Amat), como por el buen pulso narrativo que hace que Padrenostre sea una película muy estimable.

Misterioso asesinato en la montaña

de Franck Dubosc. Francia, 2024. 109’.
5 de agosto de 2025. Multicines Béjar.

A pocos días de la Navidad pasan cosas en la montaña. Un oso persigue a unos inmigrantes y el que los lleva a la frontera muere despeñado. Volviendo a su casa, un vendedor de abetos consigue esquivar al oso, pero choca con un coche parado y mueren un hombre y una mujer. Y no serán los últimos en la serie de dramáticas casualidades.

 

Tiene algo de Fargo, pero, por suerte, no tiene nada de comedia francesa. Es una película con mucha gracia y unos personajes estupendos: el vendedor de abetos pasmado, su mujer que lee novelas de asesinatos, el policía noblote que investiga, el capo joven y el capo mayor que dan tanto miedo... La historia puede verse como un thriller en la nieve, un cuento de Navidad o una comedia sorprendente. Así que, en este ferragosto, ha sido un gusto conocer el cine de Dubosc con esta singular película que transcurre en escenarios gélidos.

Mi querida ladrona

de Robert Guédiguian. Francia, 2024. 101’.
2 de agosto de 2025. Cines Van Dyck, Salamanca. V.O.S.

María trabaja cuidando a personas mayores. Las trata muy bien y todos la aprecian mucho, pero tiene la mala costumbre de sisarles ciertas cantidades para algunos de sus caprichos. Aunque ahora su objetivo es pagar las clases de piano de su nieto que se va a presentar a un concurso.   

 

Guédiguian quiere mucho a sus personajes. Por eso, en general, todo es bastante luminoso y amable. También los problemas económicos y los líos en que se mete la protagonista. El problema es la verosimilitud de algunas situaciones. Por ejemplo, las edades de los hijos y esos súbitos apasionamientos y venganzas que recuerdan (o quizá quieren evocar) escenas del cine mudo.

Condenados

de Gustav Möller. Dinamarca, 2024. 100’.
30 de julio de 2025. Cines Van Dyck, Salamanca. V.O.S.

Eva es una funcionaria de prisiones bastante diligente. Hasta que pide el traslado al módulo de presos peligrosos en el que ha ingresado un joven que mató a sangre fría a otro recluso. Ella parece estar obsesionada con él.

 

La película da que pensar y que hablar a la salida. Y eso ya es un mérito. Sin embargo, el director de El culpable parece tener las cosas menos claras aquí. O sí, porque finalmente viene a sostener que no es posible traspasar esa línea que en el plano final parece separar a los irreductibles de los reinsertables. Es verdad que la historia de esas dos madres y esos dos hijos dan cierto juego en la construcción del relato, pero da la impresión de que Möller no busca plantear ningún dilema sobre la alienación o la impunidad de los funcionarios prisionados. Más bien parece decantarse por la necesidad de seguir los protocolos y naturalizar la lógica propia del sistema penitenciario. Es lo que hay. 

Una cena...y lo que surja

de Olivier Ducray, Wilfried Méance. Francia, 2024. 77’.
25 de julio de 2025. Multicines Béjar.

La relación entre Sophie y Xavier es aburrida y tensa. Discuten sin acalorarse pero haciéndose bastante daño. Sobre todo él a ella que esta noche se le ha ocurrido invitar a cenar a la pareja que vive arriba. Xavier piensa decirles que está harto del ruido que hacen en sus fogosas relaciones sexuales. Pero no será solo él quien no se corte esa noche y diga lo que piensa.

 

Cambiando a Ana por Sophie y a Julio por Xavier, el anterior resumen es el mismo que el de la reseña de Sentimental. Olivier Ducray y Wilfred Néance intentan mantenerse fieles a la magnífica película de Cesc Gay. De hecho, por momentos parece que Bernard Campan recordara a Javier Cámara. Sin embargo, el original es bastante mejor que la copia. No sé si porque las cuitas entre estos matrimonios tienen más gracia siendo españoles o porque la hemos visto en versión doblada. Lo cierto es que lo que surge en esta cena entretiene, pero no llega a cautivar. 

Matt y Mara

de Kazik Radwanski. Canadá, 2024. 80’.
22 de julio de 2025. Cines Van Dyck, Salamanca. V.O.S.

Mara da clases de escritura creativa en la universidad. Su marido es compositor, pero a ella no le interesa mucho la música. Mara no conduce y él había quedado en llevarla a la ciudad en la que tiene que dar una conferencia. Finalmente, no puede hacerlo y la acompañará Matt, un amigo con el que se acaba de reencontrar. Para ella será un momento de incertidumbre sobre las dos relaciones.  

El amigo recién llegado le regala un libro con una nota que en la escena final ella coloca en una estantería. A la izquierda hay algunos libros de William Carlos Williams y a la derecha uno sobre Rohmer. Es toda una declaración de intenciones sobre lo material y lo formal en esta película. Los personajes que se dedican a las artes, dudan sobre sus sentimientos y son dados a conversar, son propicios para películas sobresalientes hechas con mimbres sencillos. Ahí está el gran Rohmer para demostrarlo. Sin embargo, los devotos de Jonás Trueba o Jaime Rosales no podemos evitar las comparaciones. Así que las cataratas del Niágara o la conversación en el coche no tienen nada que hacer al lado de una sala de cine en Morlaix o del jardín de Fernando.

Léolo

de Jean-Claude Lauzon. Canadá, 1992. 107’.
8 de julio de 2025. Cines Van Dyck, Salamanca. V.O.S.

Léo Lauzon es un niño con una vida muy difícil en un barrio sórdido de Montreal. Su familia está asediada por la locura, pero él se siente a salvo porque cuando sueña no lo está. Y eso es lo que hace mientras lee y escribe, ponerse a salvo de la locura. Así imagina que él no pertenece a esa familia. Que es italiano y se llama Léolo.

 

El tambor de hojalata de Volker Schlöndorff,  Delicatessen de Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro y Léolo de Jean-Claude Lauzon. No sé por qué, pero esta tarde en los Van Dyck he encontrado motivos para pensar en esta posible trilogía de la pesadumbre del último cuarto del siglo pasado. Léolo es tan magnética como terrible. Su fotografía hace atractivo lo repulsivo. Igual que el relato con el que nos va guiando ese Quijote que hace de albacea de los escritos del niño. Y también esa banda sonora magistral que enfatiza la belleza que pervive en el horror. Más de treinta años después, a Léolo seguramente se le nota la primacía de la mirada masculina, plantear que el inglés sea la lengua de la barbarie o presentar a la infancia y la locura de una forma que hoy sorprendería mucho más que entonces. Pero como el realismo mágico, Léolo sigue resultando fascinante.

Morlaix

de Jaime Rosales. Francia, 2025. 124’.
8 de julio de 2025. Cines Van Dyck, Salamanca. V.O.S.

Gwen acaba de perder a su madre. Ella estudia bachillerato en Morlaix, pero quiere irse fuera, quizá a París. Justo lo contrario de Jean-Luc, un joven parisino que acaba de llegar y piensa quedarse. Entre los dos surge una atracción indefinida cuyo desenlace marcará a Gwen para siempre. Uno de esos días van con algunos compañeros a ver una película. Se titula Morlaix y luego la comentan.

 

El duelo, el amor, la juventud, la muerte, el futuro, la intensidad del presente, la relación con la ciudad. Son algunos de los temas que Jaime Rosales trata con maestría en esta joya tan rohmeriana como metafílmica. Filmada en 16 y 35 milímetros, en color y en blanco y negro, con paisajes que buscan las miradas y personajes con mirada distraída. Todo con la misma naturalidad con que Rosales entrevera el movimiento de la vida que el cine capta con las imágenes fijas que la memoria destila. En Morlaix hay cine dentro del cine, jóvenes viviendo y hablando y después adultos evocando. Quizá sea una de las películas conceptualmente más ambiciosas y logradas de Jaime Rosales, pero tan diferente, contenida y cautivadora como el resto de su obra (Las horas del día, La soledad, Tiro en la cabeza, Sueño y silencio, Hermosa juventud, Petra o Girasoles silvestres). Entrando dos veces en la sala oscura a la que Rosales nos lleva en Morlaix uno siente, de nuevo, la fascinación especular de este arte que tanto da que pensar sobre la propia vida. La de aquel presente pretérito que, de algún modo, seguimos habitando y la de esta otra edad en que en una magnífica sala de Salamanca nos sentimos también en otra de la Bretaña. Quizá por eso, al final de la película me he acordado del final de Cerrar los ojos. Y hasta me ha parecido ver en esa sala francesa a un tipo con gafas que miraba el reloj y se parecía a Boyero. Quizá Rosales no pensó en él, pero es lo que tiene este arte especular, que el espectador también retrata, o se retrata, cuando la obra le permite estar tan bien dentro de ella.

El baile del alquimista

de Arantxa Vela Buendía. España, 2024. 84’.
30 de junio de 2025. Casa de la Cultura, Avilés.

El montaje de Sheherezade en el Teatro Romano de Mérida es la ocasión para ver cómo trabaja María Pagés. Cómo interpreta, cómo dirige y cómo piensa. Y también cómo combina el rigor matemático de sus coreografías con la emoción con que las prepara. Lo hace así durante los ensayos y también mientras duerme. Nos lo cuentan con mucha complicidad El Arbi El Harti y ella misma.

 

Utopía. Ese era el espectáculo que María Pagés estrenó en octubre de 2011 en el Centro Niemeyer inspirado en el genial arquitecto brasileño. También en octubre, pero once años después, volvió al Niemeyer con Paraíso de los negros con motivo del Premio Princesa de Asturias que compartió con Carmen Linares. Y a las dos las vimos en Oviedo en ese mismo mes del año pasado en el animado coloquio que siguió a la proyección del documental Carmen y María. Dos caminos y una mirada. Así que ha sido un gusto tenerla de nuevo en Avilés, esta vez en la Casa de la Cultura, presentando este hermoso documental con motivo de su participación en la VII Escuela de Verano que organiza estos días la Academia de las Artes Escénicas de España. Contemplar El baile del alquimista después de hacer visto hace tres años De Sheherezade  en Mérida es reencontrarse con una artista total que dirigiendo el movimiento de los cuerpos consigue conmover el alma.

Tres hombres no pueden ocultarse bajo la tapa de un puchero

de Sergio Montero Fernández y Asur Fuente. España, 2024. 101’.
26 de junio de 2025. Centro Niemeyer, Avilés.

Después de la guerra Honorina tuvo que simular normalidad ante falangistas y franquistas en su casa de las afueras de Sotrondio. Lo hizo muy bien, aunque no era nada fácil porque en un hueco excavado bajo la cocina mantuvo ocultos durante varios años a tres hombres perseguidos por el régimen. Dos de ellos escribieron sendos diarios sobre aquellos duros momentos.

 

La lectura de esos textos por los hijos y nietos, la visita de los familiares a la casa y la preparación de una obra de teatro sobre aquellos hechos son los ejes de un documental que parte de un guion escrito por los propios protagonistas. La proyección ha tenido un sabor especial porque ha contado con la presencia de los directores y entre el público estaban también algunos familiares. Es verdad que tras La trinchera infinita es difícil enfatizar la emoción ante lo vivido en aquellos años infames por tantos exiliados domésticos. De hecho, aquí la evocación resulta un tanto lejana y la edad de algunos familiares hace que el presente se imponga. En este sentido, aunque resulta más conmovedor el planteamiento de películas como El silencio de otros o La calle del agua, siguen siendo necesarios documentales como este. Aunque solo sea porque recuperan testimonios tan relevantes como los de quienes vivieron aquellos hechos.

Tres kilómetros al fin del mundo

de Emanuel Pârvu. Rumanía, 2024. 105’.
25 de junio de 2025. Cines Embajadores-Foncalada, Oviedo. V.O.S.

Adi está pasando el verano en su pueblo. Una noche vuelve herido tras haber sido duramente atacado por su condición homosexual. Tras el reconocimiento médico interviene el jefe de la policía local. Los que le agredieron son hijos de un hombre con importantes contactos políticos. Esta circunstancia y la actitud de los padres al conocer su homosexualidad harán que Adi lo pase muy mal.   

 

El lugar debe estar en el Delta del Danubio y a mí me ha recordado al del Tigre en Argentina. Así que ya solo por eso ha sido interesante ver esta película. Sin duda, se trata de un buen alegato contra la homofobia que tiene el acierto de evitar las imágenes del incidente violento y centrarse en sus circunstancias y consecuencias. En este sentido, es interesante la forma en que pone de manifiesto que el amor sincero de una familia no es incompatible con el fanatismo con que se imponen sus valores o que, en algunos lugares, las garantías del Estado de derecho siguen estando condicionadas por la fuerza tácita de los poderes fácticos.

Los tortuga

de Belén Funes. España, 2024. 109’.
24 de junio de 2025. Casa de la Cultura, Avilés.

Anabel ha conseguido entrar en la universidad para estudiar Comunicación Audiovisual. Su padre ha muerto hace poco y ella ha heredado un olivar en Andújar. Allí pasa la Navidad con sus primos y sus tíos, pero al regresar con su madre a Barcelona les esperan nuevos problemas porque la inmobiliaria ha notificado a todos los vecinos que deben dejar sus pisos. La madre de Anabel es una inmigrante chilena que trabaja de taxista y vive de forma intensa su drama familiar.

 

Tras La hija de un ladrón Belén Funes nos ofrece otra magnífica historia, en este caso sobre una madre y una hija, con una contextualización impecable tanto en esa acogedora familia de Jaén, como en los ambientes menesterosos de Barcelona. El hiperrealismo rural de la primera parte me ha recordado la forma en que Gemma Blasco retrataba en La furia a aquella otra familia del campo. En Los tortuga, Elvira Lara borda el papel de Anabel, con una expresividad en la mirada que desvela y da otro relieve a lo que late en cada escena. Y, por supuesto, otro acierto de Belén Funes es encargar a Antonia Zegers (también magnífica en películas como El castigo, Los perros, El club o Tarde para morir joven) el papel de esa madre que muestra mucho coraje y esconde su debilidad en esa dolorosa situación. Así que Los tortuga (el apodo que hace décadas se daba a los emigrantes) tenemos otra prueba del excelente nivel que tiene el cine español en la actualidad.